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El arte de hacer canciones

Como compositor hay muchas cosas que deben ser consideradas en el proceso creativo para crear y desarrollar una canción. Hay muchos factores que necesitan estar en su lugar para tener una gran canción. 

Comencemos con un gran título 
Tener un gran título te ayudará a desarrollar mejor tus ideas de canciones
Para empezar una canción debe tener un gran título. El título debe estar escrito de tal manera que atraiga la atención del oyente. Debe proporcionar suficiente información que el oyente pueda identificar fácilmente la canción y crear cierta curiosidad del contenido de las canciones. 

Mantener un título simple
Los títulos largos dan mucha información y evitan que el oyente explore la canción. 
El título también ayudará a establecer la escena, el estado de ánimo y la historia de su canción. Si estás atascado en conseguir un título de la canción, la mejor manera es escuchar conversaciones a tu alrededor. 

Al escuchar obtendrás más ideas que puedas imaginar. Mantener un diario de los títulos, cuanto más tengas mejor. Al pensar creativamente es mejor tener demasiado y luego editar abajo para encontrar las gemas. 
Es un poco como la minería de oro. Comienzas con mucha suciedad y luego descubres que la suciedad se va y el oro se deja ver. 

Una vez que tengas un gran título, lo siguiente que debes buscar es un "Gancho". 

Los Ganchos 
El gancho es la parte de cualquier canción que sea fácilmente recordada por el oyente. Muchas veces se encuentra el estribillo de la canción. Incluso puede ser el título de la canción. El "Gancho" debe ser simple y memorable y "destacarse" en la canción. Necesita ser repetido varias veces durante la canción. 

Los ganchos aparecen en canciones en diferentes formas. Podría ser la melodía y el título juntos en el estribillo, podría ser un motivo de un instrumento estratégicamente en algún lugar de la canción. 
También podría ser un patrón de ritmo único. Ten en cuenta que puede haber más de un gancho en una sola canción. Podría ser una combinación de cualquiera de los ejemplos anteriores. 

Letras con un tema universal 
Cuando se trata del tema de la canción una gran canción tendrá una historia que se puede relacionar con una amplia audiencia. 

Escribimos canciones por diferentes razones. A veces estas razones son profundamente personales. Se cauteloso para las canciones extremadamente personales. 
Existe el peligro de que el tema sea demasiado específico. Si eres demasiado específico reduce el número de personas que pueden relacionarse con tu canción. 
Un compositor es un comunicador. Como comunicador es su deber contar una historia. Una historia que no pierda su audiencia creando algo que nadie puede entender porque es demasiado personal. Además de ser demasiado personal, ten cuidado de que sus imágenes sean demasiado "allá afuera". La imagen debe reforzar la línea de la historia de la canción. Si las palabras describen algo que sólo es relevante y comprensible por unos pocos selectos, perderás al oyente. 

Melodía 
La melodía es una parte importante de una canción. Al escribir tu melodía, asegúrate de que la persona promedio pueda cantarla. Manten el tono dentro de un rango razonable. Una buena melodía tendrá estas características. 

En primer lugar, la melodía tendrá una forma distinta. La forma debe parecerse a una cordillera con puntos altos y puntos bajos. Evita permanecer en una nota durante demasiado tiempo. 

En segundo lugar, la melodía de una gran canción no debe más que 3-4 frases musicales contrastantes. Para hacer memorables estas frases musicales, éstas deben repetirse varias veces en el curso de la canción. 

Tercero, la melodía debe tener una nota de "encanto mágico". Esta es una nota inesperada y única que realmente destaca. Esta nota grita "¡Aquí estoy!" Por fin, la melodía necesita tensión y liberación. Esto hará que la melodía interesante. Para construir la tensión usa notas que no sean acordes.
 
Esquema de rimas 
Las canciones necesitan algún tipo de esquema de rima. Rimas hacen que las canciones suenen mejor. Se debe tomar tiempo para crear rimas que funcionen bien. Escribir letras de canciones no es lo mismo que escribir poesía. Estos son diferentes tipos de escritura. Aún así, la escritura lírica utiliza muchas de las técnicas comunes a la poesía. 

Ejemplos de rimas:
Rimas finales - Rimas de las palabras finales de líneas en un poema. 
Rimas Inclinadas - Rima en la que dos palabras comparten un sonido de vocal o en el que comparten sólo un sonido de consonante 
Hay muchos más tipos, pero estos son los más comunes. 

Junto con las rimas de palabra hay también colocación estructural de la rima. 

Ejemplo de estructura:

AAAA 
ABAB 
ABBA 
ABAC 
ABABCC 

La estructura ayuda a crear cierta previsibilidad para el oyente y hacer que el sonido lírico sea agradable al oído.

Estructura de una canción
Las canciones tienen una estructura básica mínima de verso-estribillo. A esta estructura se le integran distintos elementos el cual cada compositor utiliza para componer la canción a su gusto y obtener distintos resultados. Diferentes estructuras y elementos generan diferentes efectos.

Los ingredientes que generalmente forman una canción son:

Introducción: La introducción aparece al inicio de una canción y dura de 5 a 15 segundos, en ella se puede usar la melodía, armonía o un fraseo, y el objetivo es captar la atención del oyente e irlo adentrando en la canción.

Verso: Aquí es donde ya aparece la lírica acompañada de una armonía bien establecida, generalmente se ubica antes del estribillo. El verso se identifica cuando dos o más secciones contienen la misma música y diferente letra.

Pre-estribillo: Este elemento es el que ayudará a conectar el verso con el estribillo gracias a que permite una transición de la armonía generando el cambio de momento.

Estribillo: Se considera la parte más importante de la canción ya que en ella generalmente se incluye el nombre del tema, además la melodía suele contrastar con la introducción y el verso, lo que provoca que sea una parte más dinámica. Comúnmente se le conoce cómo “coro” y suele repetirse varias veces dentro de una canción.

Puente musical: Este puede ser un elemento extra muy útil en las canciones, debido a que es un interludio que enlaza dos parte de la canción, construyendo una armonía entre ambas y con él puedes generar el clímax máximo de la canción. Por ejemplo, un solo de guitarra es un puente musical.

Cierre: La parte final de la canción es el cierre, puede ser el estribillo con un fade out o retomar la intro pero con algún arreglo que indique que es el término de la canción. 


Mas información 

Reggae

El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady.

El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady.

La métrica del género es cuaternaria (4/4). Sin embargo, el tempo es variable, pues hay temas bastante movidos como otros más bien lentos, oscilando entre 100 y 140 QPM, aproximadamente. La música es simple, con uno o dos acordes en una canción completa. Se afirma que esa estructura de acordes simples y repetitivos, le dan al reggae efectos hipnóticos en ocasiones. 



La instrumentación se compone de una batería y otros instrumentos de percusión, bajo, guitarras, teclado e instrumentos de viento como el saxofón, la trompeta o el trombón. Además, cuenta con los vocalistas del grupo que pueden ser varios o un solo solista que suelen usar trémolo (oscilación de volumen) en lugar de vibrato (oscilación de tono). 

Como todo ritmo sincopado, exige un estricto control del tempo. El grado de dificultad se incrementa en la medida que su acentuación es generalmente invertida o backbeat. 

El reggae se toca en un tiempo de 4/4, que es la marca de tiempo más común, con un ritmo de cuatro cuartos en un compás. El tiempo de ciclo requiere una marca sencilla, como la 4/4, pero se tocan notas o acordes a tiempos distintos, como cuatro sets de tres notas en dos compases de 4/4.

Guitarra
Las guitarras de reggae incorporan acordes en el segundo y cuarto ritmo de un compás. La guitarra se toca de forma corta, lo que significa que las cuerdas se puntean rápida y bruscamente. La guitarra del reggae también se toca en movimientos ascendentes, en los que el guitarrista rasguea los acordes hacia arriba, desde la cuerda con el sonido más agudo hasta el más grave, produciendo sonidos agudos o de alta frecuencia.
Para hacer solos, puedes usar las escalas pentatónicas, blues, mayor y menor. Para tocar stick bass, tocas la misma linea del bajista, o algo similar. 

Piano
El piano en el reggae se toca en modo staccato, es decir, cortando el tiempo de las notas para acomodarse y doblar la sección de ritmo. Casi nunca hay solos de piano, y tampoco se le usa mucho como acompañamiento de la guitarra. A finales de los años 70 y 80, los sintetizadores remplazaron a los pianos y los teclados.

Trompeta
El saxofón, el trombón y la trompeta se usan en la música reggae. Normalmente el primero toca una melodía simple, el segundo toca la misma melodía un octavo más alta y el tercero un quinto más alta que el segundo. Las partes del reggae donde se tocan estos instrumentos a menudo se usan como introducción a la canción, o durante el intermedio. No es común que se oiga esta parte a lo largo de toda la canción.

El Bajo
El bajo es uno de los aspectos más prominentes de la música reggae. Se toca con un rango de alta frecuencia, y se agregan frecuencias bajas para enfatizar su sonido. Las frecuencias de sonido se miden por la cantidad de vibraciones que este producirá. 
A menudo las líneas del bajo son riffs que se repiten en la música reggae. Un riff es una secuencia de notas en un pequeño número de compases que pueden repetirse.

El bajo juega un importantísimo papel en la música reggae, actuando como un gancho melódico y rítmico que define el carácter del tema. Las líneas estándar de los bajistas de reggae, conocidas como riddims, son composiciones por derecho propio, y, en distintas variantes, son ejecutadas una y otra vez sobre los temas más diversos.


Batería
Las categorías de la batería del reggae se dividen en tres. "One drop" enfatiza el tercer ritmo, sin batería en el primer ritmo. "Rockers" también enfatiza el tercer ritmo, pero con un sonido de batería (generalmente un bombo) en el primero. "Steppers" tiene un bombo por cada ritmo; en otros géneros musicales, a esto se le conoce como "four on the floor".

Progresión de acordes
La secuencia de acordes reggae es muy simple, muchas veces suele ser una progresión de dos o tres acordes, por ejemplo los acordes DO, SOL y RE en primera y segunda inversión.

Patrones rítmicos
Podemos clasificarlos en tres tipos básicos:

Downbeat (acentuación natural): 1 y 2
Backbeat (acentuación invertida): 3, 4 y 5
One Drop (tipo shuffle): 6, 7 y 8

(En principio es conveniente efectuar una transición progresiva desde los patrones básicos de rock, con los que todos comenzamos, hacia los patrones fundacionales del reggae)


RITMO REGGAE BÁSICO:


DOUBLE STROKE:
En el double stroke, una variación del ritmo reggae básico, tenemos el mismo silencio sobre los tiempos fuertes sólo que golpeamos dos veces después del silencio: arriba y abajo con un sonido cortante. No olvides levantar los dedos en la segunda semicorchea.


RITMO MENTO:
En este ritmo, que quizás sea el más arcaico de lo que conocemos ahora como ritmo reggae tocaremos hacia abajo con un golpe seco seguido de 3 golpes arriba-abajo-arriba. Toca este ritmo con el dedo índice de abajo hacia arriba. En este caso tenemos los mismos acordes de antes pero en otras inversion.


RITMO SKA:
El ritmo ska podemos decir que es el precursor del rocksteady. Aquí vemos ese sonido característico sincopado con las cuerdas muteadas en la primera corchea de cada tiempo.


ROCKSTEADY:
Sucesor del Ska y precursor del reggae, es algo menos enérgico, más lento y más relajado que el primer Ska, también utiliza elementos a contratiempo con acordes mayores.


EL DAMPING:
Parecidas a las frases del bajo pero son más elaboradas, son una especie de melodías. Muy utilizadas en el rocksteady también. Aquí abajo tenemos un ejemplo de Dumping, no olvides mutear las cuerdas con el borde de la palma de la mano para darle ese sonido característico.


Material de consulta - guitarrasinlimites.com / es.wikipedia.org/wiki/Reggae / culturareggae.es.tl/Historia-del-Reggae.htm










Cómo funciona la música?

La música tiene esa sensación de infinitud en su creación que la ha llevado a ser arte trascendental, más allá de las virtudes y miserias humanas de sus intérpretes y creadores. Asociada con la matemática más racional y con las musas más incorpóreas, la música popular, esa que escuchamos en la radio, tiene su pie terrenal y cultural en la forma en la que está compuesta, y por eso un músico realizó una investigación sobre los patrones en las música popular. Es decir, con qué escalas y qué acordes se suelen componer aquellas canciones más famosas. ¿Es una razón de éxito la composición usando estas claves? ¿Consecuencias de la educación? ¿Comodidad? ¿Algún mandato biológico? La primera parte de las respuestas a continuación en: Cómo funciona la música: Patrones en las canciones populares

Patrones en las canciones populares
En este artículo original de http://blog.hooktheory.com, vamos a ver las estadísticas recogidas a partir de 1300 estribillos, versos, etc. de canciones populares para descubrir la respuesta a algunas preguntas básicas. En primer lugar vamos a ver la popularidad relativa de diferentes acordes basa en la frecuencia en que aparecen en las progresiones de acordes de la música popular. Entonces vamos a empezar a ver la relación que tiene con diferentes acordes entre sí. Por ejemplo, si un acorde se encuentra en una canción, ¿qué podemos decir acerca de la probabilidad de adivinar qué acorde será el siguiente luego de terminar de escuchar uno? 

La base de datos
Para hacer afirmaciones cuantitativas acerca de la música es necesario datos, muchos. Lugares para conseguirlos hay a rolete, pues algunos sitios de guitarra y piano tienen toneladas de información sobre las progresiones de acordes que utilizan las canciones, aunque la calidad de esa información no es muy alta. Igual de importante, la información no se encuentra en un formato adecuado para la recopilación de estadísticas. Por lo tanto, en los últimos 2 años, el autor de este estudio, ha estado construyendo poco a poco y con mucho esfuerzo una base de datos de las canciones tomadas principalmente de la cartelera del TOP 100, y analizándolas de a una a la vez. Por el momento, la base de datos de las canciones cuenta con más de 1.300 entradas indexadas. El género y de dónde se toman es importante. Este es un análisis de la música popular, donde géneros más complejos como el jazz o clásica, por lo que los resultados no están destinados a ser tratados como universales. Las entradas sobre cada canción estudiada contienen información en bruto sobre los acordes y la melodía, mientras que también arrojan información sobre la disposición de las notas y la instrumentación. Para consultarla puedes pinchar aquí.

El autor, habiéndonos advertido sobre la base de datos y su composición, nos indica que se pueden hacer muchas preguntas y responderlas a través del análisis de estas canciones, por lo que la introducción a una serie de artículos da comienzo con la primera de ellas:

¿Hay algunas escalas y acordes más utilizados que otros?
La respuesta del investigador ha llevado a un rotundo sí, y si no miren los resultados: Las canciones están escritas en diferentes escalas, por lo que una canción escrita en C# (Do Mayor sostenido) tendrá un montón de acordes de C# en él, mientras que una canción escrita en Sol (G) probablemente tendrá un montón de Sol. Ahora, cuando a analizar nos ponemos, que los acordes G sean más populares que los acordes de C # es probablemente un reflejo del hecho de que son más fáciles de tocar en la guitarra y el piano. Por eso  mismo vamos a cambiar la pregunta para algo más informativo y menos deducible, por ejemplo; ¿Cuáles  son las escalas más populares en las canciones de esta base de datos?

La respuesta es C mayor y A menor. Después existe una tendencia general a favor de escalas con menos sostenidos y bemoles, pero esto no es universal y, como siempre a lo largo de este texto, los resultados están basados en la base de datos.

¿Cuáles son los acordes más comunes?
Sin duda, al recorrer un análisis de este tipo es mucho más interesante ver las canciones escritas en una escala determinada, común y generalmente fácil de identificar. De esta manera las comparaciones directas entre una y otra son posibles e iluminan más. Para ello, el investigador ha hecho la transposición de todas las canciones de la base de datos a la clave de C o Do mayor. De esta manera la visualización de la progresión de los acordes se vuelve más intuitiva y sin lugar a dudas reveladora. Con esto hecho, se ha trazado la frecuencia relativa entre los diferentes acordes de manera descendiente. 

Para el investigador las respuestas fueron como se las esperaba, en principio, Do mayor es un acorde muy común que las canciones escritas en C (que es el acorde de I en la notación romana o en la notación Número de Nashville). Sin embargo, FA(F) mayor y sol mayor (G), el IV y V, respectivamente, se utilizan con la misma frecuencia. Lo que no resultó tan predecible es que F y G aparezcan en más progresiones de acordes que C.

4 acordes: La clave de las canciones pop
Para continuar con la escala de popularidad de los acordes, hay que hablar de La Menor (Am), pero la profundización en ella no nos va a entretener y dar tantas respuestas como hablar sobre la caída en uso que hay de los demás acordes restantes. Es decir, dm, em, E, D, B bemol y A, correlativamente ordenadores entre los más usados. Y qué es lo importante de esto? Bueno, que básicamente el mayor porcentaje de las canciones que escuchamos en la radio y que han tenido un éxito avasallante están compuestas usando 4 acordes principales: G, F, C y Am en menor grado pero notablemente diferenciado del próximo en la lista Dm. Es decir, nuestra cultura musical (más popular, más comercial, etc.) tiene un patrón reconocible de 4 acordes: Sol, Fa, Do y La menor. Interesante, ¿no? Pero veamos por qué esto puede darse así según las palabras del autor del artículo original.

Las preguntas que se hace son: “¿Hay una explicación razonable para la popularidad relativa de estos acordes? ¿Por qué son tan populares acordes de menor importancia, siendo los acordes mayores prácticamente inexistentes?” Él dice que los resultados se pueden explicar fácilmente con un poco de teoría musical básica, pero nos invita a leer los próximos artículos que lanzará al respecto. Atrevidamente me puse a pensar musicalmente, y mi teoría sobre este asunto es que este tipo de acordes son los más fáciles de combinar a la hora de utilizar instrumentos de diferentes familias, pero en donde se destacan principalmente el piano y la guitarra, instrumentos cuya pedagogía hace que esos acordes resulten los más característicos del aprendizaje y la práctica. Además de esto, la transposición a claves menores es generalmente más accesible y armónicamente más efectiva si se utilizan escalas mayores para escribirlas. Por ejemplo, de Do mayor a La menor. 

¿Son estos resultados definitivos?
No. Como todo estudio, hecho o no en circunstancias científicas, la selección de los sujetos de prueba, del método y la forma de escoger los resultados está supeditado a la subjetividad del autor del mismo, pero esto no le quita relevancia al asunto. Por ejemplo, la regla de los 4 acordes es algo bastante conocido en la música, y básicamente se explica por reglas de harmonía clásica que están implícitas en la música popular, incluso involuntariamente por los instrumentos  que son más comunes para componer (piano y guitarra). Por ejemplo, en guitarra, una de las escalas que más prevalecen es la de Mi (E), ya que es aquella con la que generalmente muchos métodos enseñan guitarra y la más utilizada en el rock más pesado. En el piano, Do es la más utilizada para el aprendizaje también y es la escala a la que se suelen transponer composiciones para otros instrumentos. En otra familia de instrumentos, podremos ver una preponderancia de Fa o Si en bronces, por ejemplo.

A mi parecer, en el resultado final de estas canciones populares lo que más impacta es la escala en la que el rango de voz del cantante se puede mover. 
El actual estudio toma en cuenta el número de veces en la que aparecen los acordes, pero no toma en cuenta la duración del mismo durante la canción. De todas maneras, el artículo nos parece realmente interesante en lo que propone, pues más allá de poder explicar de una u otra forma las causas, los patrones repetitivos en la música más popular es algo que todos, más o menos, conocemos de oído.

Fuentes:

Tu tema me suena

Plagio es el término legal para la copia de otra persona o de la obra creadora de una entidad y haciéndola pasar como material original. En general, esto se considera una violación de las normas éticas y podría ser castigado por la ley en algunas áreas. En el campo de la música, muchas acciones legales han resultado de las reclamaciones por plagio música. A finales del siglo 20, la llegada de la toma de muestras de música complica aún más la cuestión.

Al igual que otras obras de creación, la música está protegida por las leyes de derechos de autor en muchos países, así como por el Convenio de Berna internacional. La mayor parte de la música está protegido por la vida del creador más varias décadas. En la práctica, los derechos de autor de muchas canciones populares son propiedad de las compañías de grabación, no por los propios artistas. Estos derechos de autor puede ser muy lucrativo para los años después del éxito inicial de la canción. Por lo tanto, las compañías de música protegerán vigorosamente estos derechos de autor en los casos de plagio de la música, ya sea real o percibida.

Al igual que otras formas de arte, la música está hecha de muchos elementos individuales, y que a menudo se inspira en las obras anteriores de arte. Un simple progresión de notas de una canción puede parecer muy similar a lo que se escucha en otras canciones conocidas, pero esto no significa necesariamente que el trabajo ha sido plagiado. Los jueces que supervisan los casos de plagio de música deben sopesar estos factores a la hora de tomar sus decisiones. Algunos reclamantes son simples oportunistas que buscan una porción de las fortunas hechas por canciones exitosas. Esto sólo hace que sea más difícil para decidir los casos en que el plagio real ha tenido lugar.

El plagio es definido por el Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española como la acción de "copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias".
Desde el punto de vista legal, el plagio es una infracción del derecho de autor sobre una obra artística o intelectual de cualquier tipo, que se produce cuando se presenta una obra ajena como propia u original. Así pues, una persona comete plagio cuando copia o imita algo que no le pertenece haciéndose pasar por el autor de ello. 

En la industria musical las acusaciones por plagio son algo constante. Por plagio hay que entender todo aquello que supone copiar obras ajenas en lo sustancial, presentando gran similitud con la obra original. El plagio supone un atentado contra el derecho moral del autor ya que infringe el derecho al reconocimiento del derecho a la paternidad de la obra reconocido la Ley de Propiedad Intelectual.

Los expertos musicales consideran que hay plagio cuando hay más de ocho notas continuadas iguales. Son muchos los casos de plagio, denunciados o no, en la historia de la música. A los expertos muchas veces les cuesta identificar qué es plagio y qué simple inspiración. Algunos se limitan a la música y el arreglo, mientras que otros copian la letra de la canción original. 

Plagiar básicamente es copiar o crear algo muy parecido de otro autor. El plagio puede suceder de dos formas, copiar una idea musical (una parte de la melodía vocal o del instrumental) o hacer un sampling.
Lo del sampling es fácil. Es cuando un artista usa literalmente el exacto mismo sonido de otro autor. No hablo de algo parecido, digo copiar el mismo exacto sonido y ponerlo en otra canción.

La mayoría cree que si superas las cuatros notas o x cantidad de compases idénticos se considera plagio y la verdad es que no. 
(En la SGAE - Sociedad General de Autores y Editores Españoles - descubrí que estaba totalmente equivocado. Ahora resulta que el plagio no existe...(?), como lo oyes, ni tres compases, ni dos , ni 25. En caso de denuncia, la Inspección Técnico Musical de la SGAE tiene la obligación de contrastar la veracidad de la acusación, pero sin fijarse en el número compases plagiados, porque un tema puede medirse con tempos diferentes; por tanto fijar tal o cual número de compases no tiene sentido. Lo que hace los inspectores es encargar a una comisión de expertos y arreglistas un informe sobre los dos temas en litigio para que analicen no solo las notas repetidas sino las armonías y ritmos, los arreglos, todo. Si el peritaje se inclina por la confirmación del plagio te pedirán que renuncies a los derechos de autor en beneficio de la otra parte y tratarán de llegar a un acuerdo amistoso que, caso de no darse, será juzgado por los tribunales ordinarios de justicia.
Por regla general la Inspección de la SGAE logra conciliar a las partes: es muy raro que se produzcan juicios por plagio en España, con el consiguiente escándalo. No ocurre lo mismo en otros países donde algunos llenan las primeras páginas. Me vienen a la cabeza casos como los del Beatle George Harrison con su "My sweet Lord" , condenado por plagio, o el de la famosa "Lambada" unos años atrás.
Si te fijas, normalmente plagia el fuerte al débil. El que plagia es aquel que estando en una posición ventajosa se aprovecha de las ideas de otro compositor menos conocido y se apropia los temas del otro. Por eso es tan importante que registres tus composiciones antes de enseñarlas por ahí, no sea que te lleves la desagradable sorpresa de escucharlas en poder de otros.)

Para Sadaic (Sociedad Argentina de Autores y Compositores) "no hay una fórmula matemática para determinar un plagio". Entonces, ¿qué pasa si un músico hace un reclamo ante la entidad? "La Comisión de Asuntos Artísticos evalúa y opina, comparando las obras en cuestión. Pero en definitiva es la Justicia la que resuelve si hubo plagio o no". 

Conclusión
Si terminas creando una canción donde la melodía vocal es parecida en todos sus términos a otra desde comienzo a fin es obvio que no hay feliz coincidencia. Pero si te tocase crear algunas melodías similares sería bueno que se lo hagas escuchar a amigos para que te den un veredicto. Pídeles que sean directos con respecto a eso. Si notan algo parecido a otro, sería mejor hacer los cambios apropiados. 

Tu tema me suena


TALLER DE EXPRESION VOCAL


- La capacidad auditiva condiciona la expresión vocal, desarrollando el hábito de escuchar llegamos a hablar y a cantar. El canto es un medio de expresión y comunicación a través de la música. Cantar es emitir sonidos de forma controlada, utilizando el aparato fonador humano, siguiendo una melodía o un ritmo -

Taller orientado a quienes buscan enriquecer su forma de cantar y destinado a conocer diferentes técnicas vocales, revelando trucos y secretos de reconocidos cantantes a través de un delicado análisis de sus vocal tracks de estudio y shows en vivo, recorriendo diversos repertorios de música moderna.

Aprenderás de la experiencia directa lo que no jamás encontrarás en los libros académicos y muy pocos te contarán.
Grupos reducidos entre 10 y 15 alumnos organizados por nivel y experiencia. 

Objetivos:
Favorecer la comunicación, el control y manejo de la respiración, relajación y audición, desarrollando la imaginacion, la expresión y la creatividad.
  • Conocer los mecanismos respiratorios, fonadores y resonadores.
  • Aprender ejercicios para preparar la voz cantada.
  • Trabajar diferentes tipos de calidades vocales.
  • Desarrollar las capacidades personales y musicales a través de la observación y la exploración interior.
  • Desarrollar la capacidad auditiva y la sensibilidad musical.
  • Desarrollar la capacidad auditiva para distinguir, reconocer y reproducir diferentes características del sonido.
  • Descubrir las sensaciones propiceptivas a través del juego, la expresión corporal y teatral.
Actividades:
  • Aprenderemos ejercicios de respiración y afinación combinados con juegos de desinhibición. Estiramientos y ejercicios corporales para preparar el cuerpo.
  • Calentamiento y vocalizaciones para preparar la voz.
  • Práctica de diferentes calidades vocales.
  • Audiciones.
Consultas e inscripciones: toquemosmusica@outlook.com

ENTRENAMIENTO VOCAL


Cantar con una voz fuerte, clara y flexible a lo largo de un rango que nunca soñaste que fuera posible.

Es un entrenamiento de la correcta coordinación muscular de las cuerdas vocales: fortalece, mediante una serie de simples ejercicios vocales, cierta coordinación de las mismas, inhabilita la coordinación muscular incorrecta (músculos de la mandíbula, de la lengua, y músculos para tragar) que imposibilitan el correcto funcionamiento de la voz cantada o hablada.

Esta técnica garantiza, por lo menos, el desarrollo de una octava en rango vocal.
Es una técnica incremental, que trabaja con la conexión de la voz, borrando y equilibrando los quiebres en los puentes, para que la voz suene pareja y coherente desde pecho (chest voice) hasta voz de cabeza (head voice), super head y whistle voice.

Es excepcionalmente adaptable a todos los estilos, porque no es una técnica rígida, se aplica a la ópera, jazz, rock, pop, comedia musical, R&B, etc.

No se está aprendiendo “Que” cantar, se aprende “COMO” cantar y mantener un equilibrio parejo a través de los pasajes. Esta técnica puede ser usada para cualquier género musical, idioma o estilo.

Desarrolla la voz libre de vicios, sonidos falsos o inventados o fabricados. La técnica responde al problema inmediato y estructural del cantante, incluyendo constricción causada por laringe alta y la resultante inhabilidad de la estructura de las cuerdas vocales para permitir un fácil control de la afinación y una formación natural de las vocales en la garganta. Es particularmente efectiva en rejuvenecer voces de gente mayor o voces dañadas.


Técnica Mixta Americana / Alemana
En qué se diferencia la técnica americana y alemana con las tradicionales?
Muchos cantantes al abordar las partes más complejas de una canción, sienten que lo que les falta es el aire y es ahí donde nacen varios malentendidos, tanto para el cantante como para las escuelas tradicionales de canto que, pretendiendo solucionar este problema, se focalizan en ejercicios específicos para mejorar la respiración.

A partir de los conceptos que introduce tanto la Técnica Americana como la Alemana de Canto, sabemos que la respiración no es el problema.
El verdadero problema radica en el mal aprovechamiento del aire.

Si se coordinan correctamente las cuerdas vocales, se puede lograr una vibración eficiente sin que se produzcan fugas de aire innecesarias.
Las fugas de aire se acentúan particularmente cuando se canta en los extremos: en las notas más agudas o en las más graves, al cantar muy fuerte o, por el contrario, muy suave y, sobre todo, al cantar en falsete es usual que se derroche tanto aire que no se llegue a completar la frase o se llegue demasiado exigido.

Para mantener una vibración eficiente, la coordinación de las cuerdas vocales debe ir variando. Esto se logra modificando la interacción de los pequeños músculos que las coordinan. Si no se generan estos cambios, al ir hacia los extremos, se termina sobre exigiendo la voz.

Las técnicas tradicionales enseñan a amplificar el sonido, a embellecerlo y lograr aumentar las capacidades aumentando el esfuerzo muscular, pero solo corrigiendo donde nace la voz vamos a lograr los mejores resultados. Y esto se logra primero que nada comprendiéndolo.

Dado que para la mayoría sigue siendo un secreto sin descifrar, terminan exigiendo las cuerdas y usando aire en exceso. El resultado es que con las técnicas tradicionales se logra que sólo unos pocos canten realmente bien y los demás solo superficialmente.

Por el contrario con las técnicas americanas y alemanas todos podemos lograr los resultados que antes lograban unos pocos y perfeccionarnos aun por encima de los que lo hacen en forma intuitiva.
Estas técnicas logran que cualquiera que quiera cantar y ponga esfuerzo para aprender pueda lograrlo a su debido tiempo.

El objetivo de esta técnica es lograr una eficiencia en la vibración durante todo nuestro rango vocal.
Esto se logra perfeccionando la coordinación de las tres partes involucradas en generar la voz que son:

  • La presión de aire necesaria para mantener a las cuerdas vibrando eficientemente.
  • La coordinación de éstas para producir las alturas e intensidades que transforma la presión de aire en energía sonora.
  • Una eficiente amplificación de esa vibración pura en nuestros resonadores alojados en la cabeza.
El balance de estas tres partes y su coordinación, dan lugar a una producción de sonido potente y rica en armónicos dando lugar al nacimiento de nuestra verdadera voz.

Perfeccionando esta técnica podremos interpretar cualquier estilo de música con la misma facilidad que lo realiza el interprete original, por mas difíciles que veamos a algunos de ellos e iremos dándole forma a nuestro estilo y personalidad. 


Consultas e inscripciones: vosytuvoz@outlook.com