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Tengo una banda / soy solista ¿cómo puedo ofrecer mi música en Spotify?

Spotify se ha convertido en objeto de deseo de muchos músicos, no para generar grandes cantidades de dinero pero sí para tener mucha visibilidad.

Deberíamos tenerlo muy en cuenta en nuestra estrategia de marketing musical puesto es una herramienta muy potente y popular. Actualmente Spotify es uno de los reproductores de música en streaming más populares a nivel internacional, cuenta con un gran repertorio musical y cada día suman 20 mil canciones a su catálogo, pero se preguntarán: 

¿Cómo subo mi música a Spotify si no tengo discográfica o soy independiente? 

De acuerdo con el servicio de Spotify, la forma más rápida que tiene una discográfica o artista para que su música esté en el servicio es ponerse en contacto con otra empresa o con un agregador que ya disponga de un contrato y proceso de entrega con Spotify.

Por otro lado, si eres una discográfica que lleva su propio negocio digital y está capacitada para entregar contenidos mediante un feed digital por medio de plataformas como FUGA o Consolidate Independent, la forma más rápida y sencilla es unirte a Merlin Network.

Para los artistas independientes que se autopublican o pequeños sellos discográficos que no cuentan con una plataforma de entrega o un sello que distribuya su material, el siguiente enlace les indica aquellas compañías "agregadoras" que trabaja con Spotify.

Agregadores musicales
Estos son algunos de los agregadores con los que trabajamos que proveen de música de artistas sin sello discográfico a Spotify. Puedes contactar a cualquiera de ellos para tener tu música en Spotify. Puedes ponerte en contacto con alguno de ellos para agregar tu música a Spotify.

Estas son las únicas formas de que el servicio de música reciba el repertorio con el que amplia su catálogo musical todos los días; si están interesados, en cada enlace obtendrán la información necesaria para lograr el cometido y que a su vez su material quede protegido del plagio.

7 razones por las que todo artista debería estar en Spotify
1. Promueve los catálogos de artista subiendo las utilidades a nivel mundial
Cada vez los servicios de streaming generan un porcentaje de ganancias mayor para la industria musical, el ingreso de las empresas Google (con el servicio Songza), Amazon (Prime Music) y Apple (Beats Music) anticipa un golpe fuerte en este sector y probablemente, la creación de nuevas herramientas y oportunidades.

Los tiempos han cambiado y hoy en días las tres disqueras más grandes: Universal, Sony y Warner, tienen áreas que se dedican a curar y promover playlists en Spotify. Esa es la estrategia de marketing; se atrae a posibles oyentes a playlists según temáticas o géneros. En esos playlists podrían colocar nuevos tracks o algunos temas de bandas nuevas, por ejemplo, de manera que quienes lo escuchen quizás por otros artistas, también podrán oír lo nuevo y si les gusta, conocerlo y buscarlo luego.

La ventaja de hacer esto, es que esas personas que nunca te oyeron y que muy probablemente tampoco lo hubiesen hecho si les dabas primero el álbum para comprar, lo llegan a hacer. Sin duda, un servicio de streaming paga menos que el costo de descarga de una canción, sin embargo, hoy el mercado está optando por poseer cada vez menos los temas y más bien oirlos por servicios como Spotify; si lo vez de otra manera, el artista está recibiendo dinero cada vez que alguien escucha su canción y esto era algo que con la piratería no sucedía.

2. Los playlists pueden lanzar y promocionar un hit
El portal de Tunecore puse de ejemplo al hit de Mr. Probz “Waves”. Cuando se lanzó en verano, se oia un millón de veces por día en Spotify. Esto ocurrió en verano y para abril, ya estaba en en top 40 de US Spotify. Esto, fue gracias a los playlists,  y la método de búsqueda de temas que ellos llaman como: lean back, en el cual uno puede encontrar, oír y si te gusta tener los playlists de otras personas que ya han hecho uno.

3. Los servicios de suscripción permiten cultivar a artistas nuevos
Spotify, hoy disponible en 60 países está permitiendo compartir un componente muy importante: información, en este caso musical. Los usuarios hoy buscan bandas nuevas, uno quiere oír más música, y el gran catálogo de los servicios de streaming lo permite. El repentino boom de Lorde, por ejemplo, fue impulsado en gran parte por el equipo de Spotify, que notó cómo la artista nueva iba ganando cada vez más difusión, sin haberse vuelto aun una estrella internacional.

4. Menos piratería
Esto ya se mencionó antes. Existe un antes y un después de los servicios de streaming. Hace unos años, la mayor cantidad de usuarios que no podían o querían necesariamente comprar un disco, lo descargaban gratis. Pero hoy, servicios como Spotify te permiten oirlo, por lo que la piratería ha decrecido, y esto es una gran noticia para los artistas alrededor del mundo.

5. Los servicios de suscripción hacen que el consumidor promedio de música consuma más
Las ventas por descarga digital no han reemplazado a las ventas físicas que vienen cayendo hace mucho. En EEUU, solo el 45% de la población online compra música de alguna u otra manera. El promedio de gasto anual de esta minoría, es de $55.45. Un consumidor Premium de Spotify invierte $120 al año por el servicio ($10 por mes, por 12 meses). Es prácticamente el doble, y el servicio y meta de Spotify es que siga creciendo, de manera que se generen aun más ganancias para los artistas.

6. Promoción gratis
Compartir la música que escuchas en Spotify es muy fácil. Inclusive ahora Facebook te indica qué canción estás escuchando, de manera que uno mismo se puede convertir en un promotor de alguna canción en el momento en que la escuchas o compartes. De esta manera, los propios usuarios y fans están generando constantemente promoción a las bandas y/solistas que siguen, y al multiplicar esto por la gran gama de redes sociales que cada uno maneja, las posibilidades de llegar a nuevas personas se vuelven mucho más amplias.

7. El streaming ya ganó gran parte de la industria
Lo muestran los números y el propio comportamiento de las personas. En este momento las ganancias por streaming ya superaron las ganancias por ventas físicas y se estima superen a aquellas dadas por las ventas online.

Así es muy probable que pronto, el streaming se convertirá en una de los principales, -y a lo mejor la principal-, fuente de ingresos tanto para artistas mainstream como independientes.

Mayor información http://www.spotifyartists.com/

Pedal de efectos

Un pedal de efectos (stomp box en inglés) es un dispositivo electrónico utilizado para alterar el sonido de una fuente. Al ser un artefacto electrónico, la fuente debe ser igualmente electrónica, por lo que sólo pueden ser útiles en una cadena de captura de sonido que se alimente de corriente eléctrica. Se utiliza mayoritariamente en el ámbito musical, tanto en grabaciones como en vivo.

Los más comunes son: Distorsión, Estática, Octavador, Compresor, Saturación, Trémolo, Chorus effect, Reverberación, Delay, Ecualizador, Wah-wah, Flanger, Boost, Sustain o Phaser.

El pedal se conecta a la cadena de señales usando dos conectores o "Plugs" de 1/4" también llamados "conector de audifonos". Algunas cajas de efectos tienen salidas estereofónicas por medio de dos salidas monoaurales y solo algunas tienen conectores estéreo para entrada y salida en uno (aunque esto es poco común). Varios pedales pueden conectarse juntos en cadena. Cuando un pedal está apagado o inactivo, la señal pasa de manera pasiva por el pedal, por lo que no se ve alterada, hacia los otros pedales conectados a la cadena de modo que cualquier combinación de efectos en la cadena pueda ser creada sin tener que conectar y desconectar cajas de efectos al estar en una presentación o ensayo. 

La señal puede ser direccionada a través de las cajas de efectos con cualquier combinación, pero lo más común es poner la señal de distorsión o el pedal de Wah wah al principio de la cadena; los pedales que alteran el tono o color del sonido en medio; y las cajas que afectan la resonancia, como delay, eco o reverberación al final (ya que si tras un eco se pone una distorsión, aparecerá irremediablemente la distorsión por intermodulación. 

También pueden ser usados junto con otras unidades de efectos.



Son llamados pedales porque están situados en el suelo y tienen grandes botones en la parte superior que son activados presionando con el pie, dejando de este modo libres las manos para poder seguir tocando. Algunos pedales, como los wah-wah o los de volumen, también son manipulados mientras están en operación moviendo una plataforma para el pie que a su vez activa un potenciómetro, incluso, en pedales más modernos este mecanismo se ha remplazado por un sistema óptico que evita el desgaste de las piezas y el posterior ruido.

Tengamos eso claro desde un primer momento, el alma la ponemos nosotros y la electrónica va por otro lado. Se puede sorprender al oyente con alma y sin electrónica pero no al revés. 

Supresor de ruido (Noise supressor/ Noise Gate Pedal)
Por ruido entendemos todo sonido inarticulado que nos parece desagradable. El ruido simplemente es, por lo general, "todo aquello que va con los sonidos"; se considera ruido a todas las perturbaciones eléctricas que interfieren sobre las señales transmitidas o procesadas. 
Un pedal supresor de ruido lo único que hace es eliminar esas interferencias en el tono, que pueden ser causadas por muchas razones (por estar tocando con pastillas simples y tener hum o zumbido de sesenta ciclos, por estar tocando con altas dosis de saturación o distorsión; o por haber aparatos electrónicos cerca, otros amplificadores, etc. El pedal supresor no debe en ningún momento interferir en la señal original ni en su envolvente y debe interferir en el ataque natural del instrumento. 

Compresión/limitación o pedal compresor (compressor/limiter)
Un compresor es un procesador electrónico de sonido destinado a reducir el margen dinámico de la señal. Todo pedal compresor puede ser utilizado como limitador. Sin embargo, en formato rack y en mezcla y mastering podemos encontrar estos efectos separados. En el mundo de la guitarra es muy poco usual encontrarnos un pedal que exclusivamente limite. Siempre hablaremos de compresores. Un compresor actúa de forma que atenúa la señal eléctrica en una determinada cantidad (medida normalmente en decibelios) y a partir de un determinado nivel de entrada. El objetivo es conseguir que la excursión dinámica resultante sea inferior a la original, proteger ciertos equipos frente a los posibles picos de señal o si se trata de un sonido saturado intentar disimular el error. Un compresor reduce el rango dinámico. Por el contrario, un limitador lo que hace es cortar totalmente a partir de un umbral específico. 

Ecualización. Pedal ecualizador (EQ)
Un ecualizador es un dispositivo que procesa señales de audio. Modifica el contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello, cambia las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos. De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.
Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. 
Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios. Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal. En el mundo de la guitarra el más común y el que nos vamos a encontrar en los pedales es el ecualizador gráfico. Nos permite dividir esta señal en diferentes bandas de frecuencia, pudiendo alterar la ganancia de cada banda de forma independiente. Su nombre viene dado por la disposición de los potenciómetros deslizables , colocados de forma que permite visualizar la compensación realizada. 

Booster
Este punto es un tanto controvertido ya que tanto el boost (literalmente "empuje", "incremento") como el overdrive (saturación) y la distorsión están en la misma categoría. De hecho hay mucha gente que no conoce la diferencia entre booster y overdrive, al igual que muchos tampoco aciertan a diferenciar overdrive de distorsión...Y estos son conceptos que debemos tener muy claros porque muchas veces no conseguimos acercarnos a algunos de nuestros sonidos favoritos precisamente porque no sabemos qué necesitamos.

Un booster cumple una función que tiene muchos parecidos con un overdrive pero que también tiene muchas diferencias. En un overdrive encontraremos un recorte de graves, unas variaciones en los agudos que nos darán ese golpe extra que buscamos al usar la saturación por pedal. Usando un booster lo que tendremos será un aumento de la señal que hará que las válvulas se saturen, en transistores nos aumentará la presencia de la guitarra y si lo aplicamos en un amplificador limpio nos subirá el volumen. A esto hemos de sumar una importantisima variación: los booster de una frecuencia específica. Hay booster en los que podemos regular varias frecuencias pero también tenemos booster de agudos y bosteer de graves. 

Overdrive y distorsión
Son dos cosas distintas que debemos saber distinguir. El overdrive es el término inglés para "sobrecarga". El sonido limpio de los primitivos amplificadores valvulares se rompía al alcanzar el volumen al que las válvulas saturaban. 

Los pedales de distorsión son mucho más potentes y fríos que los overdrives. Por lo general también más agudos. Con ellos se busca el sonido de alta ganancia y no se presta tanta atención a la dinámica. Son prácticamente exclusivos de la música metal y sobretodo en las variantes más extremas. Se busca un sonido cortante y directo con ganancia de sobra. 

Un caso especial de overdrive lo tenemos con los pedales Fuzz. El fuzz es uno de los sonidos característicos de muchos guitarristas, principalmente el responsable de que muchos adoremos este tipo de saturación es Jimi Hendrix. Parece ser que una mesa de mezclas defectuosa fue la "culpable" del nacimiento del Fuzz. El inglés es un idioma tremendamente onomatopéyico y el nombre de este pedal hace, precisamente, referencia al zumbido que envuelve el sonido de esta saturación. De hecho como se narra en algunas entrevistas al grupo The Who, en sus inicios rajaban los conos de los amplificadores para obtener ese sonido. Es el overdrive más particular del que hay muchísimas variantes. Es bastante más incontrolable pero a cambio nos da un timbre muy característico e identificable. Algunos de los mejores solos de la historia del rock tiene ese sabor único precisamente por estar envueltos en ese pequeño halo nebuloso y hasta cierto punto difuso que otorga el fuzz. 

Información adicional en Inglés




Afinaciones alternativas para la guitarra

Para sacar el máximo partido a nuestra guitarra y a nuestra creatividad, siempre es necesario ir un paso más allá. Las afinaciones alternativas para guitarra pueden lograr un cambio significante en nuestro sonido.

D A D G B E 
Llamada afinación caída o en inglés Drop D Tuning consiste en bajar un tono la sexta cuerda, las demás cuerdas quedarían igual.

Este tipo de afinación es utilizada para realizar acordes de quinta de una forma más sencilla, utilizando solamente un único dedo. Antes de la aparición de las guitarras de 7 cuerdas, se usaba mucho en el estilo metal para conseguir acordes más graves.

D G D G B D 
Llamada afinación de Sol abierto o Open G Tuning, consiste en:

Afinar la sexta cuerda bajando un tono a Re.
Afinar la quinta cuerda bajando un tono a Sol.
Afinar la primera cuerda bajando un tono a Re.

Al ser una afinación que consigue un acorde mayor con las cuerdas al aire, es muy utilizada para estilos que usan guitarra slide o similares.

D A D F# A D 
Llamada afinación de Re abierto o Open D Tuning, con ella conseguimos un acorde mayor de Re tocando las cueras al aire, consiste en:

Afinar la sexta cuerda bajando un tono a Re.
Afinar la tercera cuerda bajando un semitono a Fa#.
Afinar la segunda cuerda en La.
Afinar la primera cuerda bajando un tono a Re

También usada principalmente por los guitarristas de slide, pues las cuerdas al aire tocan un acorde mayor de Re. De este modo, mueves el slide por el mástil y consigues acordes mayores.

C G D G A D
Llamada afinación de Do bajo o Low C Tuning, consiste en:

Afinar la sexta cuerda bajando dos tonos hasta Do.
Afinar la sexta cuerda bajando un tono a Sol.
Afinar la segunda cuerda bajando un tono hasta La.
Afinar la primera cuerda bajando un tono hasta Re.
Utilizado mayoritariamente en la música celta.

C G C G C E
Llamada afinación de Do abierto o Open C Tuning, consiste en:

Afinar la sexta cuerda bajando dos tonos hasta Do.
Afinar la sexta quinta bajando un tono a Sol.
Afinar la cuarta cuerda bajando un tono a Do.
Afinar la segunda cuerda subiendo un semitono hasta Do.
Al igual que algunas de las afinaciones anteriores, con esta se consigue un acorde mayor al aire, en este caso el de Do, pero con la peculiaridad de que si consigue un sonido muy penetrante gracias a que la 6ª cuerda está afinada muy grave.

Qué es una escala?

Una escala es una serie de notas, tocadas una después de otra, que empieza y acaba en la misma nota una octava más alta.

Existen diferentes tipos de escalas: mayor, menor, pentatónica mayor, etc. El tipo de escala está definido por el número de notas y los intervalos entre ellas. Tomemos por ejemplo la escala DO mayor. Esta escala tiene ocho notas (DO RE MI FA SOL LA SI DO) y siete intervalos entre ellas. Los intervalos en este caso son 1 tono (entre DO y RE), 1 tono (entre RE y MI), medio tono (entre MI y FA) y así sucesivamente, lo que da T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2 (donde T representa un tono y 1/2 representa medio tono). La escala mayor para otra nota se construye partiendo de dicha nota y siguiendo el patrón de intervalos general de la escala mayor.

Por lo pronto sólo van a estar las escalas mayores, menores, melódicas y armónicas menores. Más adelante se incorporarán las pentatónicas mayores y menores, exóticas, etc.... 

Las escalas te darán la libertad de poder improvisar, mejorar tu digitación y hasta la de componer.

Mayor
La escala mayor es una escala heptatónica. Esto quiere decir que tiene 7 notas diferentes antes de llegar a la nota de origen de la octava superior. Esta escala se usa desde el renacimiento. Junto con la escala menor constituye las llamadas escalas clásicas, que fueron las unicas utilizadas en Europa hasta el siglo XIX

Intervalos: T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2


Mayor
La escala mayor es una escala heptatónica. Esto quiere decir que tiene 7 notas diferentes antes de llegar a la nota de origen de la octava superior. Esta escala se usa desde el renacimiento. Junto con la escala menor constituye las llamadas escalas clásicas, que fueron las unicas utilizadas en Europa hasta el siglo XIX

Intervalos: T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2


Melódica Menor
Intervalos: T - 1/2 - T - T - T - T - 1/2


Armónica Menor
Intervalos: T - 1/2 - T - T - 1/2 - T1/2 - 1/2


Pentatónica Menor
La escala pentatónica menor tiene cinco notas diferentes. Su origen es difícil de precisar, pues se ha utilizado en muchas épocas y civilizaciones diferentes. Es la más usada en solos e improvisaciones de rock y blues.

Intervalos: T1/2 - T - T - T1/2 - T


Pentatónica Mayor
La escala pentatónica mayor tiene cinco notas como la pentatónica menor, pero el patrón de intervalos es diferente. Su origen también es muy antiguo.

Intervalos: T - T - T1/2 - T - T1/2

Escala diatónica

Todo estudio teórico de la música comienza por una buena comprensión de la estructura de la escala diatónica (la escala mayor es la más representativa).

Es importante destacar en especial la escala diatónica de "do", con la que se inicia generalmente el estudio de la teoría y la armonía en el mundo occidental. La de "do mayor" está conformada por las siguientes notas siguiendo el orden dado: do, re, mi fa, sol, la, si, do en 8va superior (todas ellas naturales/sin alteración) Este Do en 8va superior no es más que la nota tónica (en este caso "do") ejecutada en la octava ascendente superior (por eso recibe el nombre de "octava").

Casi toda tiene separaciones de un tono (1t), excepto Mi-Fa y Si-Do que tienen Semitono (medio tono, 1/2t). La escala mayor o diatónica se divide en dos grupos de cuatro notas denominados tetracordes; la estructura del tetracorde es 1t - 1t - 1/2t; los dos tetracordes están unidos mediante un intervalo de 1 tono que sirve de puente entre ellos.

1t - 1t - 1/2t -    1t    - 1t - 1t - 1/2t

Tetracorde inferior:
do - re - mi - fa, -> 1t - 1t - 1/2t

Unión o puente:
fa - sol -> 1 t

Tetracorde superior:
sol - la - si - do -> 1t - 1t - 1/2t

La escala diatónica mayor se compone de siete sonidos distintos, más la repetición de la primera nota a la octava superior.

En armonía, al conjunto de sonidos que componen la escala se les llama “grados”, y cada grado tiene nombre además del propio de cada nota. Esto es, si trabajamos en la tonalidad de Re mayor, nuestro primer grado de la escala que es un D se le denominará como “tónica” (T); el segundo grado E se llamará “supertónica”; el tercer grado F# “mediante”; el cuarto grado G “subdominante”(S); el quinto A “dominante” (D); el sexto B “superdominante” y el séptimo C# “sensible”. Ya que la octava corresponde al primer grado se denomina de igual forma “tónica”. 

A los intervalos se les denomina según la distancia de grados que existe entre ellos.
La distancia entre un sonido y otro se denomina “intervalo”, y se mide por tonos y semitonos.
Los intervalos se clasifican como: mayores(M), menores (m), justos (J), aumentados (+) y disminuidos (°), según ladistancia que exista entre los sonido.


Las siete notas de la escala diatónica se le llaman grados de la escala. Es habitual indicar estos grados por medio de números romanos. Van desde I al VIII. El obtavo grado, no obstante, es la tónica que se pone para cerrar la escala.

Resumiendo

Tónica: (I) Es la nota básica de la escala musical, la más importante.
Supertónica: (II) Es la nota siguiente a la tónica.
Mediante: (III) Significa "a medio camino", osea, está en medio entre la tónica y la dominante (las dos notas más importantes dentro de la escala musical).
Subdominante: (IV) A la misma distancia de la tónica hacia abajo que la dominante hacia arriba.
Dominante: (V) Es una nota, o grado, muy importante dentro de la escala musical. Es el elemento dominante en la tonalidad.
Submediante: (VI) Está a medio camino, hacia abajo, entre la tónica y la subdominante.
Sensible: (VII) En un tema musical, la sensible es un grado de la escala que tiende a la tónica.
El nombre de sensible lo usamos cuando la distancia entre el séptimo grado y la tónica es de medio tono, como en la escala mayor y en la escala menor melódica ascendente.

Cuando la distancia es de un tono, como en la escala menor melódica descendente, el séptimo grado de ha de considerarse una sensible y se llama simplemente séptimo grado menor, aunque también se emplea el término subtónica.


Como se forman las escalas diatónicas menores?
Con las mismas notas de la escala diatónica mayor se puede obtener otra escala que es conocida como la relativa menor de la escala original. Aunque es posible de un modo informal llamar a esta escala "la relativa menor", en realidad es la escala del tono relativo menor. Así pues, los tonos tienen entre sí una relación conocida como de relatividad mayor/menor e indirectamente sus respectivas escalas asociadas gozan de esta misma relatividad.

La escala diatónica menor también recibe el nombre de escala menor eólica o escala menor natural.

Una forma de conocer la escala relativa menor de cada nota es descender en un intervalo de tercera menor. Esto sería así: si se está en la escala de do mayor y se desciende un tono y medio, nos daría la nota la (do-si-la descendiendo). Por lo tanto, la escala relativa menor de do mayor es la menor, y mantiene la misma armadura (es decir: las mismas alteraciones) aunque comenzando por la 'nueva' tónica (la en este caso).

Ejemplo:
La escala de la menor, siguiendo la terminología expuesta anteriormente, es la escala del tono relativo menor de do mayor. A la inversa, la escala de do mayor es la escala del tono relativo mayor de la menor.

La relatividad entre tonos, e indirectamente, entre escalas, nos indica que las mismas están conformadas por el mismo grupo de notas pero éstas se encuentran ubicadas en diferente posición con respecto a la nota raíz. Por ejemplo, la parte más característica de la escala de un modo mayor o menor son las cuatro primeras notas o primer tetracordo; si en el mayor es Tono-Tono-semitono, en el menor es Tono-semitono-Tono. Ello coloca a la tercera nota un semitono más abajo en el modo menor respecto del mayor, y al acorde tríada de tónica la sonoridad característica conocida vulgarmente como "acorde menor" o "acorde mayor", respectivamente.

Al comparar las escalas diatónicas mayor y menor (natural) se aprecian dos diferencias más, aparte de la diferencia ya expuesta de un semitono más abajo para la tercera. En la escala menor las notas sexta y séptima se encuentran también un semitono por debajo de sus respectivas notas de la escala mayor. Así pues, los intervalos que forman con la tónica las notas tercera, sexta y séptima son menores en un semitono que los correspondientes mayores, y así a estos intervalos reciben el nombre de tercera, sexta y séptima menores, a diferencia de los del modo mayor que se denominan como mayores.

El resto de las notas: fundamental, segunda, cuarta y quinta no varían entre las escalas de los modos mayor y menor cuando se consideran dos escalas con la misma raíz, ni sus intervalos a partir de la nota raíz o tónica, cualquiera que sea ésta.

NO TE QUEDES DANDO VUELTAS A LAS COSAS Y SIN PASAR A LA ACCIÓN

Las mejores cosas en la vida suceden cuando sales ligeramente de tu zona de confort. Lo mismo se aplica a escribir canciones.
Quizá la idea de que tus canciones se escuchen o critiquen te asuste. O quizá te impone la idea de tocar frente a un público. Si eres consciente de que hacer algo te puede llevar camino del éxito y la única razón para no hacerlo es que tienes miedo o te inquieta, te estás engañando a ti mismo..

Empieza dando los pasos que sabes que son necesarios. Puedes comenzar poco a poco e ir construyendo sobre ellos. Por ejemplo, si temes tocar en público, puedes empezar en una sesión “open mic·” donde solo tienes que tocar una canción. O quizá tocar una o dos canciones para un par de amigos. Si estás nervioso, pero sabes que será bueno para ti, hazlo. Poco a poco ve expandiendo los límites de tu zona de confort y el resultado será que ganarás en confianza.

Toma decisiones desde el futuro
A veces tu miedo puede nublar tu juicio. Tu miedo podría instalarse en tu cabeza y convencerte de no hacer algo. Incluso puede llevarte a racionalizarlo de forma que te convenzas de no hacer algo. Si temes ser rechazado, podrías decirte algo como “no voy a presentar esta canción a un supervisor musical, porque probablemente no sea el tipo de canción que están buscando”, Si alguna vez te has dicho algo así a ti mismo, estás usando una excusa como manera de justificar tu miedo.

En momentos así es cuando has de tomar una decisión desde tu futuro. Suena absurdo, pero lo que me gusta hacer cuando me encuentro en una situación como la descrita es preguntarme: “dentro de cinco años, ¿me gustaría haber hecho esto en estos momentos?”. Si la respuesta es sí, probablemente estás poniéndote una excusa porque estás asustado. Es una excusa que te puede estar reteniendo.

Esta es una buena forma de ver las cosas desde fuera para apartar los sentimientos que pueden estar bloqueando tu juicio. Estarás preparado para tomar la decisión correcta que sea lo mejor para ti.

Toma decisiones rápidas
Otra cosa que los compositores temen es tomar rápidas decisiones, porque no quieren equivocarse. El problema es que la gente que tiene éxito toma decisiones rápidas. No se quedan dando vueltas y calibrando las cosas durante meses, preocupados por si hacen la elección correcta. Deciden y si resulta que se han equivocado, procesan la información y la utilizan como experiencia base para futuras decisiones. Aprenden de los errores y los convierten en ventajas. Les ayudan a ser más sabios.

Vemos dos escenarios posibles, como ejemplo:
El compositor A crea una progresión de acordes para una canción. No está muy seguro de si terminar la progresión con un C o un Am, así que la deja a un lado, esperando que la solución se le aparezca más tarde. Unas semanas después vuelve a la progresión de acordes. Todavía en la duda de usar C o Am, utiliza los dos: C al final de la primera progresión y Am al final de la segunda. Utiliza los dos.

Es el momento de escribir una melodía para esa canción. Tiene tres ideas sobre cómo puede ir la melodía, pero no está seguro de cuál usar. Deja la canción a un lado durante otra semana, esperando que llegue una respuesta. Una vez más, incapaz de decidir entre tres ideas de melodía, mete las tres en la canción, así no tiene que escoger solo una.

Tres meses más tarde la canción está lista. Sigue sin estar seguro de que le guste. Quizá es porque pasan demasiadas cosas en una sola canción.

El compositor B crea una progresión de acordes para una canción. No está muy seguro de si terminar la progresión con un C o un Am. Decide finalizar en C. Revisa la canción al día siguiente y llega a la conclusión de que ese C suena bien, por lo que lo deja así. No se preocupa de replantearse el Am.

Tiene algunas ideas para la melodía. Coge la primera que se le ocurrió. La vuelve a escuchar al día siguiente tras tomar un poco de distancia de la canción, y se da cuenta de que la segunda melodía es mejor. La cambia y no vuelve a replantearse la melodía. Sabe que la que tiene ahora es la buena.

Una semana después la canción está terminada. Le llegan algunas opiniones. Algunos amigos músicos en los que confía le hacen algunas sugerencias sobre cosas que podrían mejorarse. Le dan ideas que incluso podría usar para futuras canciones, no solo esta. Decide dejar la canción como está, y usar las nuevas ideas mientras escribe su siguiente canción. Una semana después esa canción también está lista.

Entre estos dos escenarios posibles, el Compositor B tiene muchas más probabilidades de éxito con su método. Toma decisiones con rapidez, lo que le permite obtener más información, trabajar más, aprender más y avanzar. El Compositor A es indeciso y, como resultado, perezoso. No produce mucho, por lo que no aprende de su trabajo.

Acostúmbrate a tomar rápidas decisiones. Haz algo. No te quedes dando vueltas a las cosas y sin pasar a la acción. Tiene que haber reflexión tras cada decisión que tomas en tus canciones, pero decide, avanza, y después sigue tomando decisiones. La diferencia entre quienes tienen éxito y los que no, reside una simple inclinación o reticencia a actuar y ser decidido,

Seguro que ahora tienes un par de estrategias fáciles de implementar para abandonar tu zona de confort y tener más éxito como compositor. ¡Mucha suerte en tus progresos!

Cómo salir de tu zona de confort para aumentar tu éxito como compositor
BY TRACEY GILL MILLER

EL RIFF Y LAS 5TAS

El riff es el concepto que, en cierto modo, define el rock. No existía en ningún otro estilo, ni siquiera en el blues, el soul, o el R&B, y se ha incorporado únicamente en estilos derivados del rock, como el heavy, el thrash, rock progresivo, etc.

Su ventaja es clara, y es que con una linea rítmica diferenciada, nos permite introducir un patrón reconocible por el oyente, algo que permita que el tema sea identificado a la primera escucha y sea más "comercial". 
Además, las variaciones sobre ese riff pueden introducir un solo, una linea rítmica diferente...

En sus comienzos, el riff y las rítmicas en el rock derivan de los recursos más utilizados en blues, pero sin utilizar tanto las séptimas de los acordes (los grados en su forma dominante). 

Pronto los acordes de tríada también desaparecen, debido a la búsqueda de un sonido más "plano" y contundente. Las terceras de los acordes "brillan" demasiado. Son importantísimas en los acordes, pero en el rock su sonido, tan definitorio para el acorde, resta potencia, máxime, teniendo en cuenta la distorsión. Además, las terceras quedan a cargo de la linea de bajo y le permiten trabajar en un espectro en el que las guitarras, omnipresentes en el nuevo estilo, no le roben todo el protagonismo.

Por ello comienzan a usarse las tríadas sin tercera, es decir, los intervalos de quinta justa, formados por una tónica (R) y su quinta justa (nota que se encuentra a 3 tonos y medio de la primera) que pueden ver en el siguiente esquema:




La quinta disminuída y la quinta aumentada, que debieran utilizarse en algunos acordes (grados), son sustituídas por la propia quinta justa. Si bien muchos creen que es por desconocimiento de la armonía, también obedece a razones auditivas, y es que el sonido de esos intervalos con overdrive y distorsión, parece alejarse del sonido buscado en el rock clásico y el hard rock. 

Las formas de intervalos con tensiones excesivas tampoco son arquetípicas en el rock, al menos, si no hablamos del rock sinfónico o el progresivo, que experimenta mucho más con esos sonidos.

Las quintas se utilizan en el rock constantemente, incluyendo su forma invertida, que puede ser confundido con las llamadas Cuartas justas. Las quintas invertidas se digitan igual que las cuartas justas. En un acorde invertido, la tónica es la que está en posición aguda, no en la posición grave. Es el caso de las lineas utilizadas en temas como Johnny B. Good o el riff de Smoke on the water por dar un ejemplo.

¿CÓMO REGISTRAR UNA OBRA MUSICAL?

a) POR OBRA
Es el registro que protege al compositor y lo habilita a cobrar derechos de autor. Se realiza en la DNDA (en Moreno 1230 -C.A.B.A- o en las distintas filiales de SADAIC). El formulario B cuesta $ 30 (pesos treinta) si es música y letra. El formulario A cuesta $ 25 (pesos veinticinco) si es música solamente.

Junto a la(s) planilla(s) de la DNDA (Dirección Nacional de Derecho de Autor) se debe entregar un solo sobre para música y letra.
Para completar el registro, hay que entregar en SADAIC la planilla firmada y sellada por la DNDA + un Boletín de Declaración (que se descarga gratis de http://www.sadaic.org.ar/shared/cdrw/boletin_declaracion_impresion.pdf) con la línea melódica y con la letra escrita en forma de verso.

b) OBRA INTEGRAL o ALBUM
En la actualidad OBRA INTEGRAL y ALBUM poseen el mismo modo de registro de canciones.
Dos o mas canciones (con la misma fórmula de autor/es y compositor/es) pueden registrarse con esta modalidad que protege al compositor/es y lo/s habilita a cobrar derechos de autor. Esta forma también garantiza el cobro de derecho de autor por cada una de las canciones.

La Obra Integral o Álbum sirve para registrar dos o más canciones (recomendamos no más de 15) comprando una sola planilla B en la Dirección Nacional de Derecho de Autor (hoy de $30) para música y letra, o planilla A ($25) para música (instrumental); siempre y cuando esas canciones tengan la misma fórmula de autores y compositores. Por ejemplo: un músico que haya compuesto diez canciones en su totalidad; o dos músicos donde uno hizo las diez letras y el otro las diez composiciones musicales; o dos o más músicos que compartan una composición en porcentajes constantes.

TRÁMITE DE CADA OBRA INTEGRAL O ALBUM
Por ejemplo: para un autor/compositor (o la misma fórmula de autores y compositores) que creó diez canciones, bastará una sola planilla B (si es letra y música) o A (si sólo es música) para registrar esas diez canciones.

1) Para realizar este registro deberá inventarse un nombre de fantasía para identificar la Obra Integral o el Álbum y en Observaciones poner: Obra Integral.
Se recomienda que el nombre de fantasía no coincida con el título de alguna de las canciones que integra esa Obra Integral o Álbum. Deberá presentarse el formulario con el sobre (con un CD con la música o las partituras junto a todas las letras) en la Dirección Nacional de Derecho de Autor.

2) Luego, según nuestro ejemplo, se imprimen once boletines de declaración de SADAIC. En la carátula de cada boletín se completarán los datos personales y el título de la canción (un boletín por canción). En la segunda página, se transcribirá la línea melódica con una simple armonización y; en la última página, se escribirá la letra en verso.

3) Para completar la Obra Integral o Álbum se utilizará el boletín número once. En este boletín también se completará la carátula con los datos, y en el título irá el mismo nombre de fantasía que se utilizó en la planilla presentada a la Dirección Nacional de Derecho de Autor (DNDA) conjuntamente con el término “Obra Integral” o “Álbum” entre paréntesis.

En la parte de atrás del Boletín de Declaración se escriben el nombre de los temas que componen la Obra Integral o el Álbum y los primeros cuatro compases debajo de cada uno. En la otra página se escriben las dos primeras líneas de cada tema musical, indicando el nombre de cada uno.

Es muy importante que se respete el orden seguido en cada una de las canciones que se registran (que sea el mismo para la música y la letra). En caso de ser varias fórmulas de compositores/autores se realizará una Obra Integral o Álbum por cada una de éstas.

GUITARRA - Cuerdas

Sin importar que sea acústica o eléctrica, o de un diseño tradicional o muy vanguardista, sin cuerdas una guitarra simplemente no puede sonar, y esto se debe a que la mayoría de las partes del instrumento funcionan alrededor de ellas. Salvo algunas excepciones, cada parte de la guitarra ha sido diseñada específicamente para trabajar en conjunto con las cuerdas para que el instrumento produzca sonido, ya sea anclándolas, afinándolas, amplificándolas, y permitiendo su digitación.

Tan esenciales como son, las cuerdas también son la parte de la guitarra más parecedera: el material del que están hechas es sensible a la humedad y a la temperatura ambiental, además se mantienen tensas y vibrando constantemente, y bajo el efecto de la acción de las manos del intérprete. Todo esto hace que las cuerdas se dañen con relativa rapidez, lo que a su vez tiene un afecto negativo en el sonido de la guitarra. Por lo tanto, la condición de las cuerdas debe ser revisada con regularidad para mantener la calidad de sonido del instrumento. Si las cuerdas han tenido mucho uso o estan visiblemente dañadas, deben ser cambiadas.

Antes de cambiar las cuerdas, primero debemos hacer algunas preguntas:

1.     ¿Haz usado las mismas cuerdas los ultimos 2 meses?
2.     ¿Las cuerdas están oxidadas?
3.     ¿Las cuerdas están asperas?
4.     ¿Las cuerdas suenan apagadas?
5.     ¿Se ha roto alguna de las cuerdas recientemente?

Si haz respondido SI a algunas de estas preguntas, probablemente es tiempo de cambiar tus cuerdas.

Para Guitarras Eléctricas y Acústicas
Debido a la humedad en tus dedos y en el ambiente, las cuerdas se corroen y oxidan con el paso del tiempo, y su capacidad para vibrar disminuye. Esto no solo causa que el sonido se apague, sino también algo peor, el tacto de las cuerdas se vuelve áspero lo que incluso podría lastimar tus dedos. Las cuerdas también se pueden poner quebradizas por demasiada vibración; solo piensa como un clip de papel se rompe si lo retuerces demasiado, los mismo le pasa a las cuerdas.

Si tocas mucho, digamos por 2 horas al día todos los días, entonces deberías cambiar tus cuerdas cada mes. Si tocas menos, pero aún rasgueas casi todos los días, lo máximo que deberías dejarlas en la guitarra debería ser 2 meses. 

Existe una alternativa a cambiar tus cuerdas con tal frecuencia. Puedes comprar cuerdas cubiertas (coated strings). Estas duran por más tiempo debido a una cobertura sobre las cuerdas que previene la corrosión y que la suciedad se acumule. Algunas marcas de calidad son D'addario EXP, Elixir Nano y Polyweb, y GHS Coated Boomers. Las cuerdas cubiertas tienden a durar de 3 a 5 veces más que las cuerdas normales, por lo que las puedes dejar puestas por más tiempo. Sin embargo también necesitan ser cambiadas. Deberías hacerlo por lo menos cada 4 meses ya que son propensas a romperse por la vibración, como fue explicado anteriormente con la analogía del clip de papel. 

Para Guitarras Clásicas
Las cuerdas de este tipo de guitarra están hechas de un entorchado mixto de metal y seda (4ta, 5ta, y 6ta cuerdas), o hechas completamente de nylon (1era, 2da, y 3ra cuerdas), por lo que son menos sucepctibles al óxido y duran más que las cuerdas de las guitarras acústicas y eléctricas. Sin embargo, con el uso constante tienden a estirarse más allá de su punto óptimo y pierden consistencia, por lo que producen un sonido apagado y se vuelve difícil mantenerlas afinadas. Debido a esto, también necesitan cambio con reguaridad, pero con menos frecuencia. Deberías cambiarlas cada 3 meses si no son cuerdas cubiertas, y cada 6 meses si son cubiertas. Dos marcas de cuerdas cubiertas para guitarra clásica recomendables son D'addario EXP, Elixir Nano y Polyweb.

Hábitos De Limpieza 
Independientemente de que tus cuerdas sean cubiertas o no, siempre mantenlas limpias. Para ello lava tus manos antes de tocar, y después de tocar pásales a las cuerdas, por encima y por abajo, un trapo seco y limpio para quitar los restos de sudor y particulas de piel que hayan quedado sobre ellas. También lava tus manos después de tocar, para remover el sudor y óxido que haya quedado en ellas. Además considera usar un acondicionador de cuerdas ya que este líquido mantiene la corrosión controlada. Buenos acondicionadores de cuerdas son el  Dunlop Ultraglide 65 String Cleaner & Conditioner, y GHS Fast Fret.

Toma toda esta información como una referencia ya que la frecuencia con que se cambian las cuerdas de una guitarra no es una ciencia exacta, pues depende de varios factores que van desde la humedad ambiental -en climas húmedos las cuerda pueden oxidarse en cosa de días- hasta el gusto del intérprete. Por lo tanto revisa las cuerdas periódicamente y dales mantenimiento, ya que independientemente de su tipo, la limpieza regular y un buen acondicionador pueden alargar la vida de las cuerdas considerablemente.

BAJO - Cuerdas

¿Con qué frecuencia debo renovar las cuerdas de mi Bajo Electrico?
Esto depende directamente de la cantidad de tiempo que se utiliza el instrumento y el cuidado que se le da a este. Las cuerdas son el nexo entre nosotros (Nuestros dedos) y el instrumento, por lo que son de suma importancia y se les debe dar un cuidado acorde.

Un primer factor podría referirse al presupuesto individual del músico. Pero diría que las cuerdas no son precisamente las piezas más caras a una necesaria renovación, mientras que, generalmente, el instrumento gana en los armónicos de su sonido, gozando nuestros oídos de una agradable satisfacción cuando le instalamos un nuevo juego de cuerdas.

Por otra parte, a medida que usamos nuestro bajo, además de envejecer los materiales, se va depositando, poco a poco, grasa y transpiración que inconscientemente emanamos desde nuestros dedos, creando capas sobre capas de grasitud depositadas sobre las cuerdas, que las torna así más toscas y perezosas, con un sonido menos brillante (por ejemplo, por ir perdiendo su baño de níquel), hasta que finalmente llegaremos a apreciar que suenan opacas y apagadas.


¿Como saber si mis cuerdas necesitan ser reemplazadas?
Existen muchas formas para darse cuenta que tu cuerdas ya no suenan correctamente.

Llevar tu instrumento a un luthier. Este no solo te asesora en materia de cuerdas, sino que también chequea el estado general del instrumento.
Si ya cambiaste tus cuerdas alguna vez, debes saber que tu bajo debe sonar de esa forma. Me refiero a que el sonido correcto de las cuerdas es el que poseen al colocarlas por primera vez. Este sonido brilloso y con sustain va disminuyendo con el paso del tiempo. Obviamente no vamos a cambiar nuestras cuerdas todas las semanas, Lo que debemos hacer es buscar un criterio razonable por el cual no derrochemos nuestro dinero pero tampoco dejemos de sonar bien. Un show importante, una grabación, una calibración anual son buenos momentos para el cambio.

Compara el sonido de tu instrumento con el sonido de tu músico preferido. Ya se que además de las cuerdas, el sonido logrado depende del bajo, amplificador, ecualizador, parlante, etc, etc, etc. Sin embargo el sonido de las cuerdas es muy audible ya que el 80 por ciento del sonido final proviene solo de las cuerdas. El resto es audio.

Tipos de Cuerdas

Roundwound: Tienen un entorchado más áspero, a pesar de lo cuál suelen ser las más demandadas, porque proporcionan un sonido más brillante y rico en armónicos, los cuales “envolverán” a los tonos principales emitidos por cada cuerda, e incluso obteniendo al tiempo un mayor “sustain” (más tiempo sonando mientras se mantenga la cuerda pulsada) y que luego lo podrás mitigar a tu gusto, usando el resto de dedos de la mano. Estas cuerdas son utilizadas en una amplia variedad de estilos, tales como (rock, pop, folk, blues, jazz, musica latina, etc.).

Flatwound: Son lo contrario a las anteriores, con un entorchado más plano o “liso”, nada áspero, pero que, a cambio, nos entregan un sonido con menos armónicos, como menos “aterciopelado”, algo más grave y con menos “sustain” respecto a las anteriores. Estas cuerdas son recomendables para usarlas con los diapasones “fretless” (bajos sin trastes), para así evitar daños o marcas no deseadas en la madera de ese diapasón, al presionar contra ella las cuerdas con nuestros dedos. 

Halfwound: Se utilizan menos y son, aparentemente, una mezcla resultante entre los dos tipos descritos anteriormente, con la parte superior construida con entorchado plano, mientras en la inferior tiene un entorchado más pronunciado.

Groundwound: Son muy parecidas a las primeras, con un entorchado “normal” pero al que se le ha aplicado una lijadura más o menos pronunciada, lo que, evidentemente, le restan algunos armónicos.

Tapewound: Son también parecidas a las primeras, pero éstas recubiertas de un fino acabado de Nylon que consigue un sonido algo “redondo” y de gusto un tanto especial, quizá preferidos por algunos músicos bajistas que interpretan tipos muy determinados de jazz clásico.

Coated: Son encordados generalmente del tipo Roundwound, aunque pueden ser de cualquier tipo, a los cuales se les aplica una pintura especial sobre la superficie de la cuerda, lo que le brinda una protección contra la grasitud y la corrosión. Las cuerdas Coated son más caras que las cuerdas que no poseen este proceso, sin embargo su sonido original dura mucho mas, resultando en cuerdas nuevas siempre. Se las puede conseguir sin color o coloreadas, dependiendo del fabricante.

Marcas
Existen muchisimos fabricantes de encordados para bajo electrico. Practicamente todos los fabricantes de instrumentos e insumos musicales fabrican cuerdas de bajo. Aqui una lista de los fabricantes que conozco. Si me olvide de alguna, por favor díganmelo.

  • Adams
  • Black Diamond
  • Clearton
  • D´addario
  • D´angelico
  • Darco
  • Dean Markley
  • De Armond
  • DR Strings
  • Dunlop
  • Elixir
  • Ernie Ball
  • Everl
  • Fender
  • Fodera
  • Guild
  • GHS
  • Hartke
  • Ken Smith
  • La Bella
  • Martin & Co.
  • Oasis
  • Optima
  • Peavey
  • Pedulla
  • Rotosound
  • Rouge
  • SIT
  • Spector
  • Stagg
  • Steinberger
  • Thomastik
  • Warwick