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El arte de hacer canciones

Como compositor hay muchas cosas que deben ser consideradas en el proceso creativo para crear y desarrollar una canción. Hay muchos factores que necesitan estar en su lugar para tener una gran canción. 

Comencemos con un gran título 
Tener un gran título te ayudará a desarrollar mejor tus ideas de canciones
Para empezar una canción debe tener un gran título. El título debe estar escrito de tal manera que atraiga la atención del oyente. Debe proporcionar suficiente información que el oyente pueda identificar fácilmente la canción y crear cierta curiosidad del contenido de las canciones. 

Mantener un título simple
Los títulos largos dan mucha información y evitan que el oyente explore la canción. 
El título también ayudará a establecer la escena, el estado de ánimo y la historia de su canción. Si estás atascado en conseguir un título de la canción, la mejor manera es escuchar conversaciones a tu alrededor. 

Al escuchar obtendrás más ideas que puedas imaginar. Mantener un diario de los títulos, cuanto más tengas mejor. Al pensar creativamente es mejor tener demasiado y luego editar abajo para encontrar las gemas. 
Es un poco como la minería de oro. Comienzas con mucha suciedad y luego descubres que la suciedad se va y el oro se deja ver. 

Una vez que tengas un gran título, lo siguiente que debes buscar es un "Gancho". 

Los Ganchos 
El gancho es la parte de cualquier canción que sea fácilmente recordada por el oyente. Muchas veces se encuentra el estribillo de la canción. Incluso puede ser el título de la canción. El "Gancho" debe ser simple y memorable y "destacarse" en la canción. Necesita ser repetido varias veces durante la canción. 

Los ganchos aparecen en canciones en diferentes formas. Podría ser la melodía y el título juntos en el estribillo, podría ser un motivo de un instrumento estratégicamente en algún lugar de la canción. 
También podría ser un patrón de ritmo único. Ten en cuenta que puede haber más de un gancho en una sola canción. Podría ser una combinación de cualquiera de los ejemplos anteriores. 

Letras con un tema universal 
Cuando se trata del tema de la canción una gran canción tendrá una historia que se puede relacionar con una amplia audiencia. 

Escribimos canciones por diferentes razones. A veces estas razones son profundamente personales. Se cauteloso para las canciones extremadamente personales. 
Existe el peligro de que el tema sea demasiado específico. Si eres demasiado específico reduce el número de personas que pueden relacionarse con tu canción. 
Un compositor es un comunicador. Como comunicador es su deber contar una historia. Una historia que no pierda su audiencia creando algo que nadie puede entender porque es demasiado personal. Además de ser demasiado personal, ten cuidado de que sus imágenes sean demasiado "allá afuera". La imagen debe reforzar la línea de la historia de la canción. Si las palabras describen algo que sólo es relevante y comprensible por unos pocos selectos, perderás al oyente. 

Melodía 
La melodía es una parte importante de una canción. Al escribir tu melodía, asegúrate de que la persona promedio pueda cantarla. Manten el tono dentro de un rango razonable. Una buena melodía tendrá estas características. 

En primer lugar, la melodía tendrá una forma distinta. La forma debe parecerse a una cordillera con puntos altos y puntos bajos. Evita permanecer en una nota durante demasiado tiempo. 

En segundo lugar, la melodía de una gran canción no debe más que 3-4 frases musicales contrastantes. Para hacer memorables estas frases musicales, éstas deben repetirse varias veces en el curso de la canción. 

Tercero, la melodía debe tener una nota de "encanto mágico". Esta es una nota inesperada y única que realmente destaca. Esta nota grita "¡Aquí estoy!" Por fin, la melodía necesita tensión y liberación. Esto hará que la melodía interesante. Para construir la tensión usa notas que no sean acordes.
 
Esquema de rimas 
Las canciones necesitan algún tipo de esquema de rima. Rimas hacen que las canciones suenen mejor. Se debe tomar tiempo para crear rimas que funcionen bien. Escribir letras de canciones no es lo mismo que escribir poesía. Estos son diferentes tipos de escritura. Aún así, la escritura lírica utiliza muchas de las técnicas comunes a la poesía. 

Ejemplos de rimas:
Rimas finales - Rimas de las palabras finales de líneas en un poema. 
Rimas Inclinadas - Rima en la que dos palabras comparten un sonido de vocal o en el que comparten sólo un sonido de consonante 
Hay muchos más tipos, pero estos son los más comunes. 

Junto con las rimas de palabra hay también colocación estructural de la rima. 

Ejemplo de estructura:

AAAA 
ABAB 
ABBA 
ABAC 
ABABCC 

La estructura ayuda a crear cierta previsibilidad para el oyente y hacer que el sonido lírico sea agradable al oído.

Estructura de una canción
Las canciones tienen una estructura básica mínima de verso-estribillo. A esta estructura se le integran distintos elementos el cual cada compositor utiliza para componer la canción a su gusto y obtener distintos resultados. Diferentes estructuras y elementos generan diferentes efectos.

Los ingredientes que generalmente forman una canción son:

Introducción: La introducción aparece al inicio de una canción y dura de 5 a 15 segundos, en ella se puede usar la melodía, armonía o un fraseo, y el objetivo es captar la atención del oyente e irlo adentrando en la canción.

Verso: Aquí es donde ya aparece la lírica acompañada de una armonía bien establecida, generalmente se ubica antes del estribillo. El verso se identifica cuando dos o más secciones contienen la misma música y diferente letra.

Pre-estribillo: Este elemento es el que ayudará a conectar el verso con el estribillo gracias a que permite una transición de la armonía generando el cambio de momento.

Estribillo: Se considera la parte más importante de la canción ya que en ella generalmente se incluye el nombre del tema, además la melodía suele contrastar con la introducción y el verso, lo que provoca que sea una parte más dinámica. Comúnmente se le conoce cómo “coro” y suele repetirse varias veces dentro de una canción.

Puente musical: Este puede ser un elemento extra muy útil en las canciones, debido a que es un interludio que enlaza dos parte de la canción, construyendo una armonía entre ambas y con él puedes generar el clímax máximo de la canción. Por ejemplo, un solo de guitarra es un puente musical.

Cierre: La parte final de la canción es el cierre, puede ser el estribillo con un fade out o retomar la intro pero con algún arreglo que indique que es el término de la canción. 


Mas información 

Algunos consejos para ser un mejor Bajista



Toca para la canción
Tocar el bajo requiere tocar con moderación y sutileza en lugar de mostrar técnica. En muchas situaciones, lo mejor es trabajar sobre todo con las notas fundamentales de los acordes y bloquear con bombo y tambores de la batería.

Caminar
El "Walking bass" se originó en el jazz y el blues, pero desde entonces ha sido adoptado en otros estilos. El término se refiere a un modo de juego en el que la línea de bajo se mantiene en constante movimiento en contraposición a alojarse en o reiterando una nota. La línea "camina" de un acorde de nota fundamental hacia arriba o hacia abajo al siguiente, sobre todo en un ritmo de negra.
Las notas de transición pueden ser cualquier combinación de tonos de acorde (arpegios), tonos de la escala que se relacionan con los acordes o notas de paso cromáticas.

Bloqueos rítmicos
En una sección de ritmo el bajo forma parte de enlace entre los tambores y el resto de la banda. En la mayoría de los casos hacer que el bajo y la batería suena como una sola entidad, y una gran manera de hacer esto es a las embarcaciones de líneas de bajo que se ajustan como un guante con la patada de la batería y tambores.

Octavas y 5tas
Después de la raíz octava, la quinta es la nota más agradable armónicamente. Muchas líneas de bajo clásicos se han construido utilizando la mayoría de las raíces, octavas y quintas. Lo bueno de este enfoque es que permite crear una línea de bajo que es interesante y melódica, cerraduras a la perfección con la batería y no entra en conflicto armónicamente con los acordes subyacentes. 

El pulso
Pulsar las cuerdas con fuerza y cerca de la base del diapasón como una palmada en contra de ella; pulsar las cuerdas cerca del puente con sólo las puntas de los dedos, que le permite obtener garra (Jaco Pastorius / Rocco Prestia).

Tocada con Púa
No todos los bajistas usan sus dedos para tocar el instrumento. 
La gran superficie de los grandes picos del triángulo se adapta bien a la amplia separación de cuerdas graves y le ayudará a mantener un control sobre la selección. Tortex (o Delrin, dependiendo del fabricante) también es más resistente que el celuloide y menos propensos a romperse, y el grueso calibre, indeformable le permitirá obtener más volumen y el poder de esas gruesas cadenas, con menos esfuerzo.

La técnica de un solo dedo
Algunos productores de discos prefieren tener bajistas que usan púa debido a que el ataque es más uniforme. Pero si eres de digitación y quieres lograr un ataque más consistente, trate de usar un solo dedo, como el índice (en lugar de alternar entre el índice y el dedo medio) tanto como sea posible. 

Obtener tiempos sólidos
Alguien tiene que mantener el ritmo constante, y si la batería no puede, el bajista tiene que hacerlo. No se limite a contar en 4/4-También debe sentirse en 8/8, sobre todo cuando se toca baladas, donde la tendencia a precipitarse el ritmo es mayor. Para ayudar a la tierra en el ritmo con mayor precisión, escuchar hi-hat o ride de la batería, no sólo el bombo.

Sustitución de acordes
De vez en cuando jugar la tercera o quinta del acorde subyacente en lugar de su nota fundamental puede cambiar radicalmente toda la sensación de una progresión de acordes, y cuando se hace con buen gusto se puede agregar calor o tensión. Este dispositivo ha sido utilizado durante siglos por los grandes compositores clásicos como Bach y Beethoven y crea lo que se conoce como inversiones de acordes. compositores Pop como Elton John y Paul McCartney utilizan inversiones, a través de sustituciones línea de bajo, para construir sus progresiones de acordes a su punto culminante armónica.

Ruido y suciedad
En algunas situaciones, es perfectamente válido hacer ruido de un traste, ir un poco detrás del ritmo o deslizamientos de una nota que suena un poco más de lo que debería, siempre y cuando no sea perjudicial para la música y contribuye al ambiente deseado.

Escalas modales / modos griegos

Parece que fueron los antiguos griegos los que construyeron las primeras escalas, que reciben el nombre de sus principales tribus: dórica, frigia, lidia y mixolidia. 
Todas ellas contenían ocho notas (incluyendo la octava), que equivalían a las notas blancas de un piano, y se escribían en orden descendente. 

En la edad media el sistema modal era la fuente de todas las melodías. Pero a principios del siglo XVI, las complejidades cada vez mayores de la polifonía (música que incluía dos o más líneas melódicas armonizadas) provocaron la caída del sistema modal.

En el siglo XVII se había desarrollado ya un nuevo lenguaje armónico. La idea de “tonalidad” se amplió para incluir el sistema de tonos. Toda la música se escribía en un tono que identificaba la nota tónica (o primera) de la escala. Los intervalos entre notas estaban determinados por su distancia a la nota tónica o central.

El corazón del sistema de tonos era el concepto de las escalas diatónicas mayores y menores. Una escala diatónica incluye las notas propias del tono. La escala diatónica mayor tiene el mismo patrón de notas y semitonos que el modo jónico medieval (que empezaba en Do), y la escala diatónica menor natural tiene el mismo patrón que el modo eólico (que empezaba en La). Sin embargo esta semejanza está en la estructura, no en la aplicación.

A continuación se describén cada uno de los modos griegos o modos gregorianos:
 
Modo jónico (escala mayor natural)
Este modo fue el predecesor de la escala mayor diatónica. Tiene el mismo patrón de intervalos y por lo tanto el mismo sonido.

Sube de Do a Do:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1/2T   1T   1T   1T   1/2T

Fórmula: 1,2,3,4,5,6,7


Modo Dórico
Es un modo menor. Se diferencia de la escala menor natural (eólica) en que la 6ª nota es un semitono más alta. Útil para secuencias de acordes menores (por ejemplo: Im, IIm, III, IV, Vm y VII),  produce un efecto Jazzístico.

Sube de Re a Re:
El patrón de intervalos:
1T   1/2T   1T   1T   1T   1/2T   1T

Fórmula: 1-2-3b-4-5-6-7b

Modo Frigio
Es también un modo menor, idéntico a la escala menor natural (eólica), excepto en que la 2ª nota es un semitono más baja. Cuando esta nota se toca sobre un acorde tónico de séptima menor, suena como una 9ª alterada.

Sube de Mi a Mi:
El patrón de intervalos:
1/2T   1T   1T   1T   1/2T   1T   1T

Fórmula: 1-2b-3b-4-5-6b-7b


Modo Lidio
Es una escala mayor. Se diferencia de la escala diatónica mayor (jónica) en que la 4ª nota está subida un semitono. Tiene, pues, las mismas notas que la escala mayor en el tono de Sol, y Sol es la 5ª nota (dominante) en la escala de Do.

Sube de Fa a Fa:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1T   1/2T   1T   1T   1/2T

Fórmula: 1-2-3-4#-5-6-7


Modo mixolidio

La diferencia de la escala diatónica mayor (jónica) en que la 7ª nota está un semitono más baja. Es uno de los modos más empleados en improvisaciones de jazz y blues.

Sube de Sol a Sol:
El patrón de intervalos:
1T   1T   1/2T   1T   1T   1/2T   1T

Fórmula: 1-2-3-4-5-6-7b


Modo eólico (escala menor natural)
Este modo fue el predecesor de la escala diatónica menor natural. Tiene el mismo patrón de intervalos y, por lo tanto, el mismo sonido.

Sube de La a La:
El patrón de intervalos:
1T   1/2T   1T   1T   1/2T   1T   1T

Fórmula: 1-2-3b-4-5-6b-7b


Modo locrio
De los siete modos es el que menos se emplea en la música occidental, pero forma parte importante de la música japonesa e indú.

Sube de Si a Si:

El patrón de intervalos:
1/2T   1T   1T   1/2T   1T   1T   1T

Fórmula: 1-2b-3b-4-5b-6b-7b


Es muy interesante estudiar las escalas modales ya que cada una te "ubica" por decirlo de alguna manera en la armonía del momento, ejemplo: Si estas en la tonalidad de DO Mayor, sabes que tiene siete acordes. Estudiemos esos siete acordes en triada: DO Mayor (acorde de I grado), Re menor (acorde de ii grado), Mi menor (acorde de iii grado), FA Mayor (acorde de IV grado), SOL Mayor (acorde de V grado), La menor (acorde de vi grado) y por último Si disminuido (acorde de vii grado). 

Para cada uno de esos acordes tendrás una escala modal que no es más que una escala formada por las notas de la escala Mayor de la que se generan los acordes de la tonalidad pero ordenada sistemáticamente ya que comienza y termina con la misma nota y esta nota es la que le da el nombre a cada uno de los acordes de la tonalidad. Entonces si estamos tocando un tema que está en la tonalidad de DO Mayor y si tocas la progresión ii-V-I de Do (Dm, G, C) podemos tocar la escala Dórica de Re porque el modo Dórico pertenece al acorde de segundo grado, luego tocamos la escala Mixolidia de SOL ya que ésta escala corresponde al acorde dominante o de V grado y para el acorde de I grado, en este caso DO Mayor haremos la escala Jónica. 

Veamos el siguiente ejemplo que nos muestra gráficamente las Escalas Modales de la tonalidad de DO Mayor.

  
 
 
Aquí podras ver las formulas de los 7 modos griegos: Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico y Lócrio en Tono (T) y Semitono (S). 
Se puede observar en la imágen la simetría que existe entre las Escalas Modales. 
Observa las diagonales que se forman siguiendo el patrón de las "S" (semitonos) y si completamos las diagonales se origina una cuadrícula perfecta. 
Esta es una buena manera para explicar las escalas modales. La simetría de la Música.
 
 

 
 

Métodos alternativos para componer canciones

Componer canciones no es para nada una tarea fácil. No todo es tener una buena técnica, conocer mucha teoría musical e incluso tener buen oído.
Aunque tengas todo esto y aptitudes naturales para la música, los grandes artistas nos lo demuestran día a día: triunfar se compone de un 10% de talento y un 90% de esfuerzo.

Por otra parte, también podemos esforzarnos muchísimo en algo y no obtener los resultados que queremos, ya que esos esfuerzos no están dirigidos.

Esto también se puede aplicar cuando quieres componer una canción ya que, aunque la música es arte, tiene su buena parte de orden y disciplina, y gracias a esto podemos aprovecharnos de los métodos de trabajo que existen en otros campos como el cine o la informática.
No siempre, pero en una banda que crea canciones propias, al que más le suele costar componer es al cantante.

Probablemente sea porque con una guitarra o un teclado es muy fácil ver las notas y probar, es todo muy visual, pero al componer una canción como cantante no tenemos esas facilidades.

Aunque el cantante de la banda no tenga miedo y tenga un buen dominio de su instrumento para ir probando sobre la marcha e improvisar, esa forma de componer nos puede llevar a hacer cosas muy similares entre sí, haciendo nuestras canciones demasiado parecidas entre ellas.

Al componer una canción, ¿por qué no empiezas por el final?
Teoría que a veces utilizan los autores para crear los guiones de películas.
¿No has visto nunca una película o una serie que te engancha desde el primer momento pero a medida que transcurre el curso de la historia pierde interes, te aburre e incluso hace que no te guste toda la película por culpa de la parte final?

Hay gente que dice que es porque cuando empiezas una historia, tienes las ideas frescas, no estás saturado por el proyecto, por lo que mejor lo escribes al principio, y a medida que pasa el tiempo no sabes cómo seguir o pierdes las fuerzas o el entusiasmo iniciales.

No hay reglas acerca de cómo hacerlo, pero te diría que pruebes a tener la idea general de la canción y directamente empieces por pensar en cómo te gustaría que acabara.

Piensa en un buen final, eso dejará buen sabor de boca al oyente. Incluso puedes planificar ya en este momento si quieres componer una canción que al acabar enganche con el principio de otra. ¡Se abren nuevas posibilidades al ver las cosas desde otro punto de vista!

La inspiración se puede provocar para componer una canción
Nos guste o no, la inspiración no es algo que tengamos bajo nuestro control.
No es un interruptor que podamos activar o desactivar a voluntad, por lo que hay que buscar otras formas de buscar ideas para componer una canción.

Lo primero que recomendaría es que, como mínimo, te grabes mientras compones.
A veces haces cosas sin tener ni idea de dónde han salido, y luego no puedes recordarlas precisamente por tus costumbres musicales.
Como consejo más importante, te diría que salgas de tu zona de confort y lo enfoques de otra manera. Deja tu instrumento a un lado y enciende tu pc/tablet o smartphone.

Existen varios programas de creación de música. Uno muy bueno, gratis y útil para componer es LMMS.

 

Cambiar nuestro entorno de trabajo, hacer modificaciones sobre algo que ya tenemos es tan fácil como hacer click y arrastrar un par de notas, lo cual nos permite tener un ciclo de pruebas muchísimo más corto permitiéndonos hacer muchas más modificaciones en mucho menos tiempo. Es importante que todos los integrantes del grupo utilicen el mismo programa, ya que los ficheros de este tipo de programa suelen ocupar poquísimo y se pueden enviar de forma muy rápida por correo electrónico, whatsapp o nube, por ejemplo.

De esta forma cada integrante puede añadir sus propias modificaciones y luego hacer consenso para ver cuál es la que más gusta e incluso volver a iterar para mejorarla.

Esta forma de trabajar es muy buena especialmente para cantantes, porque trabajar de esta forma provee al cantante de la herramienta visual que, como comentaba al principio, no tiene.

¿Quieres componer tus canciones de manera realmente original? Juega con los tempos y la estructura.

Descarga gratis LMMS desde https://lmms.io/download/#windows

Tengo una banda / soy solista ¿cómo puedo ofrecer mi música en Spotify?

Spotify se ha convertido en objeto de deseo de muchos músicos, no para generar grandes cantidades de dinero pero sí para tener mucha visibilidad.

Deberíamos tenerlo muy en cuenta en nuestra estrategia de marketing musical puesto es una herramienta muy potente y popular. Actualmente Spotify es uno de los reproductores de música en streaming más populares a nivel internacional, cuenta con un gran repertorio musical y cada día suman 20 mil canciones a su catálogo, pero se preguntarán: 

¿Cómo subo mi música a Spotify si no tengo discográfica o soy independiente? 

De acuerdo con el servicio de Spotify, la forma más rápida que tiene una discográfica o artista para que su música esté en el servicio es ponerse en contacto con otra empresa o con un agregador que ya disponga de un contrato y proceso de entrega con Spotify.

Por otro lado, si eres una discográfica que lleva su propio negocio digital y está capacitada para entregar contenidos mediante un feed digital por medio de plataformas como FUGA o Consolidate Independent, la forma más rápida y sencilla es unirte a Merlin Network.

Para los artistas independientes que se autopublican o pequeños sellos discográficos que no cuentan con una plataforma de entrega o un sello que distribuya su material, el siguiente enlace les indica aquellas compañías "agregadoras" que trabaja con Spotify.

Agregadores musicales
Estos son algunos de los agregadores con los que trabajamos que proveen de música de artistas sin sello discográfico a Spotify. Puedes contactar a cualquiera de ellos para tener tu música en Spotify. Puedes ponerte en contacto con alguno de ellos para agregar tu música a Spotify.

Estas son las únicas formas de que el servicio de música reciba el repertorio con el que amplia su catálogo musical todos los días; si están interesados, en cada enlace obtendrán la información necesaria para lograr el cometido y que a su vez su material quede protegido del plagio.

7 razones por las que todo artista debería estar en Spotify
1. Promueve los catálogos de artista subiendo las utilidades a nivel mundial
Cada vez los servicios de streaming generan un porcentaje de ganancias mayor para la industria musical, el ingreso de las empresas Google (con el servicio Songza), Amazon (Prime Music) y Apple (Beats Music) anticipa un golpe fuerte en este sector y probablemente, la creación de nuevas herramientas y oportunidades.

Los tiempos han cambiado y hoy en días las tres disqueras más grandes: Universal, Sony y Warner, tienen áreas que se dedican a curar y promover playlists en Spotify. Esa es la estrategia de marketing; se atrae a posibles oyentes a playlists según temáticas o géneros. En esos playlists podrían colocar nuevos tracks o algunos temas de bandas nuevas, por ejemplo, de manera que quienes lo escuchen quizás por otros artistas, también podrán oír lo nuevo y si les gusta, conocerlo y buscarlo luego.

La ventaja de hacer esto, es que esas personas que nunca te oyeron y que muy probablemente tampoco lo hubiesen hecho si les dabas primero el álbum para comprar, lo llegan a hacer. Sin duda, un servicio de streaming paga menos que el costo de descarga de una canción, sin embargo, hoy el mercado está optando por poseer cada vez menos los temas y más bien oirlos por servicios como Spotify; si lo vez de otra manera, el artista está recibiendo dinero cada vez que alguien escucha su canción y esto era algo que con la piratería no sucedía.

2. Los playlists pueden lanzar y promocionar un hit
El portal de Tunecore puse de ejemplo al hit de Mr. Probz “Waves”. Cuando se lanzó en verano, se oia un millón de veces por día en Spotify. Esto ocurrió en verano y para abril, ya estaba en en top 40 de US Spotify. Esto, fue gracias a los playlists,  y la método de búsqueda de temas que ellos llaman como: lean back, en el cual uno puede encontrar, oír y si te gusta tener los playlists de otras personas que ya han hecho uno.

3. Los servicios de suscripción permiten cultivar a artistas nuevos
Spotify, hoy disponible en 60 países está permitiendo compartir un componente muy importante: información, en este caso musical. Los usuarios hoy buscan bandas nuevas, uno quiere oír más música, y el gran catálogo de los servicios de streaming lo permite. El repentino boom de Lorde, por ejemplo, fue impulsado en gran parte por el equipo de Spotify, que notó cómo la artista nueva iba ganando cada vez más difusión, sin haberse vuelto aun una estrella internacional.

4. Menos piratería
Esto ya se mencionó antes. Existe un antes y un después de los servicios de streaming. Hace unos años, la mayor cantidad de usuarios que no podían o querían necesariamente comprar un disco, lo descargaban gratis. Pero hoy, servicios como Spotify te permiten oirlo, por lo que la piratería ha decrecido, y esto es una gran noticia para los artistas alrededor del mundo.

5. Los servicios de suscripción hacen que el consumidor promedio de música consuma más
Las ventas por descarga digital no han reemplazado a las ventas físicas que vienen cayendo hace mucho. En EEUU, solo el 45% de la población online compra música de alguna u otra manera. El promedio de gasto anual de esta minoría, es de $55.45. Un consumidor Premium de Spotify invierte $120 al año por el servicio ($10 por mes, por 12 meses). Es prácticamente el doble, y el servicio y meta de Spotify es que siga creciendo, de manera que se generen aun más ganancias para los artistas.

6. Promoción gratis
Compartir la música que escuchas en Spotify es muy fácil. Inclusive ahora Facebook te indica qué canción estás escuchando, de manera que uno mismo se puede convertir en un promotor de alguna canción en el momento en que la escuchas o compartes. De esta manera, los propios usuarios y fans están generando constantemente promoción a las bandas y/solistas que siguen, y al multiplicar esto por la gran gama de redes sociales que cada uno maneja, las posibilidades de llegar a nuevas personas se vuelven mucho más amplias.

7. El streaming ya ganó gran parte de la industria
Lo muestran los números y el propio comportamiento de las personas. En este momento las ganancias por streaming ya superaron las ganancias por ventas físicas y se estima superen a aquellas dadas por las ventas online.

Así es muy probable que pronto, el streaming se convertirá en una de los principales, -y a lo mejor la principal-, fuente de ingresos tanto para artistas mainstream como independientes.

Mayor información http://www.spotifyartists.com/

Pedal de efectos

Un pedal de efectos (stomp box en inglés) es un dispositivo electrónico utilizado para alterar el sonido de una fuente. Al ser un artefacto electrónico, la fuente debe ser igualmente electrónica, por lo que sólo pueden ser útiles en una cadena de captura de sonido que se alimente de corriente eléctrica. Se utiliza mayoritariamente en el ámbito musical, tanto en grabaciones como en vivo.

Los más comunes son: Distorsión, Estática, Octavador, Compresor, Saturación, Trémolo, Chorus effect, Reverberación, Delay, Ecualizador, Wah-wah, Flanger, Boost, Sustain o Phaser.

El pedal se conecta a la cadena de señales usando dos conectores o "Plugs" de 1/4" también llamados "conector de audifonos". Algunas cajas de efectos tienen salidas estereofónicas por medio de dos salidas monoaurales y solo algunas tienen conectores estéreo para entrada y salida en uno (aunque esto es poco común). Varios pedales pueden conectarse juntos en cadena. Cuando un pedal está apagado o inactivo, la señal pasa de manera pasiva por el pedal, por lo que no se ve alterada, hacia los otros pedales conectados a la cadena de modo que cualquier combinación de efectos en la cadena pueda ser creada sin tener que conectar y desconectar cajas de efectos al estar en una presentación o ensayo. 

La señal puede ser direccionada a través de las cajas de efectos con cualquier combinación, pero lo más común es poner la señal de distorsión o el pedal de Wah wah al principio de la cadena; los pedales que alteran el tono o color del sonido en medio; y las cajas que afectan la resonancia, como delay, eco o reverberación al final (ya que si tras un eco se pone una distorsión, aparecerá irremediablemente la distorsión por intermodulación. 

También pueden ser usados junto con otras unidades de efectos.



Son llamados pedales porque están situados en el suelo y tienen grandes botones en la parte superior que son activados presionando con el pie, dejando de este modo libres las manos para poder seguir tocando. Algunos pedales, como los wah-wah o los de volumen, también son manipulados mientras están en operación moviendo una plataforma para el pie que a su vez activa un potenciómetro, incluso, en pedales más modernos este mecanismo se ha remplazado por un sistema óptico que evita el desgaste de las piezas y el posterior ruido.

Tengamos eso claro desde un primer momento, el alma la ponemos nosotros y la electrónica va por otro lado. Se puede sorprender al oyente con alma y sin electrónica pero no al revés. 

Supresor de ruido (Noise supressor/ Noise Gate Pedal)
Por ruido entendemos todo sonido inarticulado que nos parece desagradable. El ruido simplemente es, por lo general, "todo aquello que va con los sonidos"; se considera ruido a todas las perturbaciones eléctricas que interfieren sobre las señales transmitidas o procesadas. 
Un pedal supresor de ruido lo único que hace es eliminar esas interferencias en el tono, que pueden ser causadas por muchas razones (por estar tocando con pastillas simples y tener hum o zumbido de sesenta ciclos, por estar tocando con altas dosis de saturación o distorsión; o por haber aparatos electrónicos cerca, otros amplificadores, etc. El pedal supresor no debe en ningún momento interferir en la señal original ni en su envolvente y debe interferir en el ataque natural del instrumento. 

Compresión/limitación o pedal compresor (compressor/limiter)
Un compresor es un procesador electrónico de sonido destinado a reducir el margen dinámico de la señal. Todo pedal compresor puede ser utilizado como limitador. Sin embargo, en formato rack y en mezcla y mastering podemos encontrar estos efectos separados. En el mundo de la guitarra es muy poco usual encontrarnos un pedal que exclusivamente limite. Siempre hablaremos de compresores. Un compresor actúa de forma que atenúa la señal eléctrica en una determinada cantidad (medida normalmente en decibelios) y a partir de un determinado nivel de entrada. El objetivo es conseguir que la excursión dinámica resultante sea inferior a la original, proteger ciertos equipos frente a los posibles picos de señal o si se trata de un sonido saturado intentar disimular el error. Un compresor reduce el rango dinámico. Por el contrario, un limitador lo que hace es cortar totalmente a partir de un umbral específico. 

Ecualización. Pedal ecualizador (EQ)
Un ecualizador es un dispositivo que procesa señales de audio. Modifica el contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello, cambia las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos. De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.
Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. 
Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios. Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal. En el mundo de la guitarra el más común y el que nos vamos a encontrar en los pedales es el ecualizador gráfico. Nos permite dividir esta señal en diferentes bandas de frecuencia, pudiendo alterar la ganancia de cada banda de forma independiente. Su nombre viene dado por la disposición de los potenciómetros deslizables , colocados de forma que permite visualizar la compensación realizada. 

Booster
Este punto es un tanto controvertido ya que tanto el boost (literalmente "empuje", "incremento") como el overdrive (saturación) y la distorsión están en la misma categoría. De hecho hay mucha gente que no conoce la diferencia entre booster y overdrive, al igual que muchos tampoco aciertan a diferenciar overdrive de distorsión...Y estos son conceptos que debemos tener muy claros porque muchas veces no conseguimos acercarnos a algunos de nuestros sonidos favoritos precisamente porque no sabemos qué necesitamos.

Un booster cumple una función que tiene muchos parecidos con un overdrive pero que también tiene muchas diferencias. En un overdrive encontraremos un recorte de graves, unas variaciones en los agudos que nos darán ese golpe extra que buscamos al usar la saturación por pedal. Usando un booster lo que tendremos será un aumento de la señal que hará que las válvulas se saturen, en transistores nos aumentará la presencia de la guitarra y si lo aplicamos en un amplificador limpio nos subirá el volumen. A esto hemos de sumar una importantisima variación: los booster de una frecuencia específica. Hay booster en los que podemos regular varias frecuencias pero también tenemos booster de agudos y bosteer de graves. 

Overdrive y distorsión
Son dos cosas distintas que debemos saber distinguir. El overdrive es el término inglés para "sobrecarga". El sonido limpio de los primitivos amplificadores valvulares se rompía al alcanzar el volumen al que las válvulas saturaban. 

Los pedales de distorsión son mucho más potentes y fríos que los overdrives. Por lo general también más agudos. Con ellos se busca el sonido de alta ganancia y no se presta tanta atención a la dinámica. Son prácticamente exclusivos de la música metal y sobretodo en las variantes más extremas. Se busca un sonido cortante y directo con ganancia de sobra. 

Un caso especial de overdrive lo tenemos con los pedales Fuzz. El fuzz es uno de los sonidos característicos de muchos guitarristas, principalmente el responsable de que muchos adoremos este tipo de saturación es Jimi Hendrix. Parece ser que una mesa de mezclas defectuosa fue la "culpable" del nacimiento del Fuzz. El inglés es un idioma tremendamente onomatopéyico y el nombre de este pedal hace, precisamente, referencia al zumbido que envuelve el sonido de esta saturación. De hecho como se narra en algunas entrevistas al grupo The Who, en sus inicios rajaban los conos de los amplificadores para obtener ese sonido. Es el overdrive más particular del que hay muchísimas variantes. Es bastante más incontrolable pero a cambio nos da un timbre muy característico e identificable. Algunos de los mejores solos de la historia del rock tiene ese sabor único precisamente por estar envueltos en ese pequeño halo nebuloso y hasta cierto punto difuso que otorga el fuzz. 

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Cómo funciona la música?

La música tiene esa sensación de infinitud en su creación que la ha llevado a ser arte trascendental, más allá de las virtudes y miserias humanas de sus intérpretes y creadores. Asociada con la matemática más racional y con las musas más incorpóreas, la música popular, esa que escuchamos en la radio, tiene su pie terrenal y cultural en la forma en la que está compuesta, y por eso un músico realizó una investigación sobre los patrones en las música popular. Es decir, con qué escalas y qué acordes se suelen componer aquellas canciones más famosas. ¿Es una razón de éxito la composición usando estas claves? ¿Consecuencias de la educación? ¿Comodidad? ¿Algún mandato biológico? La primera parte de las respuestas a continuación en: Cómo funciona la música: Patrones en las canciones populares

Patrones en las canciones populares
En este artículo original de http://blog.hooktheory.com, vamos a ver las estadísticas recogidas a partir de 1300 estribillos, versos, etc. de canciones populares para descubrir la respuesta a algunas preguntas básicas. En primer lugar vamos a ver la popularidad relativa de diferentes acordes basa en la frecuencia en que aparecen en las progresiones de acordes de la música popular. Entonces vamos a empezar a ver la relación que tiene con diferentes acordes entre sí. Por ejemplo, si un acorde se encuentra en una canción, ¿qué podemos decir acerca de la probabilidad de adivinar qué acorde será el siguiente luego de terminar de escuchar uno? 

La base de datos
Para hacer afirmaciones cuantitativas acerca de la música es necesario datos, muchos. Lugares para conseguirlos hay a rolete, pues algunos sitios de guitarra y piano tienen toneladas de información sobre las progresiones de acordes que utilizan las canciones, aunque la calidad de esa información no es muy alta. Igual de importante, la información no se encuentra en un formato adecuado para la recopilación de estadísticas. Por lo tanto, en los últimos 2 años, el autor de este estudio, ha estado construyendo poco a poco y con mucho esfuerzo una base de datos de las canciones tomadas principalmente de la cartelera del TOP 100, y analizándolas de a una a la vez. Por el momento, la base de datos de las canciones cuenta con más de 1.300 entradas indexadas. El género y de dónde se toman es importante. Este es un análisis de la música popular, donde géneros más complejos como el jazz o clásica, por lo que los resultados no están destinados a ser tratados como universales. Las entradas sobre cada canción estudiada contienen información en bruto sobre los acordes y la melodía, mientras que también arrojan información sobre la disposición de las notas y la instrumentación. Para consultarla puedes pinchar aquí.

El autor, habiéndonos advertido sobre la base de datos y su composición, nos indica que se pueden hacer muchas preguntas y responderlas a través del análisis de estas canciones, por lo que la introducción a una serie de artículos da comienzo con la primera de ellas:

¿Hay algunas escalas y acordes más utilizados que otros?
La respuesta del investigador ha llevado a un rotundo sí, y si no miren los resultados: Las canciones están escritas en diferentes escalas, por lo que una canción escrita en C# (Do Mayor sostenido) tendrá un montón de acordes de C# en él, mientras que una canción escrita en Sol (G) probablemente tendrá un montón de Sol. Ahora, cuando a analizar nos ponemos, que los acordes G sean más populares que los acordes de C # es probablemente un reflejo del hecho de que son más fáciles de tocar en la guitarra y el piano. Por eso  mismo vamos a cambiar la pregunta para algo más informativo y menos deducible, por ejemplo; ¿Cuáles  son las escalas más populares en las canciones de esta base de datos?

La respuesta es C mayor y A menor. Después existe una tendencia general a favor de escalas con menos sostenidos y bemoles, pero esto no es universal y, como siempre a lo largo de este texto, los resultados están basados en la base de datos.

¿Cuáles son los acordes más comunes?
Sin duda, al recorrer un análisis de este tipo es mucho más interesante ver las canciones escritas en una escala determinada, común y generalmente fácil de identificar. De esta manera las comparaciones directas entre una y otra son posibles e iluminan más. Para ello, el investigador ha hecho la transposición de todas las canciones de la base de datos a la clave de C o Do mayor. De esta manera la visualización de la progresión de los acordes se vuelve más intuitiva y sin lugar a dudas reveladora. Con esto hecho, se ha trazado la frecuencia relativa entre los diferentes acordes de manera descendiente. 

Para el investigador las respuestas fueron como se las esperaba, en principio, Do mayor es un acorde muy común que las canciones escritas en C (que es el acorde de I en la notación romana o en la notación Número de Nashville). Sin embargo, FA(F) mayor y sol mayor (G), el IV y V, respectivamente, se utilizan con la misma frecuencia. Lo que no resultó tan predecible es que F y G aparezcan en más progresiones de acordes que C.

4 acordes: La clave de las canciones pop
Para continuar con la escala de popularidad de los acordes, hay que hablar de La Menor (Am), pero la profundización en ella no nos va a entretener y dar tantas respuestas como hablar sobre la caída en uso que hay de los demás acordes restantes. Es decir, dm, em, E, D, B bemol y A, correlativamente ordenadores entre los más usados. Y qué es lo importante de esto? Bueno, que básicamente el mayor porcentaje de las canciones que escuchamos en la radio y que han tenido un éxito avasallante están compuestas usando 4 acordes principales: G, F, C y Am en menor grado pero notablemente diferenciado del próximo en la lista Dm. Es decir, nuestra cultura musical (más popular, más comercial, etc.) tiene un patrón reconocible de 4 acordes: Sol, Fa, Do y La menor. Interesante, ¿no? Pero veamos por qué esto puede darse así según las palabras del autor del artículo original.

Las preguntas que se hace son: “¿Hay una explicación razonable para la popularidad relativa de estos acordes? ¿Por qué son tan populares acordes de menor importancia, siendo los acordes mayores prácticamente inexistentes?” Él dice que los resultados se pueden explicar fácilmente con un poco de teoría musical básica, pero nos invita a leer los próximos artículos que lanzará al respecto. Atrevidamente me puse a pensar musicalmente, y mi teoría sobre este asunto es que este tipo de acordes son los más fáciles de combinar a la hora de utilizar instrumentos de diferentes familias, pero en donde se destacan principalmente el piano y la guitarra, instrumentos cuya pedagogía hace que esos acordes resulten los más característicos del aprendizaje y la práctica. Además de esto, la transposición a claves menores es generalmente más accesible y armónicamente más efectiva si se utilizan escalas mayores para escribirlas. Por ejemplo, de Do mayor a La menor. 

¿Son estos resultados definitivos?
No. Como todo estudio, hecho o no en circunstancias científicas, la selección de los sujetos de prueba, del método y la forma de escoger los resultados está supeditado a la subjetividad del autor del mismo, pero esto no le quita relevancia al asunto. Por ejemplo, la regla de los 4 acordes es algo bastante conocido en la música, y básicamente se explica por reglas de harmonía clásica que están implícitas en la música popular, incluso involuntariamente por los instrumentos  que son más comunes para componer (piano y guitarra). Por ejemplo, en guitarra, una de las escalas que más prevalecen es la de Mi (E), ya que es aquella con la que generalmente muchos métodos enseñan guitarra y la más utilizada en el rock más pesado. En el piano, Do es la más utilizada para el aprendizaje también y es la escala a la que se suelen transponer composiciones para otros instrumentos. En otra familia de instrumentos, podremos ver una preponderancia de Fa o Si en bronces, por ejemplo.

A mi parecer, en el resultado final de estas canciones populares lo que más impacta es la escala en la que el rango de voz del cantante se puede mover. 
El actual estudio toma en cuenta el número de veces en la que aparecen los acordes, pero no toma en cuenta la duración del mismo durante la canción. De todas maneras, el artículo nos parece realmente interesante en lo que propone, pues más allá de poder explicar de una u otra forma las causas, los patrones repetitivos en la música más popular es algo que todos, más o menos, conocemos de oído.

Fuentes:

Tu tema me suena

Plagio es el término legal para la copia de otra persona o de la obra creadora de una entidad y haciéndola pasar como material original. En general, esto se considera una violación de las normas éticas y podría ser castigado por la ley en algunas áreas. En el campo de la música, muchas acciones legales han resultado de las reclamaciones por plagio música. A finales del siglo 20, la llegada de la toma de muestras de música complica aún más la cuestión.

Al igual que otras obras de creación, la música está protegida por las leyes de derechos de autor en muchos países, así como por el Convenio de Berna internacional. La mayor parte de la música está protegido por la vida del creador más varias décadas. En la práctica, los derechos de autor de muchas canciones populares son propiedad de las compañías de grabación, no por los propios artistas. Estos derechos de autor puede ser muy lucrativo para los años después del éxito inicial de la canción. Por lo tanto, las compañías de música protegerán vigorosamente estos derechos de autor en los casos de plagio de la música, ya sea real o percibida.

Al igual que otras formas de arte, la música está hecha de muchos elementos individuales, y que a menudo se inspira en las obras anteriores de arte. Un simple progresión de notas de una canción puede parecer muy similar a lo que se escucha en otras canciones conocidas, pero esto no significa necesariamente que el trabajo ha sido plagiado. Los jueces que supervisan los casos de plagio de música deben sopesar estos factores a la hora de tomar sus decisiones. Algunos reclamantes son simples oportunistas que buscan una porción de las fortunas hechas por canciones exitosas. Esto sólo hace que sea más difícil para decidir los casos en que el plagio real ha tenido lugar.

El plagio es definido por el Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española como la acción de "copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias".
Desde el punto de vista legal, el plagio es una infracción del derecho de autor sobre una obra artística o intelectual de cualquier tipo, que se produce cuando se presenta una obra ajena como propia u original. Así pues, una persona comete plagio cuando copia o imita algo que no le pertenece haciéndose pasar por el autor de ello. 

En la industria musical las acusaciones por plagio son algo constante. Por plagio hay que entender todo aquello que supone copiar obras ajenas en lo sustancial, presentando gran similitud con la obra original. El plagio supone un atentado contra el derecho moral del autor ya que infringe el derecho al reconocimiento del derecho a la paternidad de la obra reconocido la Ley de Propiedad Intelectual.

Los expertos musicales consideran que hay plagio cuando hay más de ocho notas continuadas iguales. Son muchos los casos de plagio, denunciados o no, en la historia de la música. A los expertos muchas veces les cuesta identificar qué es plagio y qué simple inspiración. Algunos se limitan a la música y el arreglo, mientras que otros copian la letra de la canción original. 

Plagiar básicamente es copiar o crear algo muy parecido de otro autor. El plagio puede suceder de dos formas, copiar una idea musical (una parte de la melodía vocal o del instrumental) o hacer un sampling.
Lo del sampling es fácil. Es cuando un artista usa literalmente el exacto mismo sonido de otro autor. No hablo de algo parecido, digo copiar el mismo exacto sonido y ponerlo en otra canción.

La mayoría cree que si superas las cuatros notas o x cantidad de compases idénticos se considera plagio y la verdad es que no. 
(En la SGAE - Sociedad General de Autores y Editores Españoles - descubrí que estaba totalmente equivocado. Ahora resulta que el plagio no existe...(?), como lo oyes, ni tres compases, ni dos , ni 25. En caso de denuncia, la Inspección Técnico Musical de la SGAE tiene la obligación de contrastar la veracidad de la acusación, pero sin fijarse en el número compases plagiados, porque un tema puede medirse con tempos diferentes; por tanto fijar tal o cual número de compases no tiene sentido. Lo que hace los inspectores es encargar a una comisión de expertos y arreglistas un informe sobre los dos temas en litigio para que analicen no solo las notas repetidas sino las armonías y ritmos, los arreglos, todo. Si el peritaje se inclina por la confirmación del plagio te pedirán que renuncies a los derechos de autor en beneficio de la otra parte y tratarán de llegar a un acuerdo amistoso que, caso de no darse, será juzgado por los tribunales ordinarios de justicia.
Por regla general la Inspección de la SGAE logra conciliar a las partes: es muy raro que se produzcan juicios por plagio en España, con el consiguiente escándalo. No ocurre lo mismo en otros países donde algunos llenan las primeras páginas. Me vienen a la cabeza casos como los del Beatle George Harrison con su "My sweet Lord" , condenado por plagio, o el de la famosa "Lambada" unos años atrás.
Si te fijas, normalmente plagia el fuerte al débil. El que plagia es aquel que estando en una posición ventajosa se aprovecha de las ideas de otro compositor menos conocido y se apropia los temas del otro. Por eso es tan importante que registres tus composiciones antes de enseñarlas por ahí, no sea que te lleves la desagradable sorpresa de escucharlas en poder de otros.)

Para Sadaic (Sociedad Argentina de Autores y Compositores) "no hay una fórmula matemática para determinar un plagio". Entonces, ¿qué pasa si un músico hace un reclamo ante la entidad? "La Comisión de Asuntos Artísticos evalúa y opina, comparando las obras en cuestión. Pero en definitiva es la Justicia la que resuelve si hubo plagio o no". 

Conclusión
Si terminas creando una canción donde la melodía vocal es parecida en todos sus términos a otra desde comienzo a fin es obvio que no hay feliz coincidencia. Pero si te tocase crear algunas melodías similares sería bueno que se lo hagas escuchar a amigos para que te den un veredicto. Pídeles que sean directos con respecto a eso. Si notan algo parecido a otro, sería mejor hacer los cambios apropiados. 

Tu tema me suena


Qué es una escala?

Una escala es una serie de notas, tocadas una después de otra, que empieza y acaba en la misma nota una octava más alta.

Existen diferentes tipos de escalas: mayor, menor, pentatónica mayor, etc. El tipo de escala está definido por el número de notas y los intervalos entre ellas. Tomemos por ejemplo la escala DO mayor. Esta escala tiene ocho notas (DO RE MI FA SOL LA SI DO) y siete intervalos entre ellas. Los intervalos en este caso son 1 tono (entre DO y RE), 1 tono (entre RE y MI), medio tono (entre MI y FA) y así sucesivamente, lo que da T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2 (donde T representa un tono y 1/2 representa medio tono). La escala mayor para otra nota se construye partiendo de dicha nota y siguiendo el patrón de intervalos general de la escala mayor.

Por lo pronto sólo van a estar las escalas mayores, menores, melódicas y armónicas menores. Más adelante se incorporarán las pentatónicas mayores y menores, exóticas, etc.... 

Las escalas te darán la libertad de poder improvisar, mejorar tu digitación y hasta la de componer.

Mayor
La escala mayor es una escala heptatónica. Esto quiere decir que tiene 7 notas diferentes antes de llegar a la nota de origen de la octava superior. Esta escala se usa desde el renacimiento. Junto con la escala menor constituye las llamadas escalas clásicas, que fueron las unicas utilizadas en Europa hasta el siglo XIX

Intervalos: T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2


Mayor
La escala mayor es una escala heptatónica. Esto quiere decir que tiene 7 notas diferentes antes de llegar a la nota de origen de la octava superior. Esta escala se usa desde el renacimiento. Junto con la escala menor constituye las llamadas escalas clásicas, que fueron las unicas utilizadas en Europa hasta el siglo XIX

Intervalos: T - T - 1/2 - T - T - T - 1/2


Melódica Menor
Intervalos: T - 1/2 - T - T - T - T - 1/2


Armónica Menor
Intervalos: T - 1/2 - T - T - 1/2 - T1/2 - 1/2


Pentatónica Menor
La escala pentatónica menor tiene cinco notas diferentes. Su origen es difícil de precisar, pues se ha utilizado en muchas épocas y civilizaciones diferentes. Es la más usada en solos e improvisaciones de rock y blues.

Intervalos: T1/2 - T - T - T1/2 - T


Pentatónica Mayor
La escala pentatónica mayor tiene cinco notas como la pentatónica menor, pero el patrón de intervalos es diferente. Su origen también es muy antiguo.

Intervalos: T - T - T1/2 - T - T1/2