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AFINANDO LA GUITARRA

En el siguiente dibujo puedes ver las notas que deben sonar al pulsar al aire las cuerdas de una guitarra afinada. Debes saberlas de memoria. La línea superior representa la sexta cuerda, que es la cuerda más gruesa, y la línea inferior representa la primer cuerda, que es la cuerda más fina. 



Cada traste de la guitarra representa una variación de medio tono en la nota. Si tomamos por ejemplo la sexta cuerda (Mi) y pulsamos en el primer traste, estaremos subiendo medio tono la nota, y obtendremos un Fa. Si subimos de nuevo traste a traste tendremos un Fa#, Sol, Sol#, La...
Al pulsar en el quinto traste de la sexta cuerda tendremos un La. Y La es precisamente la nota que obtenemos al pulsar la quinta cuerda al aire. Utilizaremos eso para afinar la guitarra.

Al pulsar en el quinto traste de la sexta cuerda tendremos un La . Y La es precisamente la nota que obtenemos al pulsar la quinta cuerda al aire. Si la guitarra está afinada, al pulsar en el traste 5 de la sexta cuerda deberá sonar igual que la quinta cuerda al aire.

Bajamos una cuerda, y pulsamos ahora en el traste 5 de la quinta cuerda. Tendremos un Re, y Re es la nota que obtenemos al pulsar al aire la cuarta cuerda. Al pulsar la quinta cuerda en el traste 5, debe sonarnos igual que la cuarta cuerda al aire.
De la misma manera, al pulsar en el traste 5 de la cuarta cuerda tenemos un Sol, y debe sonarnos igual que la tercera cuerda al aire.

Cuando llegamos a la tercera cuerda la cosa cambia:
Al pulsar la tercera cuerda en el traste 4 obtendremos un Si. Es decir, la tercera cuerda pulsada en el traste 4 (y no en el 5 como para el resto de las cuerdas), debe sonarnos igual que la segunda cuerda al aire.
Finalmente, si pulsamos en el traste 5 de la segunda cuerda debe sonarnos igual que la primera cuerda al aire.

Resumen:
Pulsar sexta cuerda en traste 5 y quinta cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la quinta cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar quinta cuerda en traste 5 y cuarta cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la cuarta cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar cuarta cuerda en traste 5 y tercera cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la tercera cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar tercera cuerda en traste CUATRO y segunda cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la segunda cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar segunda cuerda en traste 5 y primera cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la primera cuerda, hasta que suene la misma nota.

Ayuda para afinar
Audioperceptiva: http://es.get-tuned.com/afinador-guitarra.php

ARMÓNICOS

La ejecución de armónicos hace que las notas suenen más expresivas. Existen tres tipos de armónicos; los armónicos naturales, los armónicos artificiales y los armónicos de pulgar. Los dos primeros tipos son bastante fáciles de realizar, pero no es así el caso del tercer tipo, el cual requiere unas cuantas horas de práctica para poder ejecutarlo correctamente. Pero vamos por pasos, y el primer paso es aprender el primer tipo de armónico.

Armónicos naturales
Para realizar este tipo de armónico simplemente hemos de tocar muy ligeramente, practicamente acariciando, con la yema del dedo índice la cuerda sobre el traste deseado y hacer vibrar la cuerda con la púa. Recuerda que debes tocar muy poco la cuerda. La yema del dedo debe acariciar la cuerda suavemente, si la nota no suena es que estas apretando demasiado.

Armónicos artificiales
Dominando el uso de los armónicos naturales, ya podemos realizar perfectamente armónicos artificiales. Primero hacemos sonar la nota deseada y rápidamente con un dedo de tu mano derecha, o la que lleva la púa, acaricias la cuerda doce trastes más arriba (una octava más aguda).

Armónicos de pulgar
Este es el armónico más difícil de realizar, pero también es el que nos da una sonoridad incríblemente espectacular. Como su nombre indica el armónico es producido gracias a la participación de nuestro dedo pulgar. Para realizarlo correctamente debes hacer que el dedo pulgar de tu mano derecha toque la cuerda justo después de hacer sonar la nota.

Al principio notaras que cada vez que tu pulgar toca la cuerda, la nota simplemente no suena. Paciencia, con un poco (bastante) de práctica verás como al fin haces sonar el armónico. La espectacularidad de este armónico se realza todavía más cuando al realizar el armónico hacemos uso de la barra de vibrato. Si quieres saber como suena esta mezcla de las dos técnicas, escucha canciones de Joe Satriani, Stevie Vai, Metallica, etc.

NUESTRO ALIADO EL METRÓNOMO

El uso del metrónomo suele provocar distintas reacciones. Hay quién lo ama y quién lo odia pero a nadie deja indiferente.

Cuando empezamos a estudiar un instrumento, hemos de saber solfeo rítmico o al menos tener la capacidad de subdividir en diferentes métricas y esto sólo es posible si tenemos perfectamente claro nuestro tempo.

Hay de muchos tipos y variedades, físicos, por software, en el móvil…pero básicamente su estructura es la misma en todos los casos. Nos marcan el tempo en diferentes medidas a partir de la negra, luego corcheas, semicorcheas, tresillos, a contratiempo.

El metrónomo (del griego μέτρον, metron: ‘medida’, y νόμος, nomos: ‘regla’), es un aparato utilizado para indicar tiempo o compás de las composiciones musicales. Produce regularmente una señal, visual o acústica, que permite a un músico mantener un tiempo constante.

La creación de este dispositivo nació de la necesidad de contar con un instrumento que pudiera definir con precisión la velocidad de ejecución de una pieza musical. Antes de su invención, era habitual que los compositores usaran como velocidad de referencia el pulso medio humano, que en estado de reposo equivale aproximadamente a 80 pulsaciones por minuto.

El metrónomo fue inventado en el año 1816 por el holandés Dietrich Nikolaus Winkel quien, a pesar de haber sido el inventor original, no lo registró. Otro compatriota suyo, Johann Maezel, copió muchas de las ideas y logró adjudicarse la patente del metrónomo portátil en el año 1816. Inicialmente, los metrónomos consistían en un péndulo con una polea, la que se podía regular para marcar un tiempo más lento o más rápido según la velocidad requerida.

El compositor alemán Ludwig Van Beethoven fue, en la época clasicista, el pionero en establecer en sus composiciones musicales las marcaciones de los tiempos usando un metrónomo. Curiosamente el mismo Beethoven, ya en el Romanticismo, dijo que para la nueva música, más libre y llena de elementos que alteraban el tempo, el metrónomo era una abominación.

Para definir el ritmo al cual debe ser ejecutada una pieza musical, se establece el tiempo de duración de una nota negra. Si quien escribe la composición desea que el movimiento o tiempo sea de una nota negra por segundo, escribirá en la parte superior de la partitura de la obra la indicación "negra = 60", indicando así el número de negras que deben sonar en un minuto. Esto servirá para ajustar el dispositivo a este valor.

La mayoría de los estudiantes de música, en la actualidad, usa un metrónomo para la práctica, con el fin de respetar un tiempo estándar. Antiguamente, para establecer los tiempos en una composición se usaban palabras en italiano que indican el tempo como "allegro", "vivace", andante" o "presto", pero esta práctica se ha abandonado en favor de valores más precisos para el ritmo de la ejecución.

Negras por minuto / Expresión italiana
40-43      Grave
44-47      Largo
48-51      Larghetto
52-54      Adagio
55-65      Andante
66-69      Andantino
70-95      Moderato
96-112    Allegretto
113-120  Allegro
121-140  Vivace
141-175  Presto
176-208  Prestissimo
  
Metrónomo online: http://www.metronomeonline.com



TAPPING

El tapping es una técnica espectacular, consiste en tocar varias notas velozmente con las dos manos en el diapasón. 
Esta técnica es muy simple de ejecutar. Para lograrlo hay que colocar el dedo indice de la mano izquierda en la segunda nota que va a sonar, luego con alguno de los dedos de la mano derecha presiona la primera nota y al soltar ese dedo sonara aquella que esta de manera fija en la mano izquierda, luego rápidamente debe tocarse con el meñique u otro la tercera nota que estará ubicada en el medio, esto debe hacerse rápida y repetidamente. 
Por otro lado es importante sujetar la púa de alguna manera cuando se realiza el tapping así se puede conbinar esta técnica con la del punteo convencional. De esta manera pueden formarse combinaciones de varias notas que serian imposibles con la púa.

Observa algunos ejemplos e intenta hacerlo primero despacio y que suene claro y despues incrementa la velocidad.

Ejemplo 1: Al estilo Van Halen

E||--12-5-8-12-5-8-12-5-8-12-5-8-12-5-8-12-5-8-12-5-8-12-5-8-|
B||----------------------------------------------------------|
G||----------------------------------------------------------|
D||----------------------------------------------------------|
A||----------------------------------------------------------|
E||----------------------------------------------------------|


--12-8-5-12-8-5-12-8-5-12-8-5-12-8-5-12-8-5-12-8-5-12-8-5-|
----------------------------------------------------------|
----------------------------------------------------------|
----------------------------------------------------------|
----------------------------------------------------------|
----------------------------------------------------------|


Ejemplo 2: Al estilo Satriani

E||--12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-12-0-5-8-|
B||--------------------------------------------------------------------------|
G||--------------------------------------------------------------------------|
D||--------------------------------------------------------------------------|
A||--------------------------------------------------------------------------|
E||--------------------------------------------------------------------------|



Ejemplo 3: Al estilo Vai


E||-----------17-5-7-8-----------17-7-8-10------------17-8-10-12-------------17-10-12-14
B||--17-5-7-8----------17-7-8-10-----------17-8-10-12------------17-10-12-13------------
G||-------------------------------------------------------------------------------------
D||-------------------------------------------------------------------------------------
A||-------------------------------------------------------------------------------------
E||-------------------------------------------------------------------------------------

EJERCICIOS DE DIGITACIÓN


A continuación vamos a ver una serie de ejercicios que te ayudarán a ir cogiendo soltura con la guitarra, tanto con la mano izquierda como con la derecha. Son ejercicios que debes ir practicando en paralelo con los cambios de acordes.

Hazlos al comenzar la sesión de práctica. Servirán como calentamiento y harán que tu mano esté más ágil para el resto de la sesión.

Practica siempre con metrónomo. Es muy importante que te acostumbres desde el principio a usarlo. Aunque los ejercicios indican un “120” como velocidad, esa velocidad es demasiado alta para alguien que empieza. Si es la primera vez que vas a hacer estos ejercicios, comienza configurando el metrónomo a una velocidad de 40.

Practícalos muy despacio. Tienen que sonar perfecto. Limpio, sin trasteos. Una vez que consigas hacer cada ejercicio 3 veces seguidas, sonando perfecto y sin equivocarte, es el momento de subir la velocidad. Pasa a 45. Y así sucesivamente… NO aumentes la velocidad hasta que no consigas hacerlo 3 veces PERFECTO. Cuando lo consigas será el momento de subir a una velocidad un poco mayor.

Aunque parezca una chorrada, los dedos adquieren “memoria”, y memorizan lo que repiten. Si lo que practicas está perfecto, tus dedos memorizarán movimientos correctos y poco a poco irás adquiriendo velocidad. Si por el contrario intentas correr desde el principio, confiando en que con el tiempo y la práctica los ejercicios saldrán mejor TE EQUIVOCAS. Tus dedos “memorizarán” movimientos incorrectos que más adelante te resutará difícil corregir. Recuerda: DESPACIO Y PERFECTO.
No fuerces la mano. En el momento en que sientas molestias PARA. Aunque tengas ganas de seguir tocando, cuando sientas una pequeña molestia déjalo para el día siguiente. Si continúas tocando te provocarás una lesión y tendrás que pasar sin tocar bastante más tiempo del que te gustaría.

Respecto a la representación de los ejercicios, puedes ver que tiene dos partes diferenciadas. La parte superior es un pentagrama clásico. Para interpretarlo debes saber solfeo.

La parte inferior es lo que se conoce como TAB. Es una representación específica para guitarra, en la que cada línea horizontal representa una cuerda.

La línea superior representa la primera cuerda, y la línea inferior representa la sexta cuerda. Los números indican en qué traste debes pulsar. Los TAB se leen de izquierda a derecha. Es decir la primera nota a tocar es la que está a la izquierda del todo, la siguiente la que está a su derechas, y así sucesivamente…  Para ver en detalle la interpretación de los TAB, puedes echar un vistazo al vídeo sobre TABs colgado en la página web y al apartado de dudas frecuentes de este manual.

Ejercicio 1
En este ejercicio empezamos tocando la sexta cuerda en el traste 1. Seguimos tocando la sexta cuerda en el traste 2, sexta cuerda en traste 3, y sexta cuerda en traste 4. Después se pasa de la sexta cuerda a la quinta cuerda, y repetimos… traste 1, 2, 3, 4…

Debes asignar un dedo a cada traste, de forma que el traste 1 lo toques siempre con el dedo 1 (índice), el traste 2 con el dedo 2 (corazón), el traste 3 con el dedo 3 (anular) y el traste 4 con el dedo 4 (meñique).

Es muy importante también que te fijes en los simbolitos “v” y “^” que hay en la parte superior. Indican en qué dirección debes mover la púa:  “v” indica mover la púa hacia abajo para tocar la cuerda, y “^” indica tocar en la dirección hacia arriba.

Este ejercicio utiliza lo que se llama “alternative picking” o lo que es lo mismo, dar con la púa una vez hacia abajo y otra vez hacia arriba alternativamente.

Es muy importante que te acostumbres desde el principio a hacerlo así.

 

Ejercicio 2
Es básicamente lo mismo que el ejercicio 1, pero simplemente se altera el orden de las dos notas centrales de cada cuerda, para mejorar la coordinación.



Ejercicio 3

En este ejercicio se usa lo que se conoce como “economy picking”. Ahora pulsamos tres notas por cuerda, en lugar de cuatro. Fíjate que el movimiento de la púa es distinto. Al pasar de una cuerda a la siguiente, el movimiento de puá es en la misma dirección. “Economizamos” movimientos, de ahí el nombre de la técnica. En la web tienes un vídeo en el que puedes comparar el alternative picking y el economy picking.

TRIADAS

Una triada es una combinación simultánea de tres notas. Se puede construir con cualquier nota más la 3ª y la 5ª por encima de ella. Esto significa que tiene dos intervalos, cada uno de una 3ª. Todas las tríadas son acordes de tres notas, pero no todos los acordes de tres notas son tríadas.

En la serie armónica de cualquier nota, la tónica es la fundamental, y la 8ª, la 5ª y la 3ª son los armónicos más prominentes. Estas notas componen la tríada, y el reforzamiento de los armónicos es lo que le da su fuerza sonora.
Tipos de triadas

En una tríada o cualquier otro acorde, la tónica es la básica. Todo intervalo tiene un efecto en el sonido del acorde, pero es la tónica la que determina la identidad del acorde.

Las tríadas mayores y menores abarcan un intervalo de una 5ª justa desde la nota tónica. El intervalo entre la tónica y la nota central del grupo (la 3ª) es el que determina si son mayores o menores. Una tríada mayor con un sostenido en la nota 5ª se llama aumentada y una tríada menor con un bemol en la 5ª se llama disminuida.

Triada Mayor
Abarca un intervalo de una 5ª justa desde la nota tónica. El intervalo entre la tónica y la 3ª es mayor. El intervalo entre la 3ª y la 5ª es menor.
Fórmula: 1,3,5



Triada Menor
Abarca un intervalo de una 5ª justa desde la nota tónica. El intervalo entre la tónica y la 3ª es menor. El intervalo entre la 3ª y la 5ª es mayor.
Fórmula: 1,3b,5


 
Triada Aumentada
Formada con las notas 1ª, 3ª y 5ª de la escala aumentada. Consta de dos terceras mayores, una encima de la otra. El conjunto es un intervalo de una quinta aumentada.

Fórmula: 1,3,5#


Triada Disminuida
Formada con las notas 1ª, 3ª y 5ª de la escala disminuida. Consta de dos terceras menores, una encima de la otra. El conjunto es un intervalo de una quinta disminuida.
Fórmula: 1,3b,5b



Inversiones de tríadas
Las cuatro tríadas que se indican arriba están en su posición básica, es decir, la nota tónica es la más baja del acorde. Si la nota más baja no fuera la tónica, se trataría de un acorde invertido.

Primera inversión
Si tomamos una tríada y elevamos la tónica a la 8ª, la 3ª pasará a ser la nota más baja. A esta forma de tríada se le llama primera inversión.
 
Segunda inversión
Si tomamos elevamos la tónica a la 8ª y la 3ª la elevamos una octava, quedará la 5ª como nota más baja. A esto se le llama segunda inversión.

Después de la segunda inversión si repetimos el proceso una vez más, se vuelve a la posición original, una octava más alta.

De este modo es posible obtener tres sonidos diferentes de cada tríada: la posición básica, la primera inversión y la segunda. Como las tres notas tienen el mismo centro de tono, y la misma tonalidad, el nombre es el mismo. Pero debido a la distinta influencia de la nota básica, cada inversión sugiere un movimiento diferente y puede tener muchas aplicaciones distintas.

PENTATÓNICA MAYOR

La escala pentatónica es una de las más antiguas y extendidas, y se cree que su origen es japonés o mongólico. Forma parte importante de toda la música oriental, africana y celta. Las dos escalas pentatónicas, mayor y menor, están relacionadas del mismo modo que las diatónicas mayor y menor: de la mayor a la menor hay tres semitonos hacia abajo, y de la menor a la mayor tres semitonos hacia arriba. Así pues, las escalas pentatónicas de Do y de La menor comparten las mismas notas e intervalos.
Las escalas pentatónicas se utilizan mucho más que ninguna otra escala sintética (o no diatónica) debido a su melodiosidad.
Muchos riffs y clichés empleados por los guitarristas de rock, de blues y de jazz están basado en una escala pentatónica.
La escala Pentatónica mayor es una escala de cinco notas, y se diferencia de la diatónica mayor en que se omiten dos notas, la 4ª y la 7ª.

Fórmula (con respecto a la diatónica mayor): 1,2,3,5,6


ESCALA MAYOR DE BLUES

Aunque la escala más utilizada en la armonía blues es la escala de blues, con fórmula 1,b3,4,b5,5,b7, (escala pentatónica menor más la 5ª bemol, nota blues), podemos hablar también de una variante de escala mayor (aunque tiene la 3ª mayor y la 3ª menor), con fórmula 1,2,3b,3,5,6, compuesta por las mismas notas que la pentatónica mayor más la 3ª bemol. A esta escala se la llama escala mayor de blues.

En este caso, la nota que choca con la armonía blues es la 3ª bemol, a la que también se le llama nota blue, “blue note”.


ESCALA DE BLUES

La escala de blues es la escala musical característica en canciones y progresiones de blues, rock and roll, fusión y jazz. Se deriva de la escala pentatónica menor añadiéndola la 5ªb (nota blues).

Fórmula (con respecto a la diatónica mayor): 1,b3,4,b5,5,b7




ESCALA MENOR

Existen tres escalas menores diferentes: la escala menor natural o relativa menor, la escala armónica menor y la escala melódica menor.

Cada una tiene su propio diseño de grados, pero todas comparten una característica que las diferencia de la escala mayor: el intervalo entre la 1ª y la 3ª notas de la escala es siempre de un tono y medio. Este intervalo se llama 3ª menor para diferenciarlo del de 3ª mayor (dos tonos) característico de la escala mayor.

Las escalas menores se diferencian unas de otras según que el 6º y 7º escalones estén alterados o no, originando las escalas armónica y melódica.
Será más fácil comprender el principio y formación de las escalas menores si se empieza por mirar cómo se relaciona la escala menor natural con la escala mayor, y luego se pasa a ver cómo se altera para producir las escalas armónica menor y melódica menor.



ESCALA MAYOR

Se compone de ocho notas y se necesitan siete intervalos para subir desde la primera hasta la última.
Su principal característica es el intervalo de dos tonos entre la 1ª y la 3ª, que se llama tercera mayor.
La escala mayor deriva del modo jónico. Se usó durante siglos antes de que la aceptaran los compositores serios. En la edad media la iglesia la desaprobó rotundamente, condenándola como “Modus Lascivus”, y se empleaba principalmente en canciones y bailes populares. No obstante, a partir del siglo XVI, cuando se establecieron las leyes de la armonía, la escala mayor ha representado el material básico para la construcción de la música occidental.

El patrón de intervalos:1T   1T   1/2T   1T   1T   1T   1/2T

ESCALA CROMÁTICA

Se llama escala musical a un conjunto de sonidos ordenados notas de un entorno sonoro particular (sea tonal o no); de manera simple y esquemática (según la notación musical convencional pentagramada). Estos sonidos están dispuestos de forma ascendente (de grave a agudo) aunque, de forma complementaria, también de forma descendente, uno a uno en posiciones específicas dentro de la escala, llamadas grados. 
El modelo de escala diatónica es el más conocido y el más «natural» audioperceptivamente, al menos desde la sensibilidad occidental. Compuestos de 8 sonidos —en conjunto llamados «octava»—, siguiendo la secuencia do—re—mi~fa—sol—la—si~do. 


La escala cromática no es tonal del modo en que una escala diatónica lo es; o sea, no hay ninguna nota en especial en torno a las que las demás notas giren. Como todas las notas están a la misma distancia unas de otras, cualquiera podría servir como tónica. Con esta falta de tonalidad, la escala cromática no se utiliza como fuente de melodías o armonías en la música popular como se hace con una escala diatónica. (La escala cromática tiene este papel deliberado atonal). Las notas cromáticas individuales se muestran en un contexto diatónico como parte de los acordes alterados, progresiones cromáticas y como notas de paso entre las notas de una escala diatónica. Por tanto, la escala cromática como una estructura completa existe más en la teoría que en la práctica y es especialmente útil para mostrar la notación apropiada de las notas cromáticas.


SLIDE

Esta técnica consiste en deslizar un dedo de una nota a otra. Simplemente has de golpear la púa haciendo sonar la primera nota y seguidamente deslizar el dedo hasta llegar a la posición de la segunda nota. Como norma, tener en cuenta que las dos o más notas que componen un slide deben estar en la misma cuerda.

Se puede conseguir un sonido muy agradable y característico de la música Blues, utilizando un tubo de slide. El tubo, que suele ser de cristal o metálico, se coloca en un dedo de la mano izquierda y se desliza a través del mastil, colocándolo sobre las notas deseadas. Esta es una técnica, principalmente, usada en Blues, aunque algunas veces podemos verlo en guitarristas modernos de otros estilos. 

En la tablatura se representa generalmente con una s minuscula, en ocasiones los slides se representan con / o \ segun sean ascendente (el primero) o descendente (el segundo).

 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------7s5---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide 

 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------5/7---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide ascendente
 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------7\5---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide descendente

PENTATONICA MENOR, ESCALA DE BLUES Y RELATIVAS

¿Qué es la escala pentatónica?La escala pentatónica es una escala compuesta por 5 notas. Esta es el patrón más conocido de escala pentatónica menor.

La T en rojo, significa tónica. Ahí deberás pararte para tocar dicha escala. Por ejemplo, quieres tocar la escala de La menor, te paras en el quinto traste de la 6 cuerda.

TRUCO
¿Cómo pasar de un modo mayor a uno menor rápidamente o viceversa?Digamos que eres un poco vago, y no quieres aprenderte muchas escalas y patrones. Pues sin dudarlo apréndete la figura adjunta. Sabiendo nada más que la pentatónica menor, sabes la pentatónica mayor. ¿Cómo es esto?

Digamos que quieres tocar:
a) la pentatónica de Do menor, simplemente vas al 8 octavo traste de la sexta cuerda y usas la figura.
b)  Ahora quieres hacer la pentatónica de Do mayor, simplemente retrocedes 3 trastes, es decir, vas al quinto traste de la sexta cuerda y tocas la misma figura. 

¿Qué ha sucedido?
Usando la relativa menor puedes usar el mismo patrón ya que, ambas escalas comparten las notas: La pentatónica Lam tiene las mismas notas que Do  mayor: Do, Re, Mi, Sol y La. Por eso se llama su relativa menor.

¿Cómo obtener la relativa? 
Si estas en una escala mayor cuentas 6 notas (do, re, mi, fa, sol, la), si estas en una escala menor cuentas 3 (la, si, do). Otro ejemplo,  la pentatónica menor de Si, es relativa a la pentatónica mayor de Re.


¿Escala de blues?

Quieres agregar un poco más color, y sentimiento. La escala de blues es la misma escala pentatónica a la que se le agrega una nota más conocida como la Blue Note (nota triste).  En resumen es una escala de 6 notas, a la que se agrega una quinta bemol. Ej. En la escala pentatónica de La menor agregamos

La nota en azul corresponde a la Blue note, que es la nota agregada en la escala de blues.

Exprimiendo las relativas y las pentatónicasUno de los mejores trucos que existen con las pentatónicas y los menos sabidos, es que puedes armar la escala mayor de una tonalidad simplemente utilizando escalas pentatónicas. Es decir, estando en un tono mayor, puedes tocar 3 escalas pentatónicas menores y sonar genial!

El truco es que se da que hay un conjunto de 3 escalas de 5 notas que comparten las mismas notas que una escala mayor. Es decir, juntas estas 3 pentatónicas y armas la escala mayor

En otras palabras, si tocas en una tonalidad mayor (I), puedes tocar las pentatónicas menores del II, III, y VI grado respectivamente.

Por ejemplo puedes tocar la escala de Do mayor, utilizando las pentatónicas menores de obviamente La (A), Re, Mi.
(I) Escala de Do mayor: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si
(ii) Pentatónica de Re menor: Re, Fa, Sol,  La, Do
(iii) Pentatónica de Mi menor: Mi, Sol, La, Si,  Re
(vi) Pentatónica de La menor: La, Do, Re, Mi, Sol
Esto da la comodidad de saber que un mismo patrón lo podemos utilizar en distintos lugares dentro de una tonalidad mayor.

¿Y si es una tonalidad menor?
Sencillo, simplemente inviertes todo y usas sus relativas.  En el caso de Am (I), serian Re (iv),y  Mi, (v). En otras palabras para una escala menor seria las pentatónicas menores IV y V grado y su relativa mayor.

TIPOS DE CUERDAS


Al entrar a una tienda buscando cuerdas de guitarra encontrás de todo tipos y costos. 
 
¿Cómo saber que cuerdas de guitarra necesito o se ajustan a mis necesidades?


Calibre: El calibre de las cuerdas de guitarra se refiere específicamente a su grosor, por lo general las medidas se toman con referencia a la primera cuerda, esta puede venir desde 0.8 hasta 0.13.
Calibres delgados 0.8 y 0.9: Estos calibres  son ultra delgados, su sonido se caracteriza por ser brillante, hacen que la guitarra sea fácil de tocar, pero en el caso de las 0.8 las primeras cuerdas son un poco frágiles y podemos romperlas fácilmente.
Calibres intermedios 0.10 y 0.11: tienen un sonido un poco mas grave, no es ni muy gordo ni muy brillante, se encuentra justo en el medio, son mas resistentes y hacer bend con ellas es sencillo puesto que piden menos desplazamiento que las ultra delgadas.
Calibre gruesos 0.12 y 0.13: Estos calibres hacen que la guitarra sea un poco mas difícil de tocar, su sonido es grave, “redondo” por eso son las favoritas de los guitarristas de Jazz y Blues, son muy resistentes y durables, es difícil hacer bends con ellas aunque no imposible, estas cuerdas funcionan muy bien cuando se trabajan afinaciones alternativas en las cuales debemos bajar la afinación general de la guitarra.


Materiales
Acero Niquelado
Las cuerdas de guitarra fabricadas en acero niquelado son las mas comunes, su material hacen que sean fáciles de capturar por los micrófonos de nuestra guitarra, tiene un sonido balanceado y el níquel ayuda a la conservación de las cuerdas puesto que las protege de la humedad y corrosión. Otra característica importante es que nos ayudan a conservar un poco mejor los trastes de nuestra guitarra.

Níquel
Estas cuerdas tienen un sonido dulce, son muy usadas por los guitarristas de Blues y Jazz,  por lo general vienen “planas”, esto quiere decir que al tocarlas no se sienten ásperas como si sucede con los encordados normales de guitarra. Son muy resistentes a la corrosión y por lo general son un poco mas costosas.

Acero Inoxidable
Las cuerdas de guitarra hechas en este material son muy brillantes, por su material son muy resistentes a la corrosión, optimas si vives en sitios muy húmedos o cerca al mar. Al tocarlas se sienten un poco mas “secas” con respecto a las de níquel, esto se nota al hacer slides en el instrumento. El material desgasta los trastes de la guitarra mucho mas rápido que las cuerdas en níquel, su costo no se diferencia con respecto a las niqueladas. 

Cuerdas recubiertas y no recubiertas
La cuerdas recubiertas suelen ser un poco mas costosas que las cuerdas normales, esto es por que el revestimiento que se les hace las protege mejor llegando a triplicar el tiempo de duración de un encordado normal.

Cuerdas redondas vs planas
Las cuerdas normales de guitarra eléctrica son redondas, vemos que las cuerdas 4, 5 y 6 de nuestra guitarra vienen con un revestimiento redondo, su sonido es brillante.
Las cuerdas planas como su nombre lo dice son cuerdas en donde la 4, 5 y 6 no se sienten ni se ven ásperas, su terminado es plano y su sonido es dulce, común en el jazz.

EL CIFRADO AMERICANO

Por diversas razones, vas a encontrar en muchos lugares los acordes expresados con letras en lugar de los nombres clásicos de los acordes. 
Hay infinitas formas de expresarse, que son producto de la combinación de distintos sistemas de notación. Las tablas que siguen te van a orientar un poco en esto de entender un sistema que tal vez es completamente nuevo para vos. Las dos primeras presentan los elementos que forman los acordes, y la tercera te da algunos ejemplos, y otras formas válidas de representar el mismo acorde.

C     D     E     F     G     A     B
Do     Re     Mi     Fa     Sol     La     Si


Principales elementos que modifican al acorde
m     Menor
#     Sostenido
b     Bemol

Algunos acordes de ejemplo, y otras formas de representarlos
 
C     Do mayor     Do     DO     DoM
Fm     Fa menor     Fa-     fa     Fam
A#7     La sostenido con séptima     La#7     LA#7     LaM7
Ebm     Mi bemol menor     Mib-     mib-     Mibm
G#mmaj7     Sol sostenido menor con séptima mayor     Sol#-7+     sol#7+     Sol#mmaj7
G/B     Sol mayor con bajo en Si     Sol/Si     SOL/SI     Sol/Si
Dm/F#     Re menor con bajo en Fa sostenido     Re-/Fa#     re/FA#     Rem/Fa#
Bdim     Si disminuido     Siº     SIº     Sidim
Asus4     La con cuarta suspendida     La4     LA4     Lasus4