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Mark King

Mark King es un músico británico de la Isla de Wight. Más famoso por ser el cantante principal y el bajo de Level 42. A principios de los ochenta, revolucionó el estilo slap and pop tocando el bajo, convirtiéndose en uno de los bajistas más infuyentes de su generación.
(La Isla de Wight, un islote apenas alejado de la costa meridional de la isla principal del Reino Unido. En una entrevista que se le hizo en un periódico local en 2006, dijo que "era como si hubiera pasado una guerra, con un solo grifo, un inodoro fuera de casa y una bañera de zinc junto al fuego" )

En un principio, Mark buscaba una carrera profesional como baterista y se transladó a Londres a los 19 años. En 1979, formó el grupo Level 42 con Mike Lindup, con sus paisanos isleños, los hermanos Phil y Boon Gould. Pese a ser un consumado baterista, y con la necesidad de un bajo, Mark King tomó este puesto, en principio, sólo por necesidad. Perdió su batería en un viaje a Austria, teniéndola que vender para pagar el pasaje de vuelta a Londres. Además que el grupo ya contaba con un baterísta, tocar el bajo era el puesto más lógico para Mark.

Aparte de Level 42, Mark prestó sus propios servicios como bajista en otros grupos. Fue invitado por Nik Kershaw para tocar en su segundo álbum "The Riddle" (1984) y por Midge Ure para tocar en sus álbumes "The Gift" (1985) y "Answers To Nothing" (1988).

Level 42 colaboró con el grupo The Police en 1981, seguido de giras con Steve Winwood en 1986 y Madonna en 1987. En 1986, King y Lindup participaron en un concierto benéfico junto con artistas de la talla de Eric Clapton, Phil Collins, Mark Knopfler y Elton John.

Su estilo musical 

A Mark King se le conoce mucho por su estilo slap and pop. Esta forma de tocar el bajo fue inventada primero por los que tocaban el contrabajo allá en los años 1920, usando la palma de la mano para golpear y punteando las cuerdas con sus dedos. Este estilo fue reintroducido en el bajo elèctrico por artistas como Larry Graham, Stanley Clarke o Louis Johnson, en la escena del funk y del jazz. Mark King adquirió una gran destreza musical utilizando esta técnica. Además, introdujo y desarrolló nuevos elementos técnicos que le permitieron producir una mezcla de efectos percusivos en su repertorio con el bajo.

Además, toca con una extaordinaria rapidez y fluidez, encadenando una serie de semifusas en su espectacular forma de tocar. En sus conciertos en directo, mostraba su destreza y estilo de mano rápida en cada tema.

Aunque Mark ha tocado varios modelos de bajo en su carrera artística, las marcas que más ha utilizado son Jay Dee (en "Love Games"), Status Graphite (en sus trabajos en solitario), o Alembic. La gran mayoría de los bajos que obstenta están fabricados a medida y de manera artesanal.



Algunos consejos para ser un mejor Bajista



Toca para la canción
Tocar el bajo requiere tocar con moderación y sutileza en lugar de mostrar técnica. En muchas situaciones, lo mejor es trabajar sobre todo con las notas fundamentales de los acordes y bloquear con bombo y tambores de la batería.

Caminar
El "Walking bass" se originó en el jazz y el blues, pero desde entonces ha sido adoptado en otros estilos. El término se refiere a un modo de juego en el que la línea de bajo se mantiene en constante movimiento en contraposición a alojarse en o reiterando una nota. La línea "camina" de un acorde de nota fundamental hacia arriba o hacia abajo al siguiente, sobre todo en un ritmo de negra.
Las notas de transición pueden ser cualquier combinación de tonos de acorde (arpegios), tonos de la escala que se relacionan con los acordes o notas de paso cromáticas.

Bloqueos rítmicos
En una sección de ritmo el bajo forma parte de enlace entre los tambores y el resto de la banda. En la mayoría de los casos hacer que el bajo y la batería suena como una sola entidad, y una gran manera de hacer esto es a las embarcaciones de líneas de bajo que se ajustan como un guante con la patada de la batería y tambores.

Octavas y 5tas
Después de la raíz octava, la quinta es la nota más agradable armónicamente. Muchas líneas de bajo clásicos se han construido utilizando la mayoría de las raíces, octavas y quintas. Lo bueno de este enfoque es que permite crear una línea de bajo que es interesante y melódica, cerraduras a la perfección con la batería y no entra en conflicto armónicamente con los acordes subyacentes. 

El pulso
Pulsar las cuerdas con fuerza y cerca de la base del diapasón como una palmada en contra de ella; pulsar las cuerdas cerca del puente con sólo las puntas de los dedos, que le permite obtener garra (Jaco Pastorius / Rocco Prestia).

Tocada con Púa
No todos los bajistas usan sus dedos para tocar el instrumento. 
La gran superficie de los grandes picos del triángulo se adapta bien a la amplia separación de cuerdas graves y le ayudará a mantener un control sobre la selección. Tortex (o Delrin, dependiendo del fabricante) también es más resistente que el celuloide y menos propensos a romperse, y el grueso calibre, indeformable le permitirá obtener más volumen y el poder de esas gruesas cadenas, con menos esfuerzo.

La técnica de un solo dedo
Algunos productores de discos prefieren tener bajistas que usan púa debido a que el ataque es más uniforme. Pero si eres de digitación y quieres lograr un ataque más consistente, trate de usar un solo dedo, como el índice (en lugar de alternar entre el índice y el dedo medio) tanto como sea posible. 

Obtener tiempos sólidos
Alguien tiene que mantener el ritmo constante, y si la batería no puede, el bajista tiene que hacerlo. No se limite a contar en 4/4-También debe sentirse en 8/8, sobre todo cuando se toca baladas, donde la tendencia a precipitarse el ritmo es mayor. Para ayudar a la tierra en el ritmo con mayor precisión, escuchar hi-hat o ride de la batería, no sólo el bombo.

Sustitución de acordes
De vez en cuando jugar la tercera o quinta del acorde subyacente en lugar de su nota fundamental puede cambiar radicalmente toda la sensación de una progresión de acordes, y cuando se hace con buen gusto se puede agregar calor o tensión. Este dispositivo ha sido utilizado durante siglos por los grandes compositores clásicos como Bach y Beethoven y crea lo que se conoce como inversiones de acordes. compositores Pop como Elton John y Paul McCartney utilizan inversiones, a través de sustituciones línea de bajo, para construir sus progresiones de acordes a su punto culminante armónica.

Ruido y suciedad
En algunas situaciones, es perfectamente válido hacer ruido de un traste, ir un poco detrás del ritmo o deslizamientos de una nota que suena un poco más de lo que debería, siempre y cuando no sea perjudicial para la música y contribuye al ambiente deseado.

BAJO/GUITARRA - Inversión de acordes

Se denominan inversiones a las distintas voces que se obtienen variando las posiciones de las notas en intervalos o acordes. Una inversión de un intervalo se realiza dejando una nota constante y subiendo o bajando una octava la otra nota. Las inversiones sobre la posición fundamental de un acorde se obtienen al ir variando sus notas de forma que se mantenga el orden entre ellas pero sin que la nota del bajo sea la fundamental del acorde. Tanto en uno como en otro caso el sonido será el mismo pero no la voz.

Vamos a centrarnos en las posiciones fundamentales de las tríadas. Las posiciones en azul se pueden usar tanto en el bajo como en la guitarra, las mostradas en amarillo sólo son para guitarras (en ambos casos para afinaciones estándar).

 
Se está mostrando una tríada mayor. Una tríada menor se forma con la tercera menor, una disminuida con la tercera menor y la quinta disminuida, y una aumentada con la quinta aumentada. En todos los casos se usan tres cuerdas consecutivas.
 
La primera inversión de una tríada mayor se forma cuando la nota más baja es la tercera. La quinta mantiene la misma altura que en la tríada normal pero la raíz o fundamental suena una octava más alta. Por tanto, están presentes las mismas notas pero se consigue una voz diferente. Las inversiones del resto de tríadas (menores, aumentadas y disminuidas) se construyen de la misma forma. En el diagrama, las posiciones en azul se pueden usar tanto en el bajo como en la guitarra, las mostradas en amarillo sólo son para guitarras (en ambos casos para afinaciones estándar).
 

La segunda inversión de una tríada mayor se forma haciendo que la nota más baja sea la quinta, a continuación la fundamental y, por último, la tercera, que será la más aguda de las tres. También se puede entender que se forma a partir de la primera inversión pero haciendo que la tercera sea ahora la nota más aguda y manteniendo el orden. Las inversiones de las tríadas menores, aumentadas y disminuidas se construyen igualmente. En el diagrama, las posiciones en azul se pueden usar tanto en el bajo como en la guitarra, las mostradas en amarillo sólo son para guitarras (en ambos casos para afinaciones estándar). 

 
 
 

BAJO - Intervalos y Acordes

INTERVALOS
En el ámbito musical, se define intervalo como la diferencia en altura entre dos sonidos ya sean sucesivos (intervalos melódicos) o simultáneos (intervalos armónicos). 
En la música occidental el intervalo o distancia más pequeña posible entre dos sonidos es el semitono. El tono se forma uniendo dos semitonos pero también es considerado como un intervalo simple.

En instrumentos con trastes como la guitarra o el bajo, la diferencia entre dos trastes consecutivos en la misma cuerda es de un semitono. El siguiente diagrama muestra la posición relativa de los intervalos en un bajo con afinación estándar.


Por ejemplo, tomando la nota do como raíz tenemos que con el siguiente traste (re bemol) forma un intervalo de segunda menor, con el siguiente (re) uno de segunda mayor y con el siguiente (mi bemol) uno de tercera menor que también lo podemos encontrar en la siguiente cuerda.

En el mismo traste encontramos uno de cuarta justa en la siguiente cuerda y uno de séptima menor, bemol o dominante en la siguiente (normalmente no se usa el término menor para no añadir confusión cuando se tratan los acordes). Nótese que en el mismo traste de la cuerda anterior tenemos un intervalo de quinta justa invertido ya que la quinta tiene un sonido más grave que el de la raíz.

ACORDES
Los acordes son conjuntos de tres o más notas diferentes combinadas armónicamente que pueden sonar simultáneamente o en arpegio. Lo más habitual en instrumentos como el bajo es que se use esta segunda forma, empezando por la nota más grave que además suele coincidir con la raíz o tónica del acorde. Si la primera de las notas pulsadas no es la raíz del acorde, se produce una voz o textura diferente que se conoce como inversión del acorde. Dependiendo de la nota por la que se comience, obtendremos la primera inversión, la segunda, etc.

Los acordes de tres notas, que son los que se tratan en esta primera entrada de la serie, se conocen como tríadas. Se construyen apilando intervalos de terceras mayores y menores. Una tríada mayor se forma con un intervalo de tercera mayor seguido de uno de tercera menor. Si permutamos el orden de los intervalos obtenemos una tríada menor (una tercera menor seguida de una mayor). Las tríadas aumentadas y disminuidas están formadas por dos intervalos de tercera mayor y por dos intervalos de tercera menor, respectivamente.



Los diagramas muestran algunos patrones de estas tríadas en un bajo con afinación estándar. Por ejemplo, el acorde de sol mayor está formado por las notas sol (1), si (3) y re (5). Si tomamos la nota re (5) como la más grave (re-sol-si) tenemos su segunda inversión. 


Los acordes de séptima se utilizan en muchos estilos musicales y para algunos de ellos, como el blues y sus géneros derivados, son sus acordes fundamentales. Junto con la llamada blue note, el empleo de estos acordes es lo que produce ese característico sonido blues. Los acordes de séptima se forman añadiendo un intervalo de séptima, mayor o dominante, a las tríadas básicas.

El acorde de séptima dominante se forma añadiendo una tercera menor a una tríada mayor. El de séptima mayor es una tríada mayor al que se une una tercera mayor. El acorde de séptima menor es una tríada menor con un intervalo de séptima dominante desde la tónica. El diagrama muestra también otros acordes de séptima que parten de tríadas aumentadas y disminuidas.
 

Los acordes suspendidos se forman sustituyendo la tercera con la cuarta o con la segunda. Por eso también se los denomina a veces como de sustituta. Si tomamos como ejemplo el acorde de do mayor, el de cuarta se forma sustituyendo mi por fa y el de segunda mi por re. Al no tener tercera, no son acordes ni mayores ni menores y tienen un sonido muy característico.

Se pueden construir a partir de las tríadas básicas o de acordes de séptima. En los diagramas se muestran los primeros.


Los acordes de sexta y novena se construyen añadiendo una nota más a uno de los acordes básicos. En general estos acordes se usan como un acorde mayor aunque esas notas añadidas aportan un carácter especial. Para algunas personas los acordes de sexta aportan un sonido blues, quizá porque sus notas son la base del acompañamiento del boogie-woogie. Se forman añadiendo un intervalo de sexta después de la quinta.

Los acordes de novena se forman añadiendo un intervalo de novena a un acorde de séptima y son muy utilizados tanto en blues como en jazz. En ocasiones se forman a partir de tríadas básicas, no incluyendo el intervalo de séptima y se denotan como “add9” (o también mediante un “2” ya que una novena es una segunda una octava más alta).


Para finalizar con la formación de los acordes y la disposición de las notas en el diapasón del bajo vamos ver los que suelen denominarse de oncena y trecena. Se forman añadiendo nuevas notas a un acorde de novena, concretamente la decimoprimera y decimotercera desde la tónica del acorde, respectivamente.

Obviamente en ambos acordes intervienen un gran número de notas (6 y 7 respectivamente) por lo que en ocasiones no suenan todas. Lo normal es eliminar la quinta y dejar la tónica, la tercera y la séptima pero puede ser cualquiera. También se puede alterar alguna de las notas que quedan. Por ejemplo, es habitual encontrar acordes con anotaciones del tipo C7#9 o C7b13.

 
 

Bajistas - John Taylor

Nigel John Taylor (20 de junio de 1960), bajista de Duran Duran, es uno de los bajistas más destacados del Reino Unido. 




Comenzó su carrera en Birmingham, Inglaterra a principios de los 80 y a pesar de que su fama mundial durante los 80 y mediados de los 90 viene de Duran Duran, también fue parte de reconocidas agrupaciones como "The Power Station" (con Robert Palmer, Tony Thompson y Andy Taylor) "The Neurotic Outsiders" (con Steve Jones de los Sex Pistols y Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses) y su más reciente "Terroristen".

El bajo más comúnmente asociado con John Taylor es el japonés Aria Pro II SB1000, que utilizó durante el apogeo de la fama de Duran Duran representando a la marca en diversos anuncios de revistas. 
A mediados de la década de 1980, John utilizó otros bajos como Steinberger y Wal
Finalmente se estableció en el bajo factor de Phillip Kubicki aunque también heredó el Music Man StingRay perteneciente a su ídolo Bernard Edwards.

A partir de 2007, Taylor sigue utilizando el Aria, Stingray, Factor, Peavey Cirrus 5 y 4, pero también se ha visto tocando un 1962 reedición Fender Precision Bass, un bajo Gibson Les Paul y un Warwick Thumb 5.

En 2006 la empresa Peavey lo consultó para crear una linea equipos. Con su socio de diseño Patty Palazzo y el diseñador Ted McCann, Taylor crearon la edición limitada "Peavey Liberator JT-84", que contó con un amplificador desmontable construido en una caja a medida. 
El amplificador podría ampliarse en un altavoz externo o un amplificador para aumentar el volumen y la flexibilidad. Luego Taylor diseñó una guitarra de seis cuerdas, la "Peavey Liberator A435" (el nombre de la carretera principal que llevó de su casa de la infancia en la ciudad de Birmingham). Sólo 100 de cada uno de los bajos y guitarras numerados y firmados se pusieron a disposición del público.

Creador de líneas de bajo precisas, rítmicas e inteligentes de un gran protagonismo musical. 


Pedal de efectos

Un pedal de efectos (stomp box en inglés) es un dispositivo electrónico utilizado para alterar el sonido de una fuente. Al ser un artefacto electrónico, la fuente debe ser igualmente electrónica, por lo que sólo pueden ser útiles en una cadena de captura de sonido que se alimente de corriente eléctrica. Se utiliza mayoritariamente en el ámbito musical, tanto en grabaciones como en vivo.

Los más comunes son: Distorsión, Estática, Octavador, Compresor, Saturación, Trémolo, Chorus effect, Reverberación, Delay, Ecualizador, Wah-wah, Flanger, Boost, Sustain o Phaser.

El pedal se conecta a la cadena de señales usando dos conectores o "Plugs" de 1/4" también llamados "conector de audifonos". Algunas cajas de efectos tienen salidas estereofónicas por medio de dos salidas monoaurales y solo algunas tienen conectores estéreo para entrada y salida en uno (aunque esto es poco común). Varios pedales pueden conectarse juntos en cadena. Cuando un pedal está apagado o inactivo, la señal pasa de manera pasiva por el pedal, por lo que no se ve alterada, hacia los otros pedales conectados a la cadena de modo que cualquier combinación de efectos en la cadena pueda ser creada sin tener que conectar y desconectar cajas de efectos al estar en una presentación o ensayo. 

La señal puede ser direccionada a través de las cajas de efectos con cualquier combinación, pero lo más común es poner la señal de distorsión o el pedal de Wah wah al principio de la cadena; los pedales que alteran el tono o color del sonido en medio; y las cajas que afectan la resonancia, como delay, eco o reverberación al final (ya que si tras un eco se pone una distorsión, aparecerá irremediablemente la distorsión por intermodulación. 

También pueden ser usados junto con otras unidades de efectos.



Son llamados pedales porque están situados en el suelo y tienen grandes botones en la parte superior que son activados presionando con el pie, dejando de este modo libres las manos para poder seguir tocando. Algunos pedales, como los wah-wah o los de volumen, también son manipulados mientras están en operación moviendo una plataforma para el pie que a su vez activa un potenciómetro, incluso, en pedales más modernos este mecanismo se ha remplazado por un sistema óptico que evita el desgaste de las piezas y el posterior ruido.

Tengamos eso claro desde un primer momento, el alma la ponemos nosotros y la electrónica va por otro lado. Se puede sorprender al oyente con alma y sin electrónica pero no al revés. 

Supresor de ruido (Noise supressor/ Noise Gate Pedal)
Por ruido entendemos todo sonido inarticulado que nos parece desagradable. El ruido simplemente es, por lo general, "todo aquello que va con los sonidos"; se considera ruido a todas las perturbaciones eléctricas que interfieren sobre las señales transmitidas o procesadas. 
Un pedal supresor de ruido lo único que hace es eliminar esas interferencias en el tono, que pueden ser causadas por muchas razones (por estar tocando con pastillas simples y tener hum o zumbido de sesenta ciclos, por estar tocando con altas dosis de saturación o distorsión; o por haber aparatos electrónicos cerca, otros amplificadores, etc. El pedal supresor no debe en ningún momento interferir en la señal original ni en su envolvente y debe interferir en el ataque natural del instrumento. 

Compresión/limitación o pedal compresor (compressor/limiter)
Un compresor es un procesador electrónico de sonido destinado a reducir el margen dinámico de la señal. Todo pedal compresor puede ser utilizado como limitador. Sin embargo, en formato rack y en mezcla y mastering podemos encontrar estos efectos separados. En el mundo de la guitarra es muy poco usual encontrarnos un pedal que exclusivamente limite. Siempre hablaremos de compresores. Un compresor actúa de forma que atenúa la señal eléctrica en una determinada cantidad (medida normalmente en decibelios) y a partir de un determinado nivel de entrada. El objetivo es conseguir que la excursión dinámica resultante sea inferior a la original, proteger ciertos equipos frente a los posibles picos de señal o si se trata de un sonido saturado intentar disimular el error. Un compresor reduce el rango dinámico. Por el contrario, un limitador lo que hace es cortar totalmente a partir de un umbral específico. 

Ecualización. Pedal ecualizador (EQ)
Un ecualizador es un dispositivo que procesa señales de audio. Modifica el contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello, cambia las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos. De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.
Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. 
Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios. Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal. En el mundo de la guitarra el más común y el que nos vamos a encontrar en los pedales es el ecualizador gráfico. Nos permite dividir esta señal en diferentes bandas de frecuencia, pudiendo alterar la ganancia de cada banda de forma independiente. Su nombre viene dado por la disposición de los potenciómetros deslizables , colocados de forma que permite visualizar la compensación realizada. 

Booster
Este punto es un tanto controvertido ya que tanto el boost (literalmente "empuje", "incremento") como el overdrive (saturación) y la distorsión están en la misma categoría. De hecho hay mucha gente que no conoce la diferencia entre booster y overdrive, al igual que muchos tampoco aciertan a diferenciar overdrive de distorsión...Y estos son conceptos que debemos tener muy claros porque muchas veces no conseguimos acercarnos a algunos de nuestros sonidos favoritos precisamente porque no sabemos qué necesitamos.

Un booster cumple una función que tiene muchos parecidos con un overdrive pero que también tiene muchas diferencias. En un overdrive encontraremos un recorte de graves, unas variaciones en los agudos que nos darán ese golpe extra que buscamos al usar la saturación por pedal. Usando un booster lo que tendremos será un aumento de la señal que hará que las válvulas se saturen, en transistores nos aumentará la presencia de la guitarra y si lo aplicamos en un amplificador limpio nos subirá el volumen. A esto hemos de sumar una importantisima variación: los booster de una frecuencia específica. Hay booster en los que podemos regular varias frecuencias pero también tenemos booster de agudos y bosteer de graves. 

Overdrive y distorsión
Son dos cosas distintas que debemos saber distinguir. El overdrive es el término inglés para "sobrecarga". El sonido limpio de los primitivos amplificadores valvulares se rompía al alcanzar el volumen al que las válvulas saturaban. 

Los pedales de distorsión son mucho más potentes y fríos que los overdrives. Por lo general también más agudos. Con ellos se busca el sonido de alta ganancia y no se presta tanta atención a la dinámica. Son prácticamente exclusivos de la música metal y sobretodo en las variantes más extremas. Se busca un sonido cortante y directo con ganancia de sobra. 

Un caso especial de overdrive lo tenemos con los pedales Fuzz. El fuzz es uno de los sonidos característicos de muchos guitarristas, principalmente el responsable de que muchos adoremos este tipo de saturación es Jimi Hendrix. Parece ser que una mesa de mezclas defectuosa fue la "culpable" del nacimiento del Fuzz. El inglés es un idioma tremendamente onomatopéyico y el nombre de este pedal hace, precisamente, referencia al zumbido que envuelve el sonido de esta saturación. De hecho como se narra en algunas entrevistas al grupo The Who, en sus inicios rajaban los conos de los amplificadores para obtener ese sonido. Es el overdrive más particular del que hay muchísimas variantes. Es bastante más incontrolable pero a cambio nos da un timbre muy característico e identificable. Algunos de los mejores solos de la historia del rock tiene ese sabor único precisamente por estar envueltos en ese pequeño halo nebuloso y hasta cierto punto difuso que otorga el fuzz. 

Información adicional en Inglés




Victor Wooten

Victor Lemonte Wooten (nacido el 11 de septiembre de 1964) es un virtuoso bajista estadounidense y es considerado uno de los mejores bajistas del mundo.

El menor de 5 hermanos Victor Wooten, con dos años, su hermano Regi le enseñó a tocar el bajo, con 5 años Victor podía tocar líneas simples y conciertos. La banda de los Wooten five, formada por Regi, Rudy, Roy, Joseph , Victor y Ross.

Tocó durante los años 1970 en la ciudad de Williamsburg, Virginia en el parque temático Busch Gardens y fue telonero de Curtis Mayfield y War. Tras mudarse a Nashville, Tennessee en 1988 Victor fue inmediatamente reclutado por el cantante de blues y soul Jonell Mosser. Un año más tarde, se unió al maestro en banjo Béla Fleck, junto con Howard Levy, que tocaba el teclado y la armónica y el hermano de Victor, Roy Wooten como baterista. Su grupo, Béla Fleck and the Flecktones, se hizo famoso a base de tocar una mezcla de jazz, funk y Bluegrass, llegando más tarde a ser una de las bandas más desinhibidas estilísticamente del panorama. 

Wooten también ha sido miembro de varias bandas con miembros ya consagrados, como Bass Extremes (con Steve Bailey, Derico Watson y Oteil Burbridge), Vital Tech Tones (con Scott Henderson y Steve Smith), y el trío Extraction (con Greg Howe y Dennis Chambers). Victor también ha estado de gira con muchas bandas, incluyendo a Dave Matthews Band.

La evolución en los métodos de construcción de bajos eléctricos, como una acción más baja (distancia entre la cuerda y el diapasón) pareciéndose más a una guitarra de 4 cuerdas, permitió a Wooten desarrollar nuevas técnicas de pulsación que virtualmente no habían sido descubiertas en la época. Desarrolló la técnica del double-thumb (o doble pulgar) creada por Stanley Clarke, quien usa el pulgar y cuerdas finas (de bajo calibre) de forma similar a la púa de una guitarra junto con la técnica del slap funky, y la técnica open-hammer-pluck (slap-martilleo-pop), que a veces usa junto con múltiples hammer-on (martilleo).

Wooten normalmente toca bajos Fodera, de los cuales tiene un modelo signature (personalizado). Su bajo más famoso (que Wooten llama el número uno) es un Fodera Monarch Deluxe de 1983, lleva un puente de trémolo Kahler modelo 2400. Los bajos Fodera "Yin Yang" (diseñados y creados para Wooten) incorporan el símbolo del Ying Yang (que Wooten usa como merchandising). Puede pensarse que el símbolo está pintado sobre el bajo, pero realmente son dos piezas de ébano y acebo en acabado natural, unidas para crear el símbolo.

Aunque los bajos de Wooten reciben mucha atención, su respuesta más frecuente ante los fans es que "el bajo no hace música...tú la haces" y continúa argumentando que la característica más importante de un bajo es su confort al tocar, esto está relacionado con la creencia de Wooten de que la música es un lenguaje, entonces, al igual que cuando uno habla y nos fijamos en las palabras en vez de en la boca, de igual manera, al escuchar música no debemos centrar la atención en el instrumento.

BAJO - Slap, Thumbing y Poping

El slap es una técnica para tocar el bajo eléctrico, aunque se desarrolló inicialmente en el contrabajo, en la década de 1920. Asociado actualmente al estilo funk en el bajo, y al rockabilly en el contrabajo, es ampliamente usado por bajistas de todos los estilos. Esta técnica produce un sonido muy percusivo ya que las cuerdas del instrumento se golpean contra el mástil.

En el contrabajo la técnica de slap es una variante más agresiva del pizzicato. El efecto se obtiene, claramente, de dos movimientos combinados: El primero consiste en pulsar la cuerda tirando de ella con vigor y soltando, de manera que el rebote contra el mástil produce un chasquido seco; a continuación se ejecuta un golpeo contra la cuerda con los dedos extendidos como si se propinase una bofetada o azote (de ahí su nombre, slap, "bofetada" en inglés). 

La técnica es conocida por los músicos de jazz y blues desde por lo menos los años 20, atribuyéndose su implantación a músicos como Pops Foster, Steve Brown o Bill Johnson.
A partir de los años 40 se hace más habitual entre los músicos blancos, siendo adoptada por los artistas hillbilly y bluegrass. A partir de estos dos estilos, en los años 50 el rockabilly la convierte en su sello más característico. En la actualidad -arrinconado el contrabajo en la música pop y rock- multitud de estilos de música folklórica y popular de todo el mundo usan el bajo eléctrico y el slap como patrón rítmico recurrente.

Entre los grandes intérpretes de esta técnica a lo largo del tiempo, están Willie Dixon, Wellman Braud, Milt Hinton, Marshall Little, Al Pompilli, Bill Black, Paul Burlison, Jake Tullock, Jimbo Wallace, Kim Nekroman, Scott Owen, Chester Zardis, Dick McCarthy, Alcide "Slow Drag" Pavageau Les Claypool. Lee Rocker.

Normalmente, se usa el término para referirse a dos técnicas distintas, al Thumbing y a el Poping.

El Thumbing consiste en golpear la cuerda con el pulgar de la mano derecha (izquierda para los zurdos) haciendo que la cuerda golpee el mástil a la altura del último traste.

El Poping se basa en tirar con un dedo de la cuerda y soltarla repentinamente, produciendo un sonido seco, duro y percutido. El Thumbing and Poping (denominado por Larry Graham Slap and Poping) consiste en la mezcla de las ya mencionadas técnicas en conjunto con técnicas como el hammer on, Pull Off, Bending, Double plucking and Thumbing, y Muting, entre otras.

Se presume que la técnica conocida como thumbing and poping nace del bajista norteamericano Larry Graham, según él, la técnica fue resultado de que en su adolescencia al tocar con su madre requirieran urgentemente de un baterista para tocar en su banda, lo cual obligo a buscar un equivalente a la batería. Buscando una solución al problema, experimentó con el bajo eléctrico y buscó un sonido más agresivo con el objetivo de tener un equivalente a la base rítmica que proporcionaba la batería en una banda. Desarrolló la técnica, con la idea de que el golpe del pulgar contra las cuerdas, denominado Thumbing, fuera el equivalente a una caja o bombo de una batería y el golpe seco de las cuerdas contra el diapasón (en el caso del bajo eléctrico, produciendo un sonido más agresivo, rebotan contra el último traste), denominado Poping, fuera el equivalente a un hi hat.

Aunque esta técnica es generalmente asociada con el Funk (y subgéneros del Funk),en conjunto con jazz son varios los bajistas de géneros como el Rock, Pop, Metal que dominan la técnica como, por ejemplo: Michael Balzary (Flea), bajista de los Red Hot Chili Peppers, Mark King (Level 42), Dave LaRue ( quien colaboró con Dream Theater y John Petrucci), Stuart Hamm (Bajista que colabora con Joe Satriani en conciertos en vivo) entre otros.

Actualmente, la técnica ha evolucionado hasta una compleja de técnica que se considera el camino entre un instrumento melódico o armónico y la percusión gracias al constante desarrollo de la técnica en el bajo eléctrico. 

Dentro del Slap se contemplan diferentes técnicas destinadas a dar apoyo rítmico (Muting en sus diferentes formas) y a dar un motivo melódico y armónico al Thumbing and Poping (Slap bass). A causa de esas técnicas se pueden apreciar ejercicios sumamente complejos como, por ejemplo, tripletes (3 notas con un intervalo entre dos de las tres notas de menor duración) que, en conjunto con el double plucking and thumbing (Thumbing con un movimiento que imita a una púa al tocar y Poping a dos dedos), permiten estructuras rítmicas, melódicas,y armónicas (progresiones) sumamente complejas.

A pesar de que el Slap es una técnica que se desarrolla de manera única a causa de el diferente estilo que pueda tener un bajista al tocar en comparación con otros, se reconoce el Slap de Flea, Mark King, Victor Wooten, Les Claypool, Marcus Miller, Reginald Arvizu, Stuart Hamm, Stanley Clarke (creador de el double thumbing), entre otros como un modelo a seguir, siendo estos considerados algunos de los bajistas más virtuosos.



Generalmente, la popularización de esta técnica para el bajo eléctrico se atribuye al bajista Larry Graham que tocaba en los años 1960 en Sly & The Family Stone.


BAJO - Cuerdas

¿Con qué frecuencia debo renovar las cuerdas de mi Bajo Electrico?
Esto depende directamente de la cantidad de tiempo que se utiliza el instrumento y el cuidado que se le da a este. Las cuerdas son el nexo entre nosotros (Nuestros dedos) y el instrumento, por lo que son de suma importancia y se les debe dar un cuidado acorde.

Un primer factor podría referirse al presupuesto individual del músico. Pero diría que las cuerdas no son precisamente las piezas más caras a una necesaria renovación, mientras que, generalmente, el instrumento gana en los armónicos de su sonido, gozando nuestros oídos de una agradable satisfacción cuando le instalamos un nuevo juego de cuerdas.

Por otra parte, a medida que usamos nuestro bajo, además de envejecer los materiales, se va depositando, poco a poco, grasa y transpiración que inconscientemente emanamos desde nuestros dedos, creando capas sobre capas de grasitud depositadas sobre las cuerdas, que las torna así más toscas y perezosas, con un sonido menos brillante (por ejemplo, por ir perdiendo su baño de níquel), hasta que finalmente llegaremos a apreciar que suenan opacas y apagadas.


¿Como saber si mis cuerdas necesitan ser reemplazadas?
Existen muchas formas para darse cuenta que tu cuerdas ya no suenan correctamente.

Llevar tu instrumento a un luthier. Este no solo te asesora en materia de cuerdas, sino que también chequea el estado general del instrumento.
Si ya cambiaste tus cuerdas alguna vez, debes saber que tu bajo debe sonar de esa forma. Me refiero a que el sonido correcto de las cuerdas es el que poseen al colocarlas por primera vez. Este sonido brilloso y con sustain va disminuyendo con el paso del tiempo. Obviamente no vamos a cambiar nuestras cuerdas todas las semanas, Lo que debemos hacer es buscar un criterio razonable por el cual no derrochemos nuestro dinero pero tampoco dejemos de sonar bien. Un show importante, una grabación, una calibración anual son buenos momentos para el cambio.

Compara el sonido de tu instrumento con el sonido de tu músico preferido. Ya se que además de las cuerdas, el sonido logrado depende del bajo, amplificador, ecualizador, parlante, etc, etc, etc. Sin embargo el sonido de las cuerdas es muy audible ya que el 80 por ciento del sonido final proviene solo de las cuerdas. El resto es audio.

Tipos de Cuerdas

Roundwound: Tienen un entorchado más áspero, a pesar de lo cuál suelen ser las más demandadas, porque proporcionan un sonido más brillante y rico en armónicos, los cuales “envolverán” a los tonos principales emitidos por cada cuerda, e incluso obteniendo al tiempo un mayor “sustain” (más tiempo sonando mientras se mantenga la cuerda pulsada) y que luego lo podrás mitigar a tu gusto, usando el resto de dedos de la mano. Estas cuerdas son utilizadas en una amplia variedad de estilos, tales como (rock, pop, folk, blues, jazz, musica latina, etc.).

Flatwound: Son lo contrario a las anteriores, con un entorchado más plano o “liso”, nada áspero, pero que, a cambio, nos entregan un sonido con menos armónicos, como menos “aterciopelado”, algo más grave y con menos “sustain” respecto a las anteriores. Estas cuerdas son recomendables para usarlas con los diapasones “fretless” (bajos sin trastes), para así evitar daños o marcas no deseadas en la madera de ese diapasón, al presionar contra ella las cuerdas con nuestros dedos. 

Halfwound: Se utilizan menos y son, aparentemente, una mezcla resultante entre los dos tipos descritos anteriormente, con la parte superior construida con entorchado plano, mientras en la inferior tiene un entorchado más pronunciado.

Groundwound: Son muy parecidas a las primeras, con un entorchado “normal” pero al que se le ha aplicado una lijadura más o menos pronunciada, lo que, evidentemente, le restan algunos armónicos.

Tapewound: Son también parecidas a las primeras, pero éstas recubiertas de un fino acabado de Nylon que consigue un sonido algo “redondo” y de gusto un tanto especial, quizá preferidos por algunos músicos bajistas que interpretan tipos muy determinados de jazz clásico.

Coated: Son encordados generalmente del tipo Roundwound, aunque pueden ser de cualquier tipo, a los cuales se les aplica una pintura especial sobre la superficie de la cuerda, lo que le brinda una protección contra la grasitud y la corrosión. Las cuerdas Coated son más caras que las cuerdas que no poseen este proceso, sin embargo su sonido original dura mucho mas, resultando en cuerdas nuevas siempre. Se las puede conseguir sin color o coloreadas, dependiendo del fabricante.

Marcas
Existen muchisimos fabricantes de encordados para bajo electrico. Practicamente todos los fabricantes de instrumentos e insumos musicales fabrican cuerdas de bajo. Aqui una lista de los fabricantes que conozco. Si me olvide de alguna, por favor díganmelo.

  • Adams
  • Black Diamond
  • Clearton
  • D´addario
  • D´angelico
  • Darco
  • Dean Markley
  • De Armond
  • DR Strings
  • Dunlop
  • Elixir
  • Ernie Ball
  • Everl
  • Fender
  • Fodera
  • Guild
  • GHS
  • Hartke
  • Ken Smith
  • La Bella
  • Martin & Co.
  • Oasis
  • Optima
  • Peavey
  • Pedulla
  • Rotosound
  • Rouge
  • SIT
  • Spector
  • Stagg
  • Steinberger
  • Thomastik
  • Warwick

¿COMO CALIBRAR UN BAJO?

Los pasos principales para el correcto ajuste de nuestro bajo, debemos asegurarnos de haber colocado correctamente las cuerdas (es recomendable aprovechar el cambio de cuerdas para realizar los ajustes). 
Una colocación correcta sería por ejemplo asegurarse de que al enrollar la cuerda sobre el clavijero, no montamos unas vueltas de cuerda sobre otras, esto es esencial, para que después una vez tensas y ajustadas no se muevan mas y no se nos desafine el bajo en el momento mas inesperado. 

Además como consejo es bastante recomendable dejar el suficiente sobrante de cuerda al cortarla como para poder enrollar bastantes vueltas de cuerda y conseguir así que el punto de "partida" de la cuerda hacia la cejuela esté bastante abajo, aumentando así el ángulo de la cuerda sobra la cejuela, y por tanto manteniendo una mayor presión sobre ella. 

Una vez colocadas las nuevas cuerdas, se afina para que el mástil reciba la tensión con la que lo vamos a ajustar, pues lo primero que deberemos ajustar será el alma, para encontrar el equilibrio correcto entre la fuerza de las cuerdas y la del alma (son fuerzas que se contrarrestan, el ajuste consiste en equilibrarlas hasta cierto punto) 
La entrada a la cavidad del tornillo de ajuste del alma puede estar en la pala o en la base del mástil, dependiendo del modelo de bajo, puede también ser un modelo con dos almas, en cualquier caso el método de ajuste suele ser el mismo. Se aprieta girando en el sentido horario, y se afloja en el sentido contrario. 
En este ajuste (el más peligroso de todo el proceso) hay que andarse con mucho ojo, no dar mas de un cuarto de vuelta por vez, y aun así, no debería costarnos más de media vuelta en total ajustar correctamente un instrumento, de ser así, existiría algún problema más serio que nos estaría invitando a hacer una visita al luthier. 

Para comprobar si necesitamos dar más o menos relieve al mástil, (a este ajuste de alma también se le llama así) podemos ayudarnos de una cejilla, para colocarla en el traste 1, con el dedo pulsamos en el primer traste del mástil que hace "contacto" en el cuerpo (me refiero a donde el mástil ya está encastrado en el cuerpo del bajo, a esa altura...) y medimos hacia la mitad de estos dos puntos (suele caer sobre los trastes 7-9) la distancia de la cuerda de mayor calibre a la parte superior del traste, podemos considerar como un buen ajuste un intervalo que situaría entre los 0.5mm y los 1.2 mm. 

Si la distancia es mayor deberemos apretar un poco (UN POCO!!) el alma, sentido horario. Si la distancia es menor, (prácticamente la cuerda toca el traste) hay que aflojar un poco.

En todo este proceso, hay que tener paciencia, porque la madera puede tardar un tiempo en adaptarse totalmente a los cambios...así que es prudencial esperar unas horas en cada cambio, empezando desde la puesta de cuerdas, y continuando por cualquier giro de alma, que repito una vez más, deben hacerse con mucha precaución. Un bajo con el relieve del mástil ajustado gana muchísimo en comodidad, pero aun podemos mejorarlo, sin meternos en trabajos de luthería más avanzada. 
Para ello seguimos por el ajuste de la altura de las cuerdas. Por extraño que parezca a muchos, rara vez un diapasón (sea de guitarra eléctrica o bajo) es totalmente plano, tienen cierta curvatura llamada "Radio", a la hora del ajuste de la altura debemos tener esto en cuenta, la mayoría de puentes actuales permiten un ajuste totalmente individual por selleta/cuerda, con lo cual esto no nos debe suponer un problema. 

Por ejemplo, yo suelo medir la altura de la acción en el traste 24, principalmente por que me fío de "mis" mástiles y se que si consigo allí una buena acción sin trasteos, lo habré conseguido a lo largo de todo el mástil. Por supuesto esto es aplicable a cualquier mástil con el relieve correctamente ajustado y que aguante dicho ajuste sin problemas. Una acción habitual catalogada como "baja" sería de unos 2-2.5 mm en el traste 24, yo habitualmente trato de poner los mástiles a punto para poder ser utilizados con una acción de 1.3/1.5 mm en el mismo punto, para que así digamos "vayan sobrados" para sonar perfectamente con el ajuste a 2mm. 
Dicho ajuste (1.3/1.5mm) suele ser demasiado bajo para la mayoría de bajistas, porque requiere una precision extrema a la hora de tocar y sonar totalmente limpio, ya sabemos que las leyes de la física no son quebrantables y con esa acción si se toca un poco más fuerte de lo normal, la amplitud de la vibración de la cuerda (en especial las graves) va a tocar traste, y tener una perdida de sonido en consecuencia. 

Es recomendable seguir en cada cuerda una altura similar, recordar que el diapasón no es plano...con lo cual cada cuerda seguirá la curva marcada por el diapasón y trastes, y a su vez las agudas a la vista estarán más bajas que las graves, debido a su menor diametro, pero en realidad la distancia medida desde el inferior de la cuerda a la corona del traste debe ser similar. Una vez ajustadas las cuerdas a la altura deseada, el tacto habrá mejorado más aún. 

Llega la hora de empezar a ajustar temas de sonido, el quintaje es esencial para tocar "afinado" en todo momento. Hay varias formas de hacer esto, un método sencillo, que se recuerda fácilmente, y que se puede llevar a cabo con cualquier afinador electrónico, se trata de conseguir en cada cuerda que pisando al aire, en el traste 12 y en el 24 sucesivamente el afinador nos diga siempre que estamos correctamente afinados en la nota que corresponda. 
Para ello usamos los tornillos que desplazan las selletas hacia delante o atrás, con esto conseguimos una compensación de escala, ligeramente distinta para cada cuerda, cosa necesaria debido a la diferencia de calibre entre éstas. 

Sabiendo esto tratamos de afinar con exactitud el bajo con las cuerdas al aire, y comprobamos el estado de la afinación en el 12, si el afinador nos dice que estamos más grave debemos mover la selleta hacia el puente (es decir, acortar la distancia de la cuerda), movemos un poco, tampoco es conveniente hacer cambios bruscos a no ser que ya tengamos experiencia.

CÓMO CREAR UNA BUENA LINEA DE BAJO

Las líneas de bajo son muy importantes lo parezcan o no. Ellas nos dan la sensación de movimiento y nos muestran la estructura base con la que está construida la canción. Dependiendo de la música, hay diferentes métodos para escribir una línea de bajo, pero hay aquí están algunas de las comunes.

Antes de escribir una línea de bajo, es fundamental conocer los acordes de la canción. También la melodía es muy importante para visualizar la línea de bajo. Hasta que se tenga una experiencia adecuada, ¡este debe ser siempre el primer paso!

Cuando se comienza a hacer una línea de bajo, debes encontrar la nota base del acorde en el bajo. Hasta este punto, una línea de bajo Punk está casi automáticamente hecha tocando repetidamente estas notas. Para tener una línea más interesante es útil suavizar primero la línea de bajo.
Para suavizar la línea de bajo, usa escalas o pequeños saltos para conectar los acordes entre si. No tengas miedo de invertir los acordes, o cambiar la nota más baja del acorde.

Después de esto, revisa la melodía y escucha si suena de forma independiente a la línea de bajo. Intenta usar movimientos contrarios, como cuando la melodía va subiendo, entonces el bajo va hacia abajo y viceversa.
Hasta aquí, ésta es una línea de bajo simple. Esta podría ser suficiente para algunos, pero los más creativos quieren embellecer más. Para empezar, experimenta con ritmos para mantener el Groove (Sensación rítmica).
Luego toma otras notas del acorde o notas cercanas a la nota original y toca estas de vez en cuando. Asegúrate de enfocarte en las notas principales.

Deja que las líneas de bajo complementen las otras partes. Si estas tienen un Riff, al bajo le encantará acompañarlo. No hagas una copia de otra parte.

Consejos
  • Escucha otras canciones que tengan el mismo estilo que tu pieza maestra. Aparentemente esas canciones tienen algo y sus líneas de bajo funcionaron.
  • Recuerda que la línea de bajo no tiene que ser la parte más interesante de la canción. Si suena bien con otras partes, entonces debe estar bien a menos que tenga que ser una enmienda a la misma.
  • Ten en mente la dificultad que requiere tocar la línea.
  • Mira en la teoría musical para entender escalas y arpegios. También asegúrate de comprender bien los acordes.

Advertencias
  • No lo escribas de manera torpe y siéntete satisfecho. La línea tiene que complementar las partes, no arruinarlas.
  • No te rindas. Es difícil para algunos sin ninguna formación musical previa, pero es posible lograrlo.

Cosas que necesitarás
  • Papel y lápiz.
  • Una melodía y acordes básicos.
  • Tiempo libre.

AFINANDO EL BAJO

En el siguiente dibujo puedes ver las notas que deben sonar al pulsar al aire las cuerdas de un bajo afinado. Debes saberlas de memoria. La línea superior representa la primera cuerda, que es la cuerda más fina, y la línea inferior representa la cuarta cuerda, que es la cuerda más gruesa. 



Cada traste del bajo representa una variación de medio tono en la nota. Si tomamos por ejemplo la cuarta cuerda (Mi) y pulsamos en el primer traste, estaremos subiendo medio tono la nota, y obtendremos un Fa. Si subimos de nuevo traste a traste tendremos un Fa#, Sol, Sol#, La...
Al pulsar en el quinto traste de la cuarta cuerda tendremos un La. Y La es precisamente la nota que obtenemos al pulsar la tercer cuerda al aire. Utilizaremos eso para afinar el bajo.

Al pulsar en el quinto traste de la cuarta cuerda tendremos un La . Y La es precisamente la nota que obtenemos al pulsar la tercera cuerda al aire. Si el bajo está afinado, al pulsar en el traste 5 de la cuarta cuerda deberá sonar igual que la tercera cuerda al aire.

Bajamos una cuerda, y pulsamos ahora en el traste 5 de la tercera cuerda. Tendremos un Re, y Re es la nota que obtenemos al pulsar al aire la segunda cuerda. Al pulsar la segunda cuerda en el traste 5, debe sonarnos igual que la primera cuerda al aire, Sol.


Resumen:
Pulsar cuarta cuerda en traste 5 y tercera cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la tercera cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar tercera cuerda en traste 5 y segunda cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la segunda cuerda, hasta que suene la misma nota.
Pulsar segunda cuerda en traste 5 y primera cuerda al aire. Comparar. Si no dan la misma nota, girar el clavijero de la primer cuerda, hasta que suene la misma nota.

BAJO - PREGUNTAS FRECUENTES

1. ¿Qué clase de bajo debo tocar?
Toca cualquier tipo de bajo con el que tu te sientas cómodo. Tiene que gustare su sonido. Te tiene que agradar cómo se siente el brazo. También es importante que te guste cómo se ajusta a tu pierna o cómo se equilibra cuando estás de pie tocando. Escoge con cuidado y se exigente. ¡Ah! no compres cualquier bajo solo porque tu bajista favorito lo usa: tal vez no sea el mejor bajo para vos.

2. ¿Hay diferentes tamaños de bajos?
Si. La mayoría de los bajos tiene una escala de 34 pulgadas. Esto significa que desde el puente hasta la cejilla hay 34 pulgadas. Esta es la llamada "escala larga". La escala de 32 pulgadas es la escala corta. La escala de 35 pulgadas es conocida como extra-larga. La mayoría de los bajistas tocan en escalas de 34 pulgadas, como el caso de los bajos Fender.

3. ¿Debería considerar el usar un bajo de escala corta?
Si tus manos son pequeñas un bajo de 32 pulgadas puede ser adecuado para ti.

4. ¿Los bajos de escala corta suenan diferente?
Definitivamente. El sonido no es tan "gordo" ni tan profundo. Entre más largo es el bajo, más profundo es el sonido.

5. ¿Por qué la escala del brazo cambia el sonido?
Entre más cortas son las cuerdas, se deben aflojar más para tener el tono correcto. Esto hace que las notas no puedan alcanzarse adecuadamente. Entre más larga es la cuerda mayor es la tensión y la nota es mas clara. Observa un piano de cola y verás que las cuerdas son muy largas. Entre más altas son las notas más cortas son las cuerdas. Es una cuestión de física.

6. ¿Qué diferencia hay entre un bajo "activo" y uno "pasivo"?
Un bajo activo usa una batería de 9 volts para amplificar las pastillas. Los controles de tono también son activos y puedes controlar mejor las frecuencias con lo que logras una mejor ecualización que en un bajo pasivo.
Un bajo pasivo no tiene batería y no tiene un volumen tan alto. Tendrás que compensar esto subiéndole el volumen tu amplificador, sin embargo el sonido también es bastante bueno.

7. ¿Cuándo debo cambiar la batería en un bajo activo?
Cuando empieza a distorsionar. Una batería debe durarte un año, a menos que dejes el cable enchufado todo el tiempo.

8. ¿Mi bajo debe tener una o dos pastillas?
Depende. Un bajo con una buena pastilla estrategicamente colocada puede darte una respuesta tonal mil veces mejor que un bajo con dos pastillas corrientes o mal colocadas. Sin embargo si lo que quieres es una gran variedad tonal, dos pastillas son la mejor opción. Si lo que quieres es desarrollar tu habilidad en obtener sonidos distintos gracias a tus dedos entonces el bajo de una sola pastilla es suficiente.

9. ¿Por qué zumban mis cuerdas cuando toco?
Puede haber muchas razones: Tal vez los trastes estén demasiado gastados o la altura de las cuerdas está mal ajustada. Si estás ejecutando correctamente y zumba, es buena idea llevarlo con un especialista para que lo revise.

10. ¿Qué tan frecuentemente debo cambiar las cuerdas?
Entre más toques, más frecuentemente deberás cambiar las cuerdas. Si no tocas tanto, puedes pasarte un buen tiempo antes de cambiar las cuerdas. No desperdicies tu dinero si solamente tocas ocasionalmente (A menos que estés aprendido slap o pop, porque con cuerdas nuevas es mucho más fácil este tipo de técnicas).

11. ¿Pedo hervir las cuerdas de mi bajo?
Por supuesto. Son las cuerdas nuevas de los pobres. Pon tus cuerdas en un recipiente (olla, etc.) para calentarlo en la cocina. Ponle una gota de detergente líquido (nunca en polvo porque se acumula) y ponlas a hervir. Hiervelas durante un par de minutos. Cambia el agua y vuelve a hervirlas (esto es para enjuagarlas). Deja que las cuerdas se sequen. Cuando las pongas de nuevo será casi como tener cuerdas nuevas.

12. ¿Qué significa "entonación"?
Es el proceso de ajustar la longitud de la cuerda para que esté afinada correctamente. Todas las cuerdas deben estar afinadas y dar el mismo tono al tocarlas abiertas o en el traste doce (solo que una octava más arriba).

13. ¿Cómo se si mi bajo necesita entonarse?
Si cuando tocas notas en el traste 12 o más arriba y suenas desafinado. Pueden entonar tu bajo en cualquier tienda de instrumentos musicales.

14. Si una cuerda zumba ¿Cómo puedo reparar la altura de las cuerdas yo mismo?
Trata de hacerlo en incrementos pequeños.

15. ¿Cómo se si el brazo necesita ajustarse?
Si las cuerdas se ven realmente altas y el bajo es difícil de tocar, tal vez tu brazo esté arqueado. Si al tocar las cueras zumban en diferentes trastes, tal vez tengas un problema con el brazo. En ambos casos necesita ajustarse. Esto lo debe hacer un especialista, tus posibilidades de hacerlo solo y arruinar el bajo son tremendas. No lo intentes.

16. ¿Puedo ajusta el brazo yo mismo?
Solo si tienes mucha experiencia. Lleva tu bajo a un especialista. Estos ajustes son muy delicados y puedes dañar permanentemente el instrumento si no sabes lo que estás haciendo.

17. ¿Hay alguna técnica especial al ponerle cuerdas al bajo?
Si. Pero antes, no olvides colocar en la cejilla superior (donde hace contacto la cuerda) grafito (puedes obtenerlo de un lápiz) para disminuir la fricción y aumentar la vida de la cejilla. Cuando cambies las cuerdas, asegúrate de dejar suficiente cuerda para que no se suelte al afinar, pero no demasiada porque las cuerdas del bajo son muy gruesas. Corta con unas pinzas el sobrante.

18. ¿Hay algún método correcto para afinar?
Afina las cuerdas y estíralas. Siempre afina de tonos bajos a agudos.

19. ¿Debo estirar las cuerdas cuando afino?
Si. Muchos olvidan estirar un juego de cuerdas nuevas. Estíralas suavemente con la mano. Vuelve a afinar. Repite. Afina. Repite. Puede tardarse un poco, pero sin duda será fundamental para que estés correctamente afinado.

20. ¿Qué tipo de amplificador debo usar?
Compra una amplificador con suficiente potencia. Tal vez no la uses, pero la potencia de reserva le dará fuerza y cuerpo a tus notas. Si no tienes suficiente potencia el amplificador distorsionará y las notas tendrán un sonido débil. El bajo debe ser fuerte para dar el ritmo al grupo.

21. ¿Puedo usar un sistema inalámbrico con mi bajo?
En general los sistemas análogos inalámbricos arruinan el sonido del bajo porque lo comprimen. Muy pocos bajistas usan sistemas inalámbricos por esa razón.
Los sistemas inalámbricos digitales no tienen este problema. Sin embargo no olvides que un bajista no puede estar brincoteando de aquí para allá, porque pierde el ritmo. Por eso notarás que el bajista de cualquier grupo no se mueve mucho (o casi no se mueve) porque necesita tener una noción clara del ritmo y si se anda moviendo de un lado para otro pierde concentración.

22. ¿Qué efectos son buenos para el bajo?
Casi todos pero en dosis pequeñas. Solo es un efecto. Puedes usar chorus, flanger, distorsión, delay,  filtros, etc. Si no usas demasiado, sonará bastante bien.

23. ¿Cual es la desventaja de usar efectos?
Cada vez que agregas un efecto hace el sonido de tu bajo más pequeño. Los efectos eliminan el "punch" y articulación que son tan difíciles de obtener. Una buena idea es tener dos amplificadores: en uno amplificas la señal limpia y en otro le colocas el efecto.

24. ¿Debería tocar una bajo de 5 cuerdas?
Solo si ya dominas un bajo de cuatro cuerdas y si utilizas muchas notas altas.

25. ¿Los bajistas pueden tocar solos?
Por supuesto, sin embargo esto es la excepción y no la regla. Desgraciadamente, a la gente en general no le gustan los solos de bajo y si no armas un solo realmente bueno, estarás perdiendo el tiempo. El bajista está en el grupo para crear el ritmo junto con el baterista.

26. ¿Cual es el papel del bajista?
Crear un cimiento sólido de ritmo estable y una dosis de armonía y contrapunto melódico. El bajista es el "pegamento" entre la batería y el acompañamiento.

27. ¿Cuánto debo practicar?
Tanto como te sea posible. ¿Has visto a algún bajista profesional? Parece que no se esfuerza y lo que hace se ve fácil. Bueno, es fácil ejecutar algo si antes lo practicaste seriamente.