Mostrando entradas con la etiqueta TIPS. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta TIPS. Mostrar todas las entradas

Las canciones exitosas son de 4 acordes

La mayoría de las canciones pop/rock constan de una melodía cantada a la que acompañan varios instrumentos realizando progresiones de acordes, acordes que se suceden y que se repiten sirviendo como una estructura armónica que soporta la melodía.

Si la melodía es una sucesión de notas ordenadas las progresiones son sucesiones de acordes. Algunas de estas progresiones acaban por convertirse en modelos sobre los que se han construido gran cantidad de canciones de éxito. Es decir, que muchos músicos parten de esta progresión, variando en ocasiones el ritmo o los instrumentos añadiendo una melodía propia. Así consiguen atraer el oído del oyente con algo familiar pero aportando algo nuevo.

En realidad este recurso lo podemos encontrar en otros momentos de la historia de la música.

La progresión de I -V - vi - IV es una progresión común de acordes en varios géneros de música. Por ejemplo en clave de C mayor esto sería: C - G - Am - F. 

Usos basados ​​en un punto de partida diferente pero con el mismo orden de acordes / intervalos:

Ejemplo en C
  • I - V - vi - IV = C - G - Am - F (optimista)
  • V - vi - IV - I = G - Am - F - C
  • vi - IV - I - V = Am - F - C - G (pesimista)
  • IV - I - V - vi = F - C - G - Am

La progresión de los años 50 utiliza un orden diferente (I - vi - IV - V), sin importar el punto de partida. También se conoce como "progresión pop-punk" debido a su uso frecuente en el pop punk.

¿Por qué tantas canciones usan los mismos acordes?
Técnicamente, no todas las canciones usan los mismos acordes. Lo que sí utilizan es la misma relación entre ellos (fórmulas de progresión acordes). 

Toca las canciones usando C, G, Am y F, estos acordes se pueden transponer a otra clave completamente diferente siempre y cuando se mantenga la relación entre ellos. En la clave de G (Sol), por ejemplo, los acordes serían G, D, Em y C (Sol, Re, Mi menor y Do).




En este video puedes ver una parodia de cómo se abusa de algunas de estas progresiones como es la formada por los cuatro acordes I - V - vi - IV en tonalidad de C mayor. 



La lista de canciones
Journey – “Don’t Stop Believing”
James Blunt – “You’re Beautiful”
Black Eyed Peas – “Where Is the Love”
Alphaville – “Forever Young”
Jason Mraz – “I’m Yours”
Train – “Hey Soul Sister”
The Calling – “Wherever You Will Go”
Elton John – “Can You Feel The Love Tonight” (from The Lion King)
Akon – “Don’t Matter”
John Denver – “Take Me Home, Country Roads”
Lady Gaga – “Paparazzi”
U2 – “With Or Without You”
The Last Goodnight – “Pictures of You”
Maroon Five – “She Will Be Loved”
The Beatles – “Let It Be”
Bob Marley – “No Woman No Cry”
Marcy Playground – “Sex and Candy”
Men At Work – “Land Down Under”
Theme from America’s Funniest Home Videos
Jack Johnson – “Taylor”
Spice Girls – “Two Become One”
A Ha – “Take On Me”
Green Day – “When I Come Around”
Eagle Eye Cherry – “Save Tonight”
Toto – “Africa”
Beyonce – “If I Were A Boy”
Kelly Clarkson – “Behind These Hazel Eyes”
Jason DeRulo – “In My Head”
The Smashing Pumpkins – “Bullet With Butterfly Wings”
Joan Osborne – “One Of Us”
Avril Lavigne – “Complicated”
The Offspring – “Self Esteem”
The Offspring – “You’re Gonna Go Far Kid”
Akon – “Beautiful”
Timberland featuring OneRepublic – “Apologize”
Eminem featuring Rihanna – “Love the Way You Lie”
Bon Jovi – “It’s My Life”
Lady Gaga – “Pokerface”
Aqua – “Barbie Girl”
Red Hot Chili Peppers – “Otherside”
The Gregory Brothers – “Double Rainbow”
MGMT – “Kids”
Andrea Bocelli – “Time To Say Goodbye”
Robert Burns – “Auld Lang Syne”
Five for fighting – “Superman”
The Axis of Awesome – “Birdplane”
Missy Higgins – “Scar”

Robert Schumann: Consejos a los jovenes estudiantes de musica

Robert Schumann, el mas grande compositor aleman del periodo romantico, fue tambien autor de una valiosa critica musical.

En 1842 – con Knorr, Schunke y Wieck (su maestro) – fundo en Leipzig, la “Nueva Gaceta Musical”, de la cual fue el unico redactor desde 1835 hasta 1844.

En dicho periodico, Schumann lucho infatigablemente en pro del progreso musical, a veces fustigando (por ejemplo: a Meyerbeer), a veces elogiando (por ejemplo: a Cherubini y a Mendelssohn); pero la gloria de Shumann, como critico musical, es la de haber revelado al publico el genio de Chopin (1810-1849), de Berlioz (1803-1869) y de Brahms (1833-1987).

 
Consejos a los jovenes estudiantes de musica
La educacion del oido es de maxima importancia; es conveniente, pues, que en seguida te ocupes de ella, esforzandote en reconocer cualquier sonido que escuches y la tonalidad de cada trozo de musica. Procura saber y reconocer los sonidos. 

Tocar con atencion las escalas y los ejercicios mecanicos es una cosa optima; pero no imites a esos pianistas que, creyendo que con esto se alcanza el maximo resultado, dedican siempre, hasta las mas avanzada edad, varias horas diarias a los ejercicios mecanicos de los dedos. Eso equivale a repetir diariamente, con creciente rapidez, las letras del abecedario. Es necesario emplear mejor el tiempo (Nota: este consejo se aplica a todos los instrumentos no solo el piano)

Se han construido los llamandos teclados mudos; pero despues de breve uso te convenceras de su inutilidad: ¿como pueden los mudos enseñar a hablar?

¡Lleva bien el compas! La ejecucion de algunos concertistas se parece al andar de un borracho; guardate de tomar a ellos por modelo.

Profundizate temprano en las leyes fundamentales de la armonia.

No te asustes de los nombres: Teoria, Armonia, contrapunto, etc; con un poco de buena voluntad, pronto te seran familiares.

¡No toques negligentemente! Ejecuta cada trozo siempre con mucha atencion, sin omitir nada.

Tocar muy aprisa es un defecto tan grande, como tocar muy despacio.

Procura ejecutar lo mejor posible obras faciles, obtendras asi mas beneficios que ejecutando mediocremente composiciones dificiles.

Ten siempre tu instrumento perfectamente afinado

No basta con ejecutar con los dedos la musica; hay que saber tambien cantarla, en voz baja, sin recurrir al instrumento

Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodia de una composicion, sino tambien su armonia.

Aunque tengas poca voz, acostumbrate a cantar repentizando, sin la ayuda de instrumento alguno; asi perfeccionaras siempre mas el oido. Pero si tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no vaciles en educarla: ¡considerala como uno de los mas preciados dones que te haya concecido Dios!

Procura llegar a comprender la musica escrita, sin ejecutarla: con solo leerla.

Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero si, ejecuta siempre como si te escuchara un maestro.

La primera cualidad de la interpretacion es la precision, o sea la exacta observancia del texto, que pone de relieve la mas recondita intencion del autor.

Si te dan para tocar un trozo que no conoces, leelo antes de ejecutarlo

Si despues de la tecnica diaria estas cansado/a, no continues tocando: es mejor descansar que trabajar sin placer y sin energia.

No ejecutes las composiciones que estan de moda. El tiempo es precioso, y seria necesario vivir cien veces mas de los que se vive para llegar a conocer solo la buena musica existente.

Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La nutricion del espiritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente: alimentate de sus obras.

Aquella música cuyo fin es poner en evidencia dificultades tecnicas en la ejecucion pronto pasa de moda: las dificultades tecnicas tienen valor solo cuando persiguen fines mas elevados, o sea cuando logran una perfecta ejecucion de la musica de verdadero merito.

No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas de impedir su difusion.

No toques musica mala y, salvo que las circunstancias te obliguen, tampoco la escuches.

No creas que la verdadera maestria consiste solo en la agilidad. En la ejecucion de un buen trozo procura mas bien producir la impresion que tenia en la mente el compositor y nada mas. Cualquier otra cosa seria caricatura.

No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambios y mutilaciones en la musica de los grandes compositores, como tambien agregar adornos de uso exclusivamente moderno. Es la maxima injuria que se puede hacer al arte.

NOTA DEL TRADUCTOR – Aqui recuerdo lo que dice Berlioz al respecto: “No, no, no, diez millones de veces no; musicos, poetas, actores, pianistas, directores de orquesta de tercero, segundo y tambien de primer orden, vosotros no teneis el derecho de retocar a los Beethoven y a los Shakespears, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vuestro gusto. No, no, no, mil millones de veces no: un hombre, cualquiera que sea, no tiene el derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia fisonomia para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a asumir una forma que el no ha elegido”.


Al seleccionar la musica que debes estudiar, consulta siempre a personas con mas experiencia que tu; ahorras tiempo.

Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los grandes compositores.

No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los llamados virtuosos. La aprobacion de los competentes sea para ti de mayor valor que la del publico.

La musica que esta de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla, seras considerado un necio.

Tocar mucho en reuniones sociales es mas dañoso que util. Adaptate al gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna musica de la cual, intimamente, puedas avergonzarte.

Aprovecha la ocasion de ejecutar musica de conjunto, o sea duetos, trios, cuartetos, etc; adquiriras siempre desenvoltura y arrojo en la ejecucion. Tambien es beneficioso acompañar a los cantantes.

Si todos quisieran ser primer violin, ¿como seria posible formar una orquesta? Por lo tanto valora a cada ejecutante en la parte que desempeña.

Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que el es mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona tambien que existe la voz humana, y que en la musica se alcanza lo sublime uniendo el coro a la orquesta.

Progresando en el arte, trata de familiarizarte mas con las partituras que con los virtuosos.

Ejecuta muy a menudo las fugas de los grandes maestros, maxime las Johann Sebastian Bach. El clave bien temperado sea tu pan cotidiano: llegaras, sin duda, a ser un pianista de prestigio.

Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben mas que tu.

Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de los buenos poetas, ademas pasea muy a menudo por los campos y los bosques.

Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer todo lo que dicen.

Reflexiona que no eres unico en el mundo; por lo tanto se modesto. Tu no has ideado o hallado cosas que otros no hayan ideado o hallado antas que tu; y en el caso que esto aconteciera, consideralo como un Don que debes dividir con otros.

El estudio de la historia de la musica  y la audicion de las obras de los grnades maestros de distintas epocas, son los verdaderos remedios contra toda vanidad y presuncion.

Un hermoso libro es el de Thibaut, titulado Pureza del arte musical. Leelo muy a menudo cuando llegues a la edad madura.

NOTA DEL TRADUCTOR – Antonio Federico Juste Thibaut nacio en Hameln el 4 de Enero de 1774 y fallecio el 28 de Marzo de 1840 en Heidelberg, donde era profesor de derecho. En 1825 publico el libro Pureza del arte musical (cuya version al español no existe), que en Alemania ejercio mucha influencia sobre el renacimiento de la musica antigua, maxime la de la iglesia.

Thibane llego a reunir mas de 600 importantes composiciones de distintos autores de todos los paises (siglos XV, XVI, XVII y XVIII).



Si pasando delante de una iglesia, oyes tocar el organo, detente y escucha. Si alguna vez puedes tocar dicho instrumento te asombraras de la gran potencia de la musica producida por tus pequeños dedos.

Aprovecha cuantas ocasiones se te presenten de ejercitarte en el organo; ningun instrumento como este hace oir claramente las deficiencias de la ejecucion y el pesimo estilo de la composicion.

Canta muy a menudo en los coros, maxime en las partes medias: esto contribuira a formar tu sensibilidad musical.

¿Que quiere decir poseer sensibilidad musical? Tu no la posees si tocas un trozo con fatiga, mirando con ansiedad los sonidos escritos, o si ejecutando, te detienes de repente y eres incapaz de continuar, porque te han dado vuelta dos paginas el mismo tiempo. Por el contrario tu la posees si, tocando un trozo nuevo para ti, llegas a adivinar, en cierto modo, lo que sigue; o si el trozo es conocido, lo recuerdas. En conclusion, tu posees sensibilidad musical si tienes la musica no solo en los dedos, sino tambien en la cabeza y en el corazon.

¿Como se puede adquirir la sensibilidad musical? Mis queridos amigo(a)s, la sensibilidad musical es un don y consiste, principalmente, en tener un oido delicado y una rapida facultad de percepcion. Estas dichosas disposiciones pueden ser cultivadas y perfeccionadas, pero no encerrandose en un cuarto y tocando solo los ejercicios mecanicos, sino estando en contacto con otros musicos y especialmente familiarizandose con el coro y con la orquesta.

Procura conocer bien y a tiempo la extension de la voz humana en sus cuatro modificaciones. Estudiala particularmente en los coros, investigando cuales son los sonidos con los que la voz manifiesta mayor potencia, y cuales aquellos con que expresa pasiones tiernas y sentimientos delicados.

Escucha con atencion los cantos popularaes: ellos constituyen un rico manantial de hermosisimas melodias que te facilitaran el estudio sobre el caracter de la musica de las diferentes naciones.

Ejercitate muy a menudo en la lectura de las claveas antiguas, de lo contrario, ignoraras muchos tesoros del pasado.

Pon atencion al diferente timbre y al caracter propio de los distintos instrumentos, procurando retener en tu oido las cualidades particulares de sus sonidos.

Respeta la musica antigua; pero interesate tambien por la moderna

No tengas animo adverso por la musica cuyo autor te es desconocido.

No juzgues una composicion despues de la primera audicion, pues lo que agrada en seguida no siempre es lo mejor. Las obras de los grandes maestros deben ser estudiadas, y muchas cosas seran claras para ti cuando tengas mas años.

Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir aquellas que pertenecen al verdadero arte de las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.

¡Melodia! – he aqui el grito de guerra de los aficionados. Y a decir verdad, no existiria musica sin melodia. Pero es necesario conocer bien que cosas entienden ellos por melodia: un estribillo de facil comprension y de agradable ritmo. Pero existen melodias de genero diferente: si se da un vistazo a las obras de Bach, mozart, Beethoven, se vera como en ellas se presenta bajo mil formas. Es de esperar que pronto te fastidien las melodias uniformes.

Es bueno componer pequeñas melodías en el piano; pero si las ideas musicales vienen a ti, sin buscarlas en el piano, tendrás que alegrarte mucho más, porque tu sensibilidad musical se despierta. Los dedos deben ejecutar lo que el cerebro quiere, y no lo contrario.

Cuando empieces a componer, imagina primero con el pensamiento, y sólo cuando tu trabajo está completamente ideado en tu cerebro, ejecútalo en el piano.

Si tu música proviene del alma y del corazón, y tú mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover también a los demás.

Si Dios te ha dado el don de una fantasia vivaz, cuando te halles solo, sentado ante el piano, muy a menudo tentarás de expresar con las armonias el íntimo sentimiento de tu ánimo; y cuanto más obscura sea para tí la ciencia armónica, tanto más te parecerá ser misteriosamente arrastrado a regiones encantadas. Estas son las horas más bellas de la juventud. Pero no te dejes llevar frecuentemente por la fantasia que podria hacerte perder tiempo y fuerzas, corriendo detrás de fantasmas. Nunca se llega a dominar las formas de la composición y a expresar claramente las propias ideas, si no se ponen por escrito los propios conceptos. Por lo tanto, escribe más de lo que improvises.

Trata de adquirir a tiempo el arte de dirigir la orquesta. Observa a los buenos directores y esfuérzate en dirigir tú mismo mentálmente: asi adquirirás lucidez de percepción.

Estudia atentamente la vida y procúrate conocimientos también en otras artes y ciencias.

Las leyes de la moral son también las del arte.

Diligencia y perseverancia son los factores más importantes del progreso.

NOTA DEL TRADUCTOR: Respecto a la diligencia, creo oportuno recordar lo que dice Leonardo de Vinci: “No olvides que aprenderás más con la diligencia que con la prisa”, y en cuanto a la perseverancia recuerda el célebre refrán: “La gotera cava la piedra”, o sea, que la constancia vence toda dificultad.


De una libra de hierro, que cuesta pocos centavos, se puede obtener un millar de manecillas de reloj, cuyo valor, comparado con el de la primera materia, es prodigioso. Emplea, por lo tanto, concienzudamente la “Libra” que has recibido de Dios.

En arte, sin entusiasmo, nada grande se produce.

El objeto del arte no debe ser la ganancia material. Trata de llegar a ser lo más experto posible: el resto vendrá solo. El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

Tal vez solo un genio puede llegar a comprender a otro genio.

Se dice que un perfecto músico, al escuchar por primera vez un trozo orquestal, por complicado que sea, deberia verlo en su mente como si tuviera delante la partitura escrita. Esto sería, verdaderamente, el colmo del intelecto musical.

El Estudio no tiene fin.

NOTA DEL TRADUCTOR: Recuerda lo que dice Arturo Graf en su interesante libro de aforismos y parábolas Ecce Homo (edic. treves, Milán, 1908): “Cuando yo era joven, me parecia saber mucho; ahora, después de años y años de estudio, me doy cuenta de que sé muy poco; sin embargo, no es posible que el estudio sea un progreso en la ignorancia”.

Robert Schumann

El arte de hacer canciones

Como compositor hay muchas cosas que deben ser consideradas en el proceso creativo para crear y desarrollar una canción. Hay muchos factores que necesitan estar en su lugar para tener una gran canción. 

Comencemos con un gran título 
Tener un gran título te ayudará a desarrollar mejor tus ideas de canciones
Para empezar una canción debe tener un gran título. El título debe estar escrito de tal manera que atraiga la atención del oyente. Debe proporcionar suficiente información que el oyente pueda identificar fácilmente la canción y crear cierta curiosidad del contenido de las canciones. 

Mantener un título simple
Los títulos largos dan mucha información y evitan que el oyente explore la canción. 
El título también ayudará a establecer la escena, el estado de ánimo y la historia de su canción. Si estás atascado en conseguir un título de la canción, la mejor manera es escuchar conversaciones a tu alrededor. 

Al escuchar obtendrás más ideas que puedas imaginar. Mantener un diario de los títulos, cuanto más tengas mejor. Al pensar creativamente es mejor tener demasiado y luego editar abajo para encontrar las gemas. 
Es un poco como la minería de oro. Comienzas con mucha suciedad y luego descubres que la suciedad se va y el oro se deja ver. 

Una vez que tengas un gran título, lo siguiente que debes buscar es un "Gancho". 

Los Ganchos 
El gancho es la parte de cualquier canción que sea fácilmente recordada por el oyente. Muchas veces se encuentra el estribillo de la canción. Incluso puede ser el título de la canción. El "Gancho" debe ser simple y memorable y "destacarse" en la canción. Necesita ser repetido varias veces durante la canción. 

Los ganchos aparecen en canciones en diferentes formas. Podría ser la melodía y el título juntos en el estribillo, podría ser un motivo de un instrumento estratégicamente en algún lugar de la canción. 
También podría ser un patrón de ritmo único. Ten en cuenta que puede haber más de un gancho en una sola canción. Podría ser una combinación de cualquiera de los ejemplos anteriores. 

Letras con un tema universal 
Cuando se trata del tema de la canción una gran canción tendrá una historia que se puede relacionar con una amplia audiencia. 

Escribimos canciones por diferentes razones. A veces estas razones son profundamente personales. Se cauteloso para las canciones extremadamente personales. 
Existe el peligro de que el tema sea demasiado específico. Si eres demasiado específico reduce el número de personas que pueden relacionarse con tu canción. 
Un compositor es un comunicador. Como comunicador es su deber contar una historia. Una historia que no pierda su audiencia creando algo que nadie puede entender porque es demasiado personal. Además de ser demasiado personal, ten cuidado de que sus imágenes sean demasiado "allá afuera". La imagen debe reforzar la línea de la historia de la canción. Si las palabras describen algo que sólo es relevante y comprensible por unos pocos selectos, perderás al oyente. 

Melodía 
La melodía es una parte importante de una canción. Al escribir tu melodía, asegúrate de que la persona promedio pueda cantarla. Manten el tono dentro de un rango razonable. Una buena melodía tendrá estas características. 

En primer lugar, la melodía tendrá una forma distinta. La forma debe parecerse a una cordillera con puntos altos y puntos bajos. Evita permanecer en una nota durante demasiado tiempo. 

En segundo lugar, la melodía de una gran canción no debe más que 3-4 frases musicales contrastantes. Para hacer memorables estas frases musicales, éstas deben repetirse varias veces en el curso de la canción. 

Tercero, la melodía debe tener una nota de "encanto mágico". Esta es una nota inesperada y única que realmente destaca. Esta nota grita "¡Aquí estoy!" Por fin, la melodía necesita tensión y liberación. Esto hará que la melodía interesante. Para construir la tensión usa notas que no sean acordes.
 
Esquema de rimas 
Las canciones necesitan algún tipo de esquema de rima. Rimas hacen que las canciones suenen mejor. Se debe tomar tiempo para crear rimas que funcionen bien. Escribir letras de canciones no es lo mismo que escribir poesía. Estos son diferentes tipos de escritura. Aún así, la escritura lírica utiliza muchas de las técnicas comunes a la poesía. 

Ejemplos de rimas:
Rimas finales - Rimas de las palabras finales de líneas en un poema. 
Rimas Inclinadas - Rima en la que dos palabras comparten un sonido de vocal o en el que comparten sólo un sonido de consonante 
Hay muchos más tipos, pero estos son los más comunes. 

Junto con las rimas de palabra hay también colocación estructural de la rima. 

Ejemplo de estructura:

AAAA 
ABAB 
ABBA 
ABAC 
ABABCC 

La estructura ayuda a crear cierta previsibilidad para el oyente y hacer que el sonido lírico sea agradable al oído.

Estructura de una canción
Las canciones tienen una estructura básica mínima de verso-estribillo. A esta estructura se le integran distintos elementos el cual cada compositor utiliza para componer la canción a su gusto y obtener distintos resultados. Diferentes estructuras y elementos generan diferentes efectos.

Los ingredientes que generalmente forman una canción son:

Introducción: La introducción aparece al inicio de una canción y dura de 5 a 15 segundos, en ella se puede usar la melodía, armonía o un fraseo, y el objetivo es captar la atención del oyente e irlo adentrando en la canción.

Verso: Aquí es donde ya aparece la lírica acompañada de una armonía bien establecida, generalmente se ubica antes del estribillo. El verso se identifica cuando dos o más secciones contienen la misma música y diferente letra.

Pre-estribillo: Este elemento es el que ayudará a conectar el verso con el estribillo gracias a que permite una transición de la armonía generando el cambio de momento.

Estribillo: Se considera la parte más importante de la canción ya que en ella generalmente se incluye el nombre del tema, además la melodía suele contrastar con la introducción y el verso, lo que provoca que sea una parte más dinámica. Comúnmente se le conoce cómo “coro” y suele repetirse varias veces dentro de una canción.

Puente musical: Este puede ser un elemento extra muy útil en las canciones, debido a que es un interludio que enlaza dos parte de la canción, construyendo una armonía entre ambas y con él puedes generar el clímax máximo de la canción. Por ejemplo, un solo de guitarra es un puente musical.

Cierre: La parte final de la canción es el cierre, puede ser el estribillo con un fade out o retomar la intro pero con algún arreglo que indique que es el término de la canción. 


Mas información 

CANTO - Algunos ejercicios rápidos

Antes de empezar a calentar tu voz, conviene practicar algunos ejercicios físicos suaves que tonificarán tus músculos y relajarán tu cuerpo. 

La respiración es el motor de la voz. 
Un cantante debe disponer de una gran capacidad pulmonar y de un control absoluto del flujo de aire que llega a las cuerdas vocales. 
Al inspirar aire, el diafragma se tensa hacia abajo. Los pulmones se llenan y la tripa sale hacia fuera. Se sienten empujes en varias direcciones distintas: hacia abajo, a los lados, de frente y hacia atrás. Al espirar, todo vuelve a su posición inicial. 

Ejercicios: 
- Jadea mediante golpes cortos y rápidos de la zona abdominal. Ve disminuyendo la velocidad de los jadeos, y aumentando la profundidad de las inhalaciones. La tripa entra y sale en cada ciclo respiratorio. 
- Pon tu mano derecha sobre tu hombro izquierdo, y tu mano izquierda sobre tu hombro derecho. Empuja con el diafragma hacia abajoal inhalar. No levantes los codos ni los hombros. 
Inspiración: 4 segundos 
Retención: 4 segundos 
Espiración: 4 segundos 
Descanso. 4 segundos 
Aumenta también la duración de los periodos a 6 y 8 segundos. 
- Inspira empujando con tu diafragma hacia abajo. Retén el aire, y toma un poco más. Retenlo, y toma todavía un poco más. 
- Llena totalmente de aire tus pulmones. Retenlo. Mediante un empujón rápido hacia arriba del diafragma, expulsa el aire. Da un segundo empujón para expulsar todo el aire. 
- Llena de aire los pulmones lo más que puedas. Empieza a contar a media voz la serie ascendente de números. Utiliza una única toma de aire. Repite el ejercicio, intentando superar la marca de números a laque puedes llegar. 

Apoyo 
El apoyo es una fuerza que se debe empezar a producir voluntariamente con el diafragma justo antes de empezar a cantar. Cuando el apoyo está activo, se sienten en la zona abdominal varios empujes: Hacia abajo (la cola), hacia delante (la tripa), hacia los lados y hacia atrás. Este apoyo nos va a permitir racionar, de manera regular y prolongada, el aire que sale de los pulmones y llega hastalas cuerdas vocales. 

Ejercicios: 
- Llena tus pulmones de aire. Retenlo unos instantes. Expúlsalo,emitiendo entrecortadamente las sílabas HO, HO, HO, HO. Imita a SantaClaus, cuando se ríe intensamente. Siente la conexión entre el apoyo yla emisión de sonido: A cada HO le corresponde un golpe seco y rápidodel diafragma hacia arriba.  

- Algo te asusta de repente. Entonces, emites ¡ooooh!, mientras inhalas aire rápidamente. Al hacerlo, el diafragma se tensa hacia abajo. El vientre se expande hacia fuera. Siente los empujes mencionados anteriormente. 
- Toma aire, como con gesto de susto o de sorpresa. Retenlo un instante. Suéltalo poco a poco, empujando con el diafragma hacia arriba mientras pronuncias SSSSS. Acaba con una T explosiva. 
Espiración: 4 segundos. Más adelante, podrás ampliarla hasta 6, 8, 10, 12, 14, 16 segundos, y ¡hasta donde puedas llegar! 
Puedas probar también a emitir el sonido ShShShShSh y FFFFF durante la espiración. 

Resonancia 
Como el sonido producido por las cuerdas vocales es, de por sí,pequeño y pobre, el cantante deberá mandarlo a los diferentes huesos y cavidades que hay en su cuerpo. Éstos actuarán a modo de caja de resonancia, ampliando y enriqueciendo el sonido. 

Ejercicios: 
- Pon la yema de tus dedos sobre la parte anterior de tu cuello. Traga saliva, y siente cómo tu laringe sube. En esta posición, la epiglotis impide que el sonido de tus cuerdas vocales salga libremente. Después de la deglución, la laringe vuelve a bajar a su posición inicial. El acto de tragar es contradictorio con una buena producción vocal. Al cantar, tu laringe tendrá que estar siempre en posición baja. 
- Toca los dientes incisivos superiores con la punta de tu lengua. Lleva ésta hacia atrás hasta que sientas el velo del paladar. 
El cantante debe construir el tubo de resonancia ideal para su instrumento. La idea de bostezo le será de gran ayuda para este fin. Cuando bostezamos, el velo del paladar está elevado, la mandíbula está bien abierta, la lengua y la laringe están en posición baja. Todo ello es necesario para obtener una buena emisión de voz. 
- Llena tus pulmones de aire y espira lenta y controladamente, mientras pronuncias MMMMM con diferentes alturas de sonido. Experimenta con diferentes posiciones de tu laringe, mandíbula, lengua y paladar blando para obtener un resultado sonoro óptimo. 
Haz el mayor hueco que puedas dentro de tu boca, sin llegar a separar los labios. Pensar que tienes dentro de tu boca una patata muy caliente te ayudará a encontrarlo. 
- Toma aire con la sensación de susto ya vista, pero sin excesiva brusquedad. Retenlo un instante y espira, mientras pronuncias MA una vez y cuentas interiormente hasta 8. Varía la altura del sonido. Haz también el ejercicio pronunciando ME, MI, MO y MU. 
Según vas progresando, ve alargando la duración de la emisión de sonido hasta 10, 12, 14, 16 segundos, y hasta donde puedas llegar. 

Vocales y consonantes 
Las vocales constituyen el fundamento del sonido al resonar durante toda su duración. Las únicas consonantes que pueden hacerlo también sonlas consonantes sonoras. Cuando se articula una consonante, se corta ligeramente la columna de aire que trae el sonido producido por las cuerdas vocales. 
Para obtener una buena resonancia, conviene unificar lo más posible la posición de la mandíbula, los labios y la lengua para las diferentes vocales. 

Vocales-Ejercicio: 
- Canta la serie de vocales U-O-A-E-I (en este orden específico y en su inversión I-E-A-O-U) sobre notas largas. Suaviza la transición entre vocales. No muevas tanto los labios como cuando hablamos habitualmente. No tires mucho de la comisura de los labios hacia atrás para encontrar la "I". La "I" tiene que tener también espacio interior en la boca. Escúchate con atención y busca una gran resonancia para todas las vocales. 

Consonantes-Ejercicio: 
- Métete un lápiz o bolígrafo atravesado entre tus dientes superiores e inferiores. Comienza a pronunciar así, con la mayor claridad que puedas (¡que no será mucha!), el texto que quieres estudiar. 
Es importante tener en cuenta que un cantante divide las palabras en sílabas de forma diferente a como nos enseña la gramática. Tomemos un ejemplo cualquiera. Cuando decimos: "Happy Birthday", la gramática dividiría la palabra Birthday del siguiente modo: Birth-day. Pero un cantante uniría la rth a la segunda sílaba, es decir: Bi-rthday. Esto se debe a lo anteriormente señalado: sólo las vocales tienen capacidad de resonar y proyectar un sonido pleno hasta el público. 
Por lo tanto, las consonantes que están al final de una sílaba, se pronuncian sólo al final de ésta. Tan al final se pronuncian, que se las considera como unidas a la consonante inicial de la siguiente sílaba o la siguiente palabra. Es importante que tengas esto presente siempre que tengas que cantar un texto, pues tu voz resonará más y tu pronunciación será más inteligible. 


Cambios de registro 
La voz humana consta, según la altura de frecuencia por la que se mueva, de dos o tres timbres distintos. El paso de uno a otro suele ser perceptible e incluso brusco, cuando la voz no está educada. El cantante deberá pues tratar de suavizar este paso para unificar y equilibrar el color de su voz. 

Ejercicios: 

- Imagina que estás disfrutando del olor de un plato exquisito.Recorre todo tu registro sonoro pronunciando con gusto MMMM, y deslizándote desde la zona aguda hasta la grave. Haz el ejercicio ensentido inverso también. 
Haz el mismo ejercicio, pero haciendo vibrar esta vez los labios entre sí, debido al paso del aire. 
Debes lograr, con el tiempo, que el paso de un registro a otro de tu voz sea suave e imperceptible al oyente. 
El paso de una nota a otra muy distante en altura, no debe ser traumático. Para suavizar el salto, controla bien el apoyo del diafragma y la altura del paladar blando. Haz todo con naturalidad, y recuerda: ¡no subas nunca la laringe, especialmente en los saltos ascendentes! 
- Se consigue crecer o disminuir el volumen de la voz dosificando,mediante el diafragma, el flujo de aire que pasa a través de las cuerdas vocales. 
Canta notas largas y, durante su duración, haz crescendos seguidos de diminuendos y al revés. 


Vibrato 
El vibrato es una ligera oscilación de la frecuencia de un sonido. Cuando se usa bien, aporta calidez y proyección a la voz.
Para estudiar el vibrato, asegúrate primero que has asimilado los conceptos y ejercicios vistos hasta ahora, en especial los de Respiración y los de Apoyo. 

Ejercicios: 
- Pronuncia la sílaba KO varias veces sobre un mismo sonido. A cada KO, le debe corresponder un golpe de diafragma hacia arriba. 
Variante: Lo mismo, pero con O,O,O,O. 
Variante: Vas a cantar también O,O,O,O, pero ahora no llegas acortar totalmente la columna de aire entre cada O. Los empujes deldiafragma son más sutiles y el efecto sonoro es más parecido alvibrato. 
- Canta cualquier nota con vibrato. Siente los pequeños impulsos de dos en dos. Ve aumentando muy progresivamente la velocidad de éstos.Llegado el momento, sentirás la necesidad de agrupar tus impulsos de tres en tres. Sigue aumentando la velocidad, hasta organizarlos de cuatro en cuatro. 
El agrupar los impulsos debe llegar a ser poco a poco una sensación interior tuya solamente. El oyente no deberá percibirlo cuando cantes con vibrato durante una actuación. 


Nervios 
No existe un remedio eficaz y garantizado para toda situación de  nervios y miedo escénico, ya que este tema tiene complejas implicaciones psicológicas. Sin embargo, he aquí a continuación una serie de recomendaciones que te permitirán controlar los nervios relativamente bien, e incluso usarlos para beneficio de tu interpretación. 
Siempre que vayas a actuar delante de un público, has de llevar tu papel perfectamente aprendido. 
Lo maravilloso de la música es su poder de comunicación. Lo importante de tu actuación no debes ser tú, sino el mensaje que transmites a tu público. Tú debes servir a la música, y no al contrario. Tus posibles errores humanos no podrán apartarte de tu noble cometido. 
Disfruta con lo que estás haciendo. Muévete sin complejos para desbloquear las posibles tensiones de tus articulaciones. 
No salgas al escenario para actuar en frío. Calienta suavemente tu voz antes. Debes asimismo estar familiarizado con las condiciones acústicas de la sala donde vas a actuar. 
El remedio más eficaz contra los nervios está dentro de ti. Siempre que sientas que los nervios empiezan a controlarte peligrosamente, fija tu atención mental en tus sensaciones corporales y en tu respiración. Inspira aire lentamente, contando hasta seis segundos. Retén el aire dos más. Espira seguidamente de manera regular durante seis segundos, y descansa otros dos más. Repite el ciclo hasta que sientas que te vas calmando. 

Lesiones de Músicos

Más del 75% de los músicos sufre alguna lesión durante su vida profesional, reveló un informe de la Asociación Argentina de Cirugía de la Mano (ACM).
 
Las dolencias más comunes se encuentran dentro del grupo de los síndromes por sobreuso o uso excesivo de las manos y genera lesiones inflamatorias, que se manifiestan con el paso del tiempo.

Uno de los síndromes más comunes que afectan a los músicos es el del túnel carpiano, que es la afectación del nervio mediano que da la sensibilidad al pulgar y al índice y que si avanza, perjudica el movimiento del pulgar.
 
La ACM precisó que el 78% de los músicos padecen lesiones crónicas durante su vida profesional, y acotó que existen tratamientos específicos y técnicas de recuperación. 

Podemos decir que los músicos pueden ser comparados con deportistas de alta performance. Tanto los músicos como los deportistas están motivados para desarrollar sus actividades hasta más allá de sus límites realizando movimientos rápidos, complejos y coordinados".

El estudio de la ACM indicó que la diferencia entre los deportistas y los músicos es que los primeros están entrenados y desarrollaron su musculatura simétricamente, más allá de su práctica deportiva específica. Los deportistas están rodeados por nutricionistas, entrenadores, kinesiólogos, masajistas y especialistas, mientras que los músicos no hacen deporte y tienen un desarrollo muscular de determinados grupos musculares que en general es asimétrico.

En una investigación de 450 casos, se comprobó que el 78% de las lesiones de los músicos son crónicas, y el 53% de ellas son tendinosas y articulares. En cuanto a los más afectados, se indicó que el 50% de los pacientes tocan la guitarra, el 29% el piano y un 10% el violín.

La postura al tocar un instrumento afecta al cuerpo, debido a que todos los segmentos osteoarticulares son interdependientes.

La importancia de una buena postura, que es la condición en la que todo el cuerpo está en equilibrio fisiológico, y en la que se evita el uso de los grupos musculares que no están relacionados con un movimiento determinado. 
Una buena postura también es la que permite los movimientos repetitivos con un mínimo estres corporal, ya que las alteraciones posturales crónicas son las responsables de los desordenes más importantes en los músicos instrumentales.

La mayoría de los músicos parece no estar lo debidamente sensibilizados como para reclamar instrucción y asistencia en el terreno del mantenimiento y la mejora de sus cualidades físicas y psíquicas relacionadas con su profesión.

Si bien es cierto que se ha avanzado en alguno de los aspetos relacionados con la promoción de la salud del músico, los progresos en el campo de la prevención continúan siendo muy limitados. Por lo general, el músico desconoce los riesgos a que está expuesto o no dispone de los recursos para prevenirlos.

La mayor parte de los afectados son músicos de entre 30 y 40 años cuya enfermedad viene dada por el constante trabajo repetitivo, principal causante de las lesiones. 
El trabajo repetitivo va acompañado de tensión muscular al tocar el instrumento, lo cual potencia el riesgo de padecer lesiones. El número de lesiones puede reducirse si se presta atención a la formación preventiva, la cual debería estar presente desde los primeros años de enseñanza de un instrumento.

Lesiones más frecuentes

  • Bursitis: Es la inflamación de pequeñas bolsas llenas de fluido que facilitan el movimiento.
  • Tendinitis: Inflamación de cualquier tendón. Los síntomas y las causas pueden variar dependiendo del tendón afectado.
  • Tenosinovitis: Es un daño producido por un esfuerzo repetitivo que provoca la inflamación de la membrana sinovial que recubre un tendón.

Las más habituales son la epicondilitis, epitrocleitis, dedo en resorte, síndrome del tunel del carpo y Tenosinovitis de estiloides radial (tendinitis de De Quervain), que es una tenosinovitis que afecta a la vaina común del tendón del musculo abductor largo del pulgar y del músculo extensor corto del pulgar.

Cloud Guitar, la extraña guitarra de Prince.

David Bowie dijo: “Los 80 son de Prince”, buena carta de presentación para uno de los artistas más grandes de las últimas décadas, porque si algo es Prince es eso, un artista en su máxima expresión de la palabra, un músico multifacético que destaca en muchas variedades y disciplinas. 
Prince es un magnífico cantante con gran variedad de registros, desde los más graves a los más agudos. Como compositor desde su debut en 1978 acumuló cerca de 40 discos de estudio siendo los años 80 la época de mayor éxito comercial. Después y por mutuo propio su carrera ha ido derivando hacia unos terrenos más independientes y de culto, por el camino ha compuesto para otros y puede presumir de ser el autor de los mayores éxitos en la carrera de cantantes como Sinead O´Connor (Nothing compares 2 U) o The Bangles (Manic monday). 

Su eclecticismo es total y es difícil encajarle en algún estilo particular, sus raíces vienen del soul y la música negra, James Brown, Curtis Mayfield o Sly & the Family Stone se encontraban entre sus influencias más tempranas pero a todo esto Prince le ha añadido de todo a su particular estilo, pop, rock, r&b, jazz y funk, sobre todo mucho funk. 
 
Si hay algún instrumento en el que se le puede considerar un maestro ese no es otro que la guitarra, y este artículo está para alzar la figura de Prince como guitarrista. No suele aparecer en las listas de mejores guitarristas aunque la razón es que como el genio de Minneápolis hace tantas cosas no se le suele encasillar simplemente como guitarrista, es más, no suele abusar en sus discos de sus dotes como guitarrista sino que opta por ir diseminando sus temas más rockeros y sus sólos de guitarra en pequeñas dosis. 

La extraña guitarra de Prince


Una de las razones por las que Prince no es considerado un auténtico "guitar hero" para la gran masa es precisamente por su extraordinario talento con los más de veintisiete instrumentos que este músico puede tocar con la misma versatilidad, y porque nunca ha enfocado todos sus esfuerzos en las seis cuerdas. Pero su solo en "Purple Rain" es uno de los más reverenciados de la historia de la música,  toda una lección en el control del timing, la resolución y el feeling. En esta película es donde aparece por primera vez la guitarra que nos ocupa hoy: “The Cloud Guitar”.

Esta guitarra es original de un luthier de Minneapolis, David Husain, y que trabajaba para una tienda llamada Knut Koupee y la primera data de 1983 -muchos creen que fue construida expresamente para el artista, pero parece ser que no es así-. En concreto fabricó cuatro de estas guitaras y solamente estas cuatro fueron usadas realmente por el artista según los expertos, pero existen copias numeradas y firmadas por el propio Prince -consideradas por supuesto réplicas- en varios "Hard Rock Café" por todo el mundo y que fueron construidas por el técnico habitual del artista, en lugar de Husain.

Centrándonos en la primera de estas cuatro originales el acabado que tenía era en blanco y estaba hecha íntegramente de arce, tanto el mástil como el cuerpo. Su escala era de 24,75 pulgadas con veintidós trastes y un radio de 12 pulgadas. Montaba dos pastillas EMG: humbucker activa en el puente y single coil pasiva en el mástil. Todo el herraje estaba fabricado por Schaller en acabado dorado y la cejuela estaba hecha de latón. Las incrustaciones del mástil llevaban la figura de unas picas de cartas (posteriormente incluirían el símbolo que lo hizo famoso). 

Mayor información buscarla en www. cloudguitarcentral.blogspot.com.ar

Algunos consejos para ser un mejor Bajista



Toca para la canción
Tocar el bajo requiere tocar con moderación y sutileza en lugar de mostrar técnica. En muchas situaciones, lo mejor es trabajar sobre todo con las notas fundamentales de los acordes y bloquear con bombo y tambores de la batería.

Caminar
El "Walking bass" se originó en el jazz y el blues, pero desde entonces ha sido adoptado en otros estilos. El término se refiere a un modo de juego en el que la línea de bajo se mantiene en constante movimiento en contraposición a alojarse en o reiterando una nota. La línea "camina" de un acorde de nota fundamental hacia arriba o hacia abajo al siguiente, sobre todo en un ritmo de negra.
Las notas de transición pueden ser cualquier combinación de tonos de acorde (arpegios), tonos de la escala que se relacionan con los acordes o notas de paso cromáticas.

Bloqueos rítmicos
En una sección de ritmo el bajo forma parte de enlace entre los tambores y el resto de la banda. En la mayoría de los casos hacer que el bajo y la batería suena como una sola entidad, y una gran manera de hacer esto es a las embarcaciones de líneas de bajo que se ajustan como un guante con la patada de la batería y tambores.

Octavas y 5tas
Después de la raíz octava, la quinta es la nota más agradable armónicamente. Muchas líneas de bajo clásicos se han construido utilizando la mayoría de las raíces, octavas y quintas. Lo bueno de este enfoque es que permite crear una línea de bajo que es interesante y melódica, cerraduras a la perfección con la batería y no entra en conflicto armónicamente con los acordes subyacentes. 

El pulso
Pulsar las cuerdas con fuerza y cerca de la base del diapasón como una palmada en contra de ella; pulsar las cuerdas cerca del puente con sólo las puntas de los dedos, que le permite obtener garra (Jaco Pastorius / Rocco Prestia).

Tocada con Púa
No todos los bajistas usan sus dedos para tocar el instrumento. 
La gran superficie de los grandes picos del triángulo se adapta bien a la amplia separación de cuerdas graves y le ayudará a mantener un control sobre la selección. Tortex (o Delrin, dependiendo del fabricante) también es más resistente que el celuloide y menos propensos a romperse, y el grueso calibre, indeformable le permitirá obtener más volumen y el poder de esas gruesas cadenas, con menos esfuerzo.

La técnica de un solo dedo
Algunos productores de discos prefieren tener bajistas que usan púa debido a que el ataque es más uniforme. Pero si eres de digitación y quieres lograr un ataque más consistente, trate de usar un solo dedo, como el índice (en lugar de alternar entre el índice y el dedo medio) tanto como sea posible. 

Obtener tiempos sólidos
Alguien tiene que mantener el ritmo constante, y si la batería no puede, el bajista tiene que hacerlo. No se limite a contar en 4/4-También debe sentirse en 8/8, sobre todo cuando se toca baladas, donde la tendencia a precipitarse el ritmo es mayor. Para ayudar a la tierra en el ritmo con mayor precisión, escuchar hi-hat o ride de la batería, no sólo el bombo.

Sustitución de acordes
De vez en cuando jugar la tercera o quinta del acorde subyacente en lugar de su nota fundamental puede cambiar radicalmente toda la sensación de una progresión de acordes, y cuando se hace con buen gusto se puede agregar calor o tensión. Este dispositivo ha sido utilizado durante siglos por los grandes compositores clásicos como Bach y Beethoven y crea lo que se conoce como inversiones de acordes. compositores Pop como Elton John y Paul McCartney utilizan inversiones, a través de sustituciones línea de bajo, para construir sus progresiones de acordes a su punto culminante armónica.

Ruido y suciedad
En algunas situaciones, es perfectamente válido hacer ruido de un traste, ir un poco detrás del ritmo o deslizamientos de una nota que suena un poco más de lo que debería, siempre y cuando no sea perjudicial para la música y contribuye al ambiente deseado.

Escalas modales / modos griegos

Parece que fueron los antiguos griegos los que construyeron las primeras escalas, que reciben el nombre de sus principales tribus: dórica, frigia, lidia y mixolidia. 
Todas ellas contenían ocho notas (incluyendo la octava), que equivalían a las notas blancas de un piano, y se escribían en orden descendente. 

En la edad media el sistema modal era la fuente de todas las melodías. Pero a principios del siglo XVI, las complejidades cada vez mayores de la polifonía (música que incluía dos o más líneas melódicas armonizadas) provocaron la caída del sistema modal.

En el siglo XVII se había desarrollado ya un nuevo lenguaje armónico. La idea de “tonalidad” se amplió para incluir el sistema de tonos. Toda la música se escribía en un tono que identificaba la nota tónica (o primera) de la escala. Los intervalos entre notas estaban determinados por su distancia a la nota tónica o central.

El corazón del sistema de tonos era el concepto de las escalas diatónicas mayores y menores. Una escala diatónica incluye las notas propias del tono. La escala diatónica mayor tiene el mismo patrón de notas y semitonos que el modo jónico medieval (que empezaba en Do), y la escala diatónica menor natural tiene el mismo patrón que el modo eólico (que empezaba en La). Sin embargo esta semejanza está en la estructura, no en la aplicación.

A continuación se describén cada uno de los modos griegos o modos gregorianos:
 
Modo jónico (escala mayor natural)
Este modo fue el predecesor de la escala mayor diatónica. Tiene el mismo patrón de intervalos y por lo tanto el mismo sonido.

Sube de Do a Do:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1/2T   1T   1T   1T   1/2T

Fórmula: 1,2,3,4,5,6,7


Modo Dórico
Es un modo menor. Se diferencia de la escala menor natural (eólica) en que la 6ª nota es un semitono más alta. Útil para secuencias de acordes menores (por ejemplo: Im, IIm, III, IV, Vm y VII),  produce un efecto Jazzístico.

Sube de Re a Re:
El patrón de intervalos:
1T   1/2T   1T   1T   1T   1/2T   1T

Fórmula: 1-2-3b-4-5-6-7b

Modo Frigio
Es también un modo menor, idéntico a la escala menor natural (eólica), excepto en que la 2ª nota es un semitono más baja. Cuando esta nota se toca sobre un acorde tónico de séptima menor, suena como una 9ª alterada.

Sube de Mi a Mi:
El patrón de intervalos:
1/2T   1T   1T   1T   1/2T   1T   1T

Fórmula: 1-2b-3b-4-5-6b-7b


Modo Lidio
Es una escala mayor. Se diferencia de la escala diatónica mayor (jónica) en que la 4ª nota está subida un semitono. Tiene, pues, las mismas notas que la escala mayor en el tono de Sol, y Sol es la 5ª nota (dominante) en la escala de Do.

Sube de Fa a Fa:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1T   1/2T   1T   1T   1/2T

Fórmula: 1-2-3-4#-5-6-7


Modo mixolidio

La diferencia de la escala diatónica mayor (jónica) en que la 7ª nota está un semitono más baja. Es uno de los modos más empleados en improvisaciones de jazz y blues.

Sube de Sol a Sol:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1/2T   1T   1T   1/2T   1T

Fórmula: 1-2-3-4-5-6-7b


Modo eólico (escala menor natural)
Este modo fue el predecesor de la escala diatónica menor natural. Tiene el mismo patrón de intervalos y, por lo tanto, el mismo sonido.

Sube de La a La:
El patrón de intervalos:
1T   1/2T   1T   1T   1/2T   1T   1T

Fórmula: 1-2-3b-4-5-6b-7b


Modo locrio
De los siete modos es el que menos se emplea en la música occidental, pero forma parte importante de la música japonesa e indú.

Sube de Si a Si:

El patrón de intervalos:
1/2T   1T   1T   1/2T   1T   1T   1T

Fórmula: 1-2b-3b-4-5b-6b-7b


Es muy interesante estudiar las escalas modales ya que cada una te "ubica" por decirlo de alguna manera en la armonía del momento, ejemplo: Si estas en la tonalidad de DO Mayor, sabes que tiene siete acordes. Estudiemos esos siete acordes en triada: DO Mayor (acorde de I grado), Re menor (acorde de ii grado), Mi menor (acorde de iii grado), FA Mayor (acorde de IV grado), SOL Mayor (acorde de V grado), La menor (acorde de vi grado) y por último Si disminuido (acorde de vii grado). 

Para cada uno de esos acordes tendrás una escala modal que no es más que una escala formada por las notas de la escala Mayor de la que se generan los acordes de la tonalidad pero ordenada sistemáticamente ya que comienza y termina con la misma nota y esta nota es la que le da el nombre a cada uno de los acordes de la tonalidad. Entonces si estamos tocando un tema que está en la tonalidad de DO Mayor y si tocas la progresión ii-V-I de Do (Dm, G, C) podemos tocar la escala Dórica de Re porque el modo Dórico pertenece al acorde de segundo grado, luego tocamos la escala Mixolidia de SOL ya que ésta escala corresponde al acorde dominante o de V grado y para el acorde de I grado, en este caso DO Mayor haremos la escala Jónica. 

Veamos el siguiente ejemplo que nos muestra gráficamente las Escalas Modales de la tonalidad de DO Mayor.

  
 
 
Aquí podras ver las formulas de los 7 modos griegos: Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico y Lócrio en Tono (T) y Semitono (S). 
Se puede observar en la imágen la simetría que existe entre las Escalas Modales. 
Observa las diagonales que se forman siguiendo el patrón de las "S" (semitonos) y si completamos las diagonales se origina una cuadrícula perfecta. 
Esta es una buena manera para explicar las escalas modales. La simetría de la Música.
 
 

 
 

Métodos alternativos para componer canciones

Componer canciones no es para nada una tarea fácil. No todo es tener una buena técnica, conocer mucha teoría musical e incluso tener buen oído.
Aunque tengas todo esto y aptitudes naturales para la música, los grandes artistas nos lo demuestran día a día: triunfar se compone de un 10% de talento y un 90% de esfuerzo.

Por otra parte, también podemos esforzarnos muchísimo en algo y no obtener los resultados que queremos, ya que esos esfuerzos no están dirigidos.

Esto también se puede aplicar cuando quieres componer una canción ya que, aunque la música es arte, tiene su buena parte de orden y disciplina, y gracias a esto podemos aprovecharnos de los métodos de trabajo que existen en otros campos como el cine o la informática.
No siempre, pero en una banda que crea canciones propias, al que más le suele costar componer es al cantante.

Probablemente sea porque con una guitarra o un teclado es muy fácil ver las notas y probar, es todo muy visual, pero al componer una canción como cantante no tenemos esas facilidades.

Aunque el cantante de la banda no tenga miedo y tenga un buen dominio de su instrumento para ir probando sobre la marcha e improvisar, esa forma de componer nos puede llevar a hacer cosas muy similares entre sí, haciendo nuestras canciones demasiado parecidas entre ellas.

Al componer una canción, ¿por qué no empiezas por el final?
Teoría que a veces utilizan los autores para crear los guiones de películas.
¿No has visto nunca una película o una serie que te engancha desde el primer momento pero a medida que transcurre el curso de la historia pierde interes, te aburre e incluso hace que no te guste toda la película por culpa de la parte final?

Hay gente que dice que es porque cuando empiezas una historia, tienes las ideas frescas, no estás saturado por el proyecto, por lo que mejor lo escribes al principio, y a medida que pasa el tiempo no sabes cómo seguir o pierdes las fuerzas o el entusiasmo iniciales.

No hay reglas acerca de cómo hacerlo, pero te diría que pruebes a tener la idea general de la canción y directamente empieces por pensar en cómo te gustaría que acabara.

Piensa en un buen final, eso dejará buen sabor de boca al oyente. Incluso puedes planificar ya en este momento si quieres componer una canción que al acabar enganche con el principio de otra. ¡Se abren nuevas posibilidades al ver las cosas desde otro punto de vista!

La inspiración se puede provocar para componer una canción
Nos guste o no, la inspiración no es algo que tengamos bajo nuestro control.
No es un interruptor que podamos activar o desactivar a voluntad, por lo que hay que buscar otras formas de buscar ideas para componer una canción.

Lo primero que recomendaría es que, como mínimo, te grabes mientras compones.
A veces haces cosas sin tener ni idea de dónde han salido, y luego no puedes recordarlas precisamente por tus costumbres musicales.
Como consejo más importante, te diría que salgas de tu zona de confort y lo enfoques de otra manera. Deja tu instrumento a un lado y enciende tu pc/tablet o smartphone.

Existen varios programas de creación de música. Uno muy bueno, gratis y útil para componer es LMMS.

 

Cambiar nuestro entorno de trabajo, hacer modificaciones sobre algo que ya tenemos es tan fácil como hacer click y arrastrar un par de notas, lo cual nos permite tener un ciclo de pruebas muchísimo más corto permitiéndonos hacer muchas más modificaciones en mucho menos tiempo. Es importante que todos los integrantes del grupo utilicen el mismo programa, ya que los ficheros de este tipo de programa suelen ocupar poquísimo y se pueden enviar de forma muy rápida por correo electrónico, whatsapp o nube, por ejemplo.

De esta forma cada integrante puede añadir sus propias modificaciones y luego hacer consenso para ver cuál es la que más gusta e incluso volver a iterar para mejorarla.

Esta forma de trabajar es muy buena especialmente para cantantes, porque trabajar de esta forma provee al cantante de la herramienta visual que, como comentaba al principio, no tiene.

¿Quieres componer tus canciones de manera realmente original? Juega con los tempos y la estructura.

Descarga gratis LMMS desde https://lmms.io/download/#windows